Passeggiata alla scoperta di San Lorenzo, evento gratuito
2025-04-12 16:30 - 17:30 (Europe/Rome)
Sabato 12 aprile appuntamento con una passeggiata alla scoperta del Quartiere San Lorenzo a Roma.
Un’iniziativa a cura dei giovani Touring Club italiano (TCI) nell’ambito del protocollo d’intesa con il Municipio II e con il supporto dell’Assessorato municipale alla Mobilità.
Attraverso luoghi emblematici per la storia del quartiere saranno percorse le tappe dell’evoluzione di un quartiere in cui memoria storica e rigenerazione urbana si fondono in una affascinante complessità, simbolo di una città che non dimentica e che rende ancora oggi San Lorenzo un luogo in cui vivibilità e vivacità si uniscono in un’identità profonda.
Evento gratuito.
Prenotazione obbligatoria sui canali social istituzionali TCI.
PARTENZA DA VIA DEI VOLSCI, DI FRONTE AL CIVICO 122
APPUNTAMENTO ALLE ORE 16:30

ÀAÀ, Àwòrán Aláṣejù Àṣà - Olamilekan Abatan e il Neobarocco africano
2025-04-12 17:30 - 2025-06-07 19:00
La Black Liquid Art Gallery, sabato 12 aprile 2025 presenta ÀAÀ, Àwòrán Aláṣejù Àṣà – Olamilekan Abatan e il Neobarocco africano, una mostra a cura di Antonella Pisilli, che porta alla luce la straordinaria capacità del giovane artista nigeriano Olamilekan Abatan di reinterpretare i grandi classici attraverso una lente contemporanea.
Nato a Lagos nel 1997, Abatan è considerato uno dei maestri dell’iperrealismo africano, capace di mescolare l’estetica classica occidentale con elementi della cultura visiva africana. Nei suoi dipinti, l’influenza dei maestri del Rinascimento e del Barocco si fonde con dettagli moderni e identitari: i tessuti wax africani, con i loro colori vibranti e motivi geometrici, diventano parte integrante della composizione, avvolgendo i soggetti e radicandoli in una visione culturale potente e autentica.
Dopo la laurea in arti visive, Abatan ha intrapreso la carriera artistica con straordinario successo, imponendosi sulla scena internazionale grazie alla sua maestria nella tecnica del carboncino e della matita. Il suo lavoro affonda le radici nella tradizione tessile africana, utilizzando i motivi dei tessuti come veicolo di memoria storica e di orgoglio culturale. Nei suoi primi lavori, emerge un forte senso di appartenenza alla cultura africana, un’espressione visiva del potere nero e della resilienza del suo popolo.
Negli ultimi anni, l’artista ha approfondito il linguaggio drammatico della luce e dell’ombra, ispirandosi a Caravaggio e alla sua capacità di trasformare la pittura in un palcoscenico teatrale. Le sue opere collocano l’uomo africano al centro della storia dell’arte globale, ricollocando figure classiche in un contesto attuale.
Tra i lavori esposti, spicca Sansone e Dalila, dove Abatan reinterpreta la celebre iconografia del tradimento e della vulnerabilità con una sensibilità contemporanea. Se Rubens accentuava il dramma con un gioco di luci ed ombre, Abatan inserisce i protagonisti in uno spazio bidimensionale, definito dal tessuto wax, che diventa un segno identitario e culturale. Il dettaglio del tablet con il logo Netflix suggerisce una lettura attuale del concetto di distrazione e inganno, mentre il tatuaggio sul braccio di Sansone – un teschio avvolto da un serpente – rafforza il tema del destino e della forza illusoria. Quest’opera è una riflessione sulla fragilità umana, ma anche un’affermazione della resilienza culturale africana. Nell’opera Flagellazione, invece, si ispira alla grande tradizione della pittura caravaggesca. Qui, Abatan elimina ogni artificio decorativo e si concentra sulla brutalità della sofferenza, mostrando il corpo umano in tutta la sua fragilità e potenza espressiva. La luce non crea uno spazio definito, ma isola e monumentalizza i personaggi, trasformando il dolore in una dimensione iconica e quasi mistica
La mostra offre anche uno sguardo sul processo creativo di Abatan, grazie ai video che documentano il suo uso sapiente della luce e della composizione. Proprio come Caravaggio, l’artista costruisce un teatro visivo in cui il soggetto emerge in tutta la sua intensità, raccontando storie di forza, bellezza e identità.
Come osserva lo storico dell’arte Moyo Okediji, nel catalogo edito da Gangemi Editore che accompagna la mostra, Abatan sviluppa una lingua pittorica pidgin, in cui elementi visivi africani e occidentali si fondono in un nuovo linguaggio espressivo. “Abatan non è un artista in esilio,” scrive Okediji, “la sua arte nasce a casa, dall’Àṣà yoruba, e utilizza la pittura europea come uno strumento, non come un fine.” In altre parole, le sue opere non si limitano a riproporre il canone occidentale, ma lo trasformano, dando vita a una narrazione visiva profondamente radicata nelle sue origini culturali.
Secondo Priscilla Manfren, Abatan si inserisce nel contesto dell’arte globalizzata con una visione che unisce tradizione e innovazione. “La sua arte non cerca un luogo di approdo definitivo,” afferma la studiosa, “ma esplora continuamente le possibilità di contaminazione tra passato e presente, tra estetica e contenuto, tra visione e riflessione.”
Abatan è stato recentemente esposto alla mostra Strategic Interplay: African Art and Imagery in Black and White presso il Toledo Museum, un evento che esplorava la potenza espressiva delle immagini in bianco e nero nell’arte africana contemporanea, in questa occasione l’opera The next move è stata acquisita dal prestigioso museo, a conferma del valore della sua ricerca artistica. Le sue opere fanno parte di collezioni internazionali di rilievo, consolidando la sua posizione come uno degli artisti più innovativi della scena contemporanea.

Evita Andújar alla Von Buren Contemporary con la personale Captured Moments
2025-04-12 18:00 - 2025-05-06 19:30
Ispirandosi ai selfies presenti nei social network, l’artista dipinge figure femminili immerse in ambienti domestici servendosi della pittura ad olio su tela misto lino, segnando così un punto di svolta nella sua pratica artistica, precedentemente incentrata sull’uso dell’acrilico.
Le donne, protagoniste indiscusse delle sue opere, si lasciano andare ai propri pensieri e assumono una varietà di pose e atteggiamenti che trasmettono un latente senso di inquietudine, spesso rivelato solo nell’intimità delle mura private. Andújar utilizza delle fotografie come punto di partenza per trasformarle successivamente in immagini cariche di significati e pathos, mediante un processo di interpretazione della realtà che si rifà al suo vissuto personale.
Dunque, attraverso un cromatismo brillante e le pennellate veloci ma controllate che definiscono la sua nuova serie di dipinti, l’artista intende celebrare l’universo femminile come portatore di valori esistenziali ed emotivi, andando oltre l’estetica dei corpi.

Queer Poetry Speaks Up! Open mic + Poetry Guest: Daniela Falone
2025-04-12 20:00 - 23:00
Queer Poetry Speaks Up! Open mic + Poetry Guest: Daniela Falone
La rassegna di eventi di poesia da bar.lina presentato da Questa Cosa Queer
Sabato 12 aprile, alle ore 20, torna la poesia performativa da bar.lina (Viale dello Scalo San Lorenzo 49, Roma). Nello spazio più queer di San Lorenzo, un microfono aperto per poesie, monologhi e tutto quello che vi viene in mente, per creare uno spazio safe in cui si parli ad alta voce di quello che non sempre si riesce a dire. A condurre la serata Olympia.
Poetry Guest: Daniela Falone è co-fondatrice di Questa Cosa Queer, gruppo artistico per la promozione della poesia queer in Italia. Cresce in un piccolo paese nell’entroterra abruzzese, Montefino. Scrive e partecipa a poetry slam dal 2017 ed è stata finalista nazionale del campionato LIPS nel 2022. Fa parte della tribù poetica VoceVersa, con cui promuove eventi di poesia performativa sul territorio romagnolo.
Durante l’open mic ogni partecipante avrà a disposizione 5 minuti per poter condividere i propri versi. Non sarà un poetry slam, quindi nessun divieto: oggetti, trucco e costumi sono incoraggiati per poter garantire la massima libertà di espressione.
INFO:
questacosaqueer@gmail.com
https://www.barlina.org/
https://www.instagram.com/questacosaqueer/

Traindeville e Paolo Pesce Nanna al Boogie Club con "Racconti Romani"
2025-04-12 21:00 - 23:30
Traindeville e Paolo Pesce Nanna in “Racconti Romani”
Sabato 12 aprile alle 21
Boogie Club Roma
Via Gaetano Astolfi 63/65 (Portuense-Marconi)
Orari OPEN 20:00 LIVE 21:30
MUSIC FEE €5
I Traindeville tornano sul palco del Boogie Club per presentare il nuovo album “Racconti Romani” ispirato da una fortunata esibizione all’Ottobrata Monticiana nell’ottobre 2023. Assieme alla band l’attore comico e scrittore Paolo Pesce Nanna con i suoi gustosissimi monologhi: quadri di una città in continua evoluzione con tutti i suoi chiaroscuri e personaggi esilaranti che gli spettatori potranno apprezzare tra canzoni originali ed evergreen della tradizione capitolina, in una originale forma di teatro-canzone “alla romana”. Lo spettacolo è stato proposto al pubblico in una gustosa serata a Ferragosto 2024 all’Aniene Festival e successivamente al pubblico super-verace dell’Ottobrata Monticiana dello stesso anno.
Il duo di Ludovica Valori (voce e fisarmonica ) e Paolo Camerini (contrabbasso, basso acustico), affiancato dalla chitarra di Fabio Gammone, proporrà al pubblico un proprio personalissimo percorso nella canzone romana: microcosmo affascinante e spesso tragico, ricchissimo di storie e di figure che hanno segnato l’identità collettiva della Capitale. Da sempre la band esplora i suoni del mondo ma non ha mai trascurato di coltivare le proprie radici – basti pensare ai brani originali in dialetto romanesco composti da Ludovica Valori (monticiana “doc”) tra cui “Roma città persa”, omaggio alla Resistenza Romana, e “Fatica”, sarcastica parabola della trafficata quotidianità capitolina. Il ferragosto 2024 sarà quindi l’occasione ideale per proporre al pubblico questi brani assieme alle canzoni più amate e conosciute della tradizione romana.
Paolo Pesce Nanna
Autore, attore, scrittore e comico di Roma, quartiere Centocelle. Da oltre vent’anni è attivo sulla scena italiana.
Nel 2022 ha partecipato alla settimana della cultura italiana a Cuba, esperienza da cui è nato il libro “Un italiano en La Habana”, di recente uscito anche in edizione spagnola e presentato a Cuba nel febbraio 2025. È un diario di bordo dettagliato; dalla scoperta e il colpo di fulmine verso il balletto classico, fino ad allora rifiutato a priori, le prove faticosissime in una lingua sconosciuta, con fraintendimenti quotidiani che davano vita a siparietti indimenticabili, l’abbattimento da parte del regista della “quarta parete” a teatro, una cosa inizialmente scioccante, i Mondiali di Calcio vissuti in un Paese dove lo sport nazionale è il baseball, la riscoperta della vecchia passione giovanile per la salsa cubana, e poi i concerti, le gite in posti incantati, il cibo, il Covid, la “Santería” e l’amicizia con la A maiuscola.
Di recente è stato premiato come miglior attore protagonista nella rassegna teatrale di Monte Compatri con la commedia “Lei, Lui….Loro”.
Per il suo impegno nel sociale è stato insignito Difensore dei diritti umani 2023. Ha presentato e animato iniziative organizzate con il musicista marocchino Nour Eddine Fatty per sostenere la popolazione del Marocco colpita dal sisma nel 2023. Collabora spesso nei suoi spettacoli con musicisti e artisti di diverse provenienze.
Boogie Club Roma
Ristorante, pub con musica dal vivo
PRENOTARE Tel o WhatsApp 3331279800
Via Gaetano Astolfi 63/65 (Portuense-Marconi)
Orari OPEN 20:00 LIVE 21:30
MUSIC FEE €5
Evento Facebook https://www.facebook.com/events/1727147144524668

OMAGGIO A JOBIM
2025-04-12 21:30 - 23:30
OMAGGIO A JOBIM
Un quartetto che ci farà sognare nelle atmosfere della musica di Antônio Carlos Jobim , inventore della bossa nova e ” O Maestro ” più alto compositore della musica popolare brasiliana
ELEONORA BIANCHINI🎤
Eleonora Bianchini, cantante e compositrice originaria di Perugia, riesce a creare un’atmosfera calda e affascinante attraverso il suono della sua voce; nel maggio 2016 è stata eletta dai lettori di JAZZIT, un quotidiano jazz italiano, come una delle “Migliori voci femminili italiane” classificandosi al 4° posto.
All’età di nove anni, Eleonora ha iniziato a studiare pianoforte. Poco dopo, ha iniziato a incorporare il canto nella sua forma unica di espressione musicale frequentando il Conservatorio di musica di Perugia Italia studiando canto classico.
Successivamente, la signorina Bianchini ha frequentato le Berklee Clinics durante l’Umbria Jazz Festival nell’estate del 2002 e le è stata assegnata una borsa di studio per il prestigioso Berklee College of Music.
Nella stessa occasione, è stata scelta dal musicista italiano Giovanni Tommaso come cantante del quintetto studentesco del Berklee che si è esibito per l’Umbria Winter Jazz Festival 2002.
Da allora, Eleonora ha frequentato il Berklee College di Boston e si è esibita in molti eventi e concerti organizzati dalla scuola.
Ha collaborato con artisti come Oscar Stagnaro, Mark Walker, Jamey Haddad, John Pierce, Jon Hazilla, Ruswell Hoffmann, Bernardo Hernandez, Egui Casrtillo, Mattew Nicholl, Alon Yavnai, Leo Blanco, Dan Moretti e ha anche registrato per il progetto Panama Suite Big Band di Danilo Perez.
Nel novembre 2007 ha collaborato in duetto con la leggendaria cantante brasiliana Rosa Passos per il concerto tributo alla sua musica al Berklee Performance Center e l’anno successivo Eleonora si è esibita con la famosa cantante peruviana Eva Ayllon nella prestigiosa Carnegie Hall, Lincoln Center e Queens Park a New York, così come al Latinoamericando Festival di Milano (Italia) e al Fiestaroma di Roma.
Nell’aprile 2008 ha realizzato il suo primo album come cantautrice, “Como Un Aguila En Lo Alto”, un progetto in cui riesce a fondere le sue radici culturali con i ritmi e i colori della cultura latinoamericana.
Dal 2009 al 2011 Eleonora ha vissuto a New York City, dove è entrata a far parte della scena musicale internazionale esibendosi allo Zinc Bar, al Tutuma Social Club, al Jules Bistro, al Dix Hills Performing Art Center e in molti altri locali, collaborando con musicisti come Portinho, Klaus Muller, Felipe Salles, Hector Martiñon, Juancho Herrera, Aquiles Baez, Leo Traversa e molti altri.
Dal 2012 al 2013 Eleonora ha vissuto a Quito, Ecuador, insegnando musica presso la “Universidad San Fransisco de Quito”, IMC (Institudo de Musica Contemporanea) e nel 2012 ha pubblicato il suo secondo cd intitolato “Esperare” iniziato a New York e terminato a Quito.
Ora Eleonora vive a Roma dove collabora con uno dei principali bassisti jazz del paese, Enzo Pietropaoli, il loro duo si chiama DOS; nel 2014 e 2016 hanno registrato due album “Dos” e “In Sight” e un terzo “Andar” nel 2020 con Enzo Pietropaoli e Luciano Biondini prodotto dall’etichetta Fone Jazz Records.
Nel 2016 Eleonora inizia a lavorare al suo terzo album come cantante, trascorre un periodo in India come insegnante di musica presso la Swarnabhoomi Academy of Music vicino a Chennai; ispirata da questa esperienza continua a comporre nuovi brani e li racchiude nel nuovo album intitolato “Surya” che realizzerà a marzo 2018.
Nel 2019 Eleonora torna in India, ma questa volta a Delhi, dove si unisce al dipartimento jazz come insegnante di canto al Global Music Institute.
È anche insegnante di canto in Italia, ad Avellino (NA) presso il Conservatorio di Musica Cimarosa.
ETTORE CARRUCCI🎹
pianista e compositore jazz, concerti-jazz-roma-23-marzo-2024-ettore-carucciinizia a suonare il pianoforte all’età di quattro anni. Si è diplomato in pianoforte classico e successivamente ha iniziato a
muovere i primi passi nel 1989 con un gruppo jazz chiamato “Taras Jazz Forum” e anche con un quintetto jazz composto da jazzisti esperti della sua zona.
Nel 1993/94 frequenta i laboratori “Siena Jazz” e “Umbria Jazz”, dove vince due borse di studio.
Ha studiato jazz con Danilo Rea, Ray Santisi e Paul Schmelling.
Ha avuto la possibilità di esibirsi con:Benny Golson, Gerry Bergonzi, Eric Marienthal, Dennis Chambers, Christopher Thomas, Greg Hutchinson, Mike Moreno, Tony Scott, Bob Mintzer, Rachel Gould, Sarah Jane Morris, Anne Ducros, Maria Pia De Vito, Kim Plainfield, Massimo Moriconi, Maurizio Giammarco, Marco Tamburini, Philip Catherine, Massimo Manzi, Marco Vaggi, Stan Bielski, Myrna Lake, Maria Puga Lareo, Jed Levy, Eddy Palermo, Paolino Dalla Porta, Mario Raja, Pietro Tonolo, Cicci Santucci, Enzo Scoppa, Sonny Fortune, Lincoln Goines, Andy Gravish, Paolo Fresu, Carlo Atti, Max Ionata, Aldo Vigorito, Ben Street, Adam Cruz, Ron Seguin, Tom Kennedy, Michael Rosen, John Arnold, Alfredo Paixào, Marco Panascia, Javier Girotto, Robertinho De Paula, Robben Ford, Alan Farrington, Ellade
Bandini, Mark Guiliana, Gianni Cazzola, Fabio Zeppetella, Gegé Munari, Bruno Biriaco, Massimo Moriconi, Giorgio Rosciglione, Dario Deidda, Roberto
Gatto, Fabrizio Bosso, Tullio De Piscopo, Tiziana Ghiglioni, Marcello Rosa, Manu Roche, Matt Demeritt, Carlo Bagnoli, Stefano Bagnoli, Marco Ricci, Gegé Telesforo, Orchestra della Magna Grecia, Jazz Studio Orchestra.
Attualmente sta lavorando a numerosi progetti artistici suonando in tutta Italia e all’estero. È docente presso l’Istituto Luigi Cherubini di Firenze.
Ha registrato 10 cd come bandleader, 40 come sideman e 21 compilation.
FRANCESCO PUGLISI 🎹
BASSO El. , CONTRABBASSO Inizia da autodidatta a suonare il basso elettrico intorno a 11 anni intorno al 1970 e a 15 il contrabbasso.
Dal 1975 inizia a suonare jazz con gruppi italiani e anche ospiti stranieri partecipando a numerosi tour nazionali e internazionali e partecipazioni a numerosi
festival.
Collaborazioni jazz musicisti italiani (tra cui): Maurizio Giammarco,Enrico Pieranunzi, M. Urbani, Enrico Rava, Roberto Gatto, Rita Marcotulli, Stefano Di
Battista ,R. Giuliani, S. Sabatini,Dado Moroni,Gianni Basso,D.Piana ,O. Valdambrini, F.D’Andrea, J. Girotto, D. Rea,T. De Piscopo, F. Boltro, Fabrizio Bosso,
U.Fiorentino, F. Zeppetella, N. Rotondo, G. Telesforo, Gianluca Petrella, Marco Tamburini, A.Faraò, Max Ionata,L. Mannutza, Nick thenightfly,
Collaborazioni jazz musicisti stranieri (tra cui) Chet Baker, Kenny Clark, Gary Bartz,S. Fortune, Bob Mintzer,Ronnie Cuber,Kay Winding,Lee Konitz, George
Garzone, Benny Golson,Bob Sheppard, Joe Faddis, Mose Alison, Steve Grossman, Rick Margitza, Dave Binney, Alex Sipiagin, Bob Bonisolo, Bob
Franceschini,Randy Breker,Donny Mc Caslin ,Anita O’Day, C. Anderson,V. Rubin, Astrud Gilberto, Chaka Khan, S. J. Morris, Joe Diorio,T. Horta, B.
Forman, S. Everett, Bobby Durham, Miles Griffit, Jeremy Pelt, Tollak, Tuck & Patty, Mike Melillo, Michael Brecker, Dick Halligan, A. Gravish, Don
Menza,Tommy Campbell, Cassandra Wilson,B.Dorough, Jack Walrath, Kirk Lightsey, A. Jeanmarie, E. Kontomanou, F. Gambale, M. Graillier, Roben Ford,
Gary Smulyan, Bill Carrothers, Ivan Lins, Jeff Ballard, Jonathan Kreisberg, Peter Bernstein, Sachal Vasandani, J.Magnarelli,Scott Hamilton,M.Copland D
Carter, H. Allen,Y. Silbertsein, Diane Schuur.Jed Levy.P.Robson,A.Hinds.J.Sabbagh,
ANDREA NUNZI
🎻
Batterista professionista da più di 25 anni, inizia già da piccolo a collaborare con band locali della sua città di origine, Fermo nelle Marche. In questo
periodo approccia vari generi musicali dal R&B al jazz e ha la possibilità di collaborare con due situazioni principali che lo introducono all’improvvisazione.
Il gruppo del chitarrista argentino Mario Corradini (col quale parteciperà ad una lunga tournèe in Argentina) e la band del chitarrista Roberto Zechini: i
“Limanaquequa”. Comincia ad appassionarsi seriamente al jazz e all’età di 20 anni si trasferisce a Roma dove inizierà da subito a collaborare con i grandi
musicisti Italiani (Da Flavio Boltro a Daniele Scannapieco, Maurizio Giammarco, Max Ionata, Luca Mannutza, Pietro Lussu, Piero Odorici, Fabrizio Bosso,
Marcello Rosa ecc.) ed Internazionali (Josè James, Ami Stewart, Steve Grossman, Joe Magnarelli, Vicent Harring, Milcho Leviev ecc.) Con questi grandi
personaggi oltre a suonare nei jazz club e teatri di tutta Italia (Alexanderplatz, Cantina Bentivoglio, Gregorys Jazz Club, Il Modo di Salerno, Il Blue Note di
Milano ecc. Teatro Sistina a Roma, il Nazionale a Milano, Politeama a Catania, Verdi a Firenze, Auditorium parco della musica Roma ecc). e nei principali
jazz festival (Umbria Jazz, Casa Del Jazz, Villa Celimontana, Jazz&Wine Montalcino, Lioni Jazz, Viggiano Jazz, Jazz Vision Torino ecc.) calcherà anche i
più prestigiosi palchi mondiali (Al Blue Note di Tokio, Motion Blue a Yokoama, Cotton Club sempre a Tokyo, Festivals in Russia, Inghilterra Europa dell’est,
Norvegia, Germania, Spagna Portogallo, emirati Arabi, In America Latina: Argentina Venezuela ecc.) Svolge anche attività di batterista per Big Band
collaborando, oltre che con orchestre stabili in concerti in tutta Italia, anche con grandi organici per produzioni improntati di spettacoli jazzistici come la
vita di Billie Holiday “Lady Day” interpretato da Ami Stewart col quale girerà moltissimi teatri d’Italia per 2 anni e “Shakespeare in Jazz” diretto e
interpretato da Giorgio Albertazzi con le musiche di Duke Ellington. Svolge anche un’intensa attività didattica insegnando Batteria e Percussioni Jazz
presso il conservatorio U. Giordano di Rodi Garganico e il conservatorio Pergolesi di Fermo.
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MUNCH. Il grido interiore
2025-04-13, 2025-04-14 | Palazzo Bonaparte, Piazza Venezia, 5,, Roma, Italy
A distanza di oltre 20 anni dall’ultima mostra dedicata a Munch a Roma, approda a Palazzo Bonaparte la più grande mostra mai realizzata prima.
Edvard Munch (Norvegia, 1863 -1944) viene celebrato con una grande retrospettiva, con il patrocinio della Reale Ambasciata di Norvegia a Roma, in collaborazione con il Museo Munch di Oslo.
Protagonista indiscusso nella storia dell’arte moderna, Munch è considerato un precursore dell’Espressionismo e uno dei più grandi esponenti simbolisti dell’Ottocento, nonché l’interprete per antonomasia delle più profonde inquietudini dell’animo umano.
La mostra, curata da Patricia G. Berman, una delle più grandi studiose al mondo di Munch, racconterà tutto l’universo dell’artista, il suo percorso umano e la sua produzione, e lo farà attraverso 100 opere, tra cui una delle versioni litografiche custodite a Oslo de L’Urlo (1895), ma anche La morte di Marat (1907), Notte stellata (1922–19249), Le ragazze sul ponte (1927), Malinconia (1900–1901) e Danza sulla spiaggia (1904).
Orari
dal lunedì al giovedì 9.00-19.30
venerdì, sabato e domenica 9.00-21.00
(la biglietteria chiude un’ora prima)
Aperture straordinarie
Venerdì 28 febbraio 9.00-23.00
Sabato 1° marzo 9.00-23.00
Dal 18 aprile fino al 27 aprile 9.00-21.00
Dal 1° maggio fino al 4 maggio 9.00-21.00
Dal 30 maggio fino al 1° giugno 9.00-23.00
Lunedì 2 giugno 13.00-00.00
La biglietteria chiude un’ora prima
Biglietti
Open € 22,00
Intero € 18,00
Ridotto € 17,00
Informazioni e prenotazioni
T. + 39 06 87 15 111
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Mostra Caravaggio, PROROGATA
2025-04-13, 2025-04-14 | Palazzo Barberini, via delle Quattro Fontane, 13, Roma, RM, 00184, Italy
Grazie al grande successo di pubblico e all’eccezionale interesse suscitato a livello nazionale e internazionale, le Gallerie Nazionali di Arte Antica annunciano la proroga della mostra CARAVAGGIO 2025 a Palazzo Barberini, che resterà aperta fino al 20 luglio 2025.
L’esposizione, a cura di Francesca Cappelletti, Maria Cristina Terzaghi e Thomas Clement Salomon, continuerà così ad accogliere eccezionalmente visitatori da tutto il mondo per altre due settimane, osservando gli stessi orari del mese di giugno: dal lunedì al mercoledì, dalle 9 alle 22 e dal giovedì alla domenica dalle 9 alle 24.
La mostra resterà chiusa mercoledì 9 luglio.
Dal 7 luglio il percorso espositivo resterà invariato nelle sue sezioni e contenuti, con la sola eccezione dell’opera I Musici (1595-1596), che tornerà al Metropolitan Museum of Art di New York, dal giorno 9, per precedenti impegni istituzionali
I restanti 23 capolavori, provenienti da prestigiose collezioni pubbliche e private, italiane e internazionali, resteranno eccezionalmente esposti per altre due settimane, così come rimarrà attiva la possibilità di visitare fino al 20 luglio il Casino Boncompagni Ludovisi con un biglietto speciale legato alla mostra: un’occasione unica per approfondire la rivoluzione visiva di Michelangelo Merisi, detto Caravaggio (1571–1610).
La proroga consentirà a un pubblico ancora più ampio di immergersi nella visione intensa e innovatrice del maestro lombardo, attraverso opere iconiche e raramente visibili – come il Ritratto di Maffeo Barberini, l’Ecce Homo riscoperto a Madrid nel 2021 e la prima versione della Conversione di Saulo – e sorprendenti accostamenti, all’interno di uno spazio che testimonia il legame tra l’artista e i suoi mecenati.
Un’opportunità che risponde alla straordinaria richiesta registrata in questi mesi da parte di un pubblico vasto e internazionale, confermando quanto la potenza narrativa, la drammaticità e la verità pittorica di Caravaggio continuino a parlare con forza al mondo contemporaneo.
La prevendita dei biglietti aprirà lunedì 30 giugno.

La mostra CARAVAGGIO 2025 è un progetto delle Gallerie Nazionali di Arte Antica, realizzato in collaborazione con Galleria Borghese, con il supporto della Direzione Generale Musei – Ministero della Cultura, con il sostegno del Main Partner Intesa Sanpaolo, con il supporto tecnico di Coopculture per i servizi al pubblico e di Marsilio Arte per la pubblicazione del catalogo. Urban Vision è media partner; Dimensione Suono Soft è radio partner.

Si ringraziano i prestatori che hanno reso possibile la mostra e concesso la proroga dei prestiti, tanto le collezioni private che hanno preferito rimanere anonime, quanto i musei pubblici e privati: Detroit Institute of Art (Detroit, US), Kimbell Art Museum (Fort Worth, US), Nelson-Atkins Museum of Art (Kansas City, US), Wadsworth Atheneum of Art (Hartford, US), .Museo Nacional Thyssen-Bornemisza (Madrid, ES), National Gallery of Ireland (Dublino, IE), Royal Collection Trust (Londra, UK) Galleria Borghese (Roma, I), Gallerie d’Italia (Napoli, I), Gallerie degli Uffizi – Palazzo Pitti (Firenze, I), Musei Capitolini (Roma, I) Pinacoteca di Brera (Milano, I), Museo e Real Bosco di Capodimonte – Patrimonio FEC (Napoli, I).

Dove
via delle Quattro Fontane, 13 – 00184 Roma
Come arrivare: con mezzi pubblici
Treno: fino a Stazione Termini , Metropolitana linea A, fermata Barberini
Bus: 53 – 61 – 62 – 63 – 80 – 81 – 83 – 160 – 492 – 590
Indirizzo
via delle Quattro Fontane, 13 – 00184 Roma

TARIFFE
La prevendita è obbligatoria e il biglietto è nominativo

Intero € 18,00
Ridotto € 15,00: 18 – 25 anni
Ridotto € 12,00: possessori di Gallerie Nazionali Pass e convenzioni
Ridotto € 9,00: Dipendenti Intesa e Soci ALI
Integrato (dal 7/03/2025 al 6/07/2025) € 25,00: Mostra Caravaggio 2025 e ingresso Gallerie Nazionali di Arte Antica (valido 20 giorni dal primo utilizzo per visitare Palazzo Barberini e Galleria Corsini)
Integrato ridotto (dal 7/03/2025 al 6/07/2025) € 17,00: 18 – 25 anni, mostra Caravaggio 2025 e ingresso Gallerie Nazionali di Arte Antica (valido 20 giorni dal primo utilizzo per visitare Palazzo Barberini e Galleria Corsini)
Gratuito: Minori di 18 anni, scolaresche e insegnanti accompagnatori dell’Unione Europea (previa prenotazione), studenti e docenti di Architettura, Lettere (indirizzo archeologico o storico-artistico), Conservazione dei Beni Culturali e Scienze della Formazione, Accademie di Belle Arti, dipendenti del Ministero della Cultura, membri ICOM, guide e interpreti turistici in servizio, giornalisti con tesserino dell’ordine, portatori di handicap con accompagnatore; personale docente della scuola, di ruolo o con contratto a termine, dietro esibizione di idonea attestazione sul modello predisposto dal Miur.

I Farnese nella Roma del Cinquecento
2025-04-13 09:00 - 19:00, 2025-04-14 09:00 - 19:00 | Musei Capitolini Villa Caffarelli, Via di Villa Caffarelli, Roma, RM, 00186, Italy
I Farnese nella Roma del Cinquecento. Origini e fortuna di una collezione, in mostra ai Musei Capitolini dall’ 11 febbraio al 18 maggio.
Il progetto espositivo scaturisce da una riflessione sull’incidenza avuta sulla città di Roma da Papa Paolo III Farnese alla vigilia del Giubileo del 1550.
Al pontefice si devono alcuni significativi interventi sulla città, tra cui la monumentalizzazione della Piazza del Campidoglio, affidata al genio di Michelangelo.
In mostra sono presentate opere riconducibili al momento di maggior splendore della Collezione, che va dai primi decenni del XVI scolo fino all’inizio del successivo, che comprendono oltre cento capolavori (dipinti, sculture antiche, bozzetti, disegni, manoscritti), provenienti principalmente dal Museo Nazionale Archeologico di Napoli, dal Museo di Capodimonte, dalla Biblioteca Nazionale e da altre collezioni italiane e straniere, tra cui la J. P. Morgan Library di New York.
Un’attenzione particolare è riservata all’evocazione di alcuni degli ambienti più rappresentativi di Palazzo Farnese a Campo dei Fiori, magnifica residenza della famiglia, come la Galleria dei Carracci e la sala dei Filosofi.
Un ulteriore focus riguarda la figura di Paolo III e gli intellettuali che gravitavano intorno alla sua corte
Orario

Dall’11 febbraio 2025 dalle ore 18.00 al 18 maggio 2025
tutti i giorni ore 9.30-19.30
Ultimo ingresso un’ora prima della chiusura
Giorni di chiusura
1° maggio
Info
Tel. 060608 (tutti i giorni ore 9.00 – 19.00)
www.museicapitolini.org www.museeincomuneroma.it

Mostra Futurismo
2025-04-13 09:00 - 19:00 | La Galleria Nazionale, Viale delle Belle Arti, 131, Roma, RM, 00197, Italy
Premiata dal pubblico (oltre 80.000 visitatori), la mostra Il Tempo del Futurismo alla Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea, promossa e sostenuta dal Ministero della Cultura e curata da Gabriele Simongini, è stata prorogata fino al 27 aprile e sarà visitabile anche il giorno di Pasqua 2025
La mostra celebra l’ottantesimo anniversario dalla scomparsa del fondatore del Futurismo, Filippo Tommaso Marinetti, avvenuta il 2 dicembre 1944, esponendo circa 350 opere d’arte oltre a centocinquanta oggetti, tra cui arredi, film, libri e manifesti, insieme con un idrovolante, automobili, motociclette e strumenti scientifici d’epoca, con un’attenzione particolare alla matrice letteraria del movimento marinettiano.

Per descrivere al meglio l’atmosfera futurista, l’esposizione è arricchita da due installazioni site specific di Magister Art e di Lorenzo Marini ed è vivacizzata da eventi di approfondimento.

La mostra Il Tempo del Futurismo alla Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea celebra l’ottantesimo anniversario dalla scomparsa di Filippo Tommaso Marinetti, avvenuta il 2 dicembre 1944.
Diversamente dalle mostre del passato dedicate al rivoluzionario movimento d’avanguardia fondato nel 1909 da Marinetti, questa mostra si concentra sul rapporto tra arte e scienza/tecnologia e illustra quel completo rinnovamento della sensibilità umana avvenuto per effetto delle grandi scoperte scientifiche posto alla base della nascita del Futurismo. Una riflessione oggi attualissima, se si pensa che lo tsunami tecnologico dell’intelligenza artificiale sta investendo l’umanità, avverando la profezia della macchinizzazione dell’umano e dell’umanizzazione della macchina preconizzata proprio dai futuristi. La mostra punta a essere inclusiva, didattica e multidisciplinare, si rivolge al grande pubblico e in particolare alle nuove generazioni.
Per questo illustra i concetti di velocità, di spazio, di distanza e di sensibilità percettiva evidenti nei capolavori del Futurismo contestualizzandoli nella società dell’epoca, rivoluzionata dalle innovazioni scientifiche e tecnologiche.
Saranno esposte circa 350 opere fra quadri, sculture, progetti, disegni, oggetti d’arredo, film, oltre a un centinaio fra libri e manifesti, con un’attenzione alla matrice letteraria del movimento marinettiano che non ha precedenti, insieme con un idrovolante, automobili, motociclette e strumenti scientifici d’epoca. Per descrivere al meglio l’atmosfera futurista, l’esposizione sarà arricchita da due installazioni site-specific di Magister Art e di Lorenzo Marini e sarà vivacizzata da talk e performance curati da Federico Palmaroli.
Si ringraziano i musei italiani e stranieri, tra cui il MOMA, il Metropolitan Museum di New York, il Philadelphia Museum of Art, la Estorick Collection di Londra e il Kunstmuseum Den Haag de L’Aia che con i loro prestiti hanno generosamente contribuito alla mostra. Il catalogo sarà pubblicato da Treccani.
Dal martedì alla domenica, dalle ore 9:00 alle ore 19:00, l’ultimo ingresso è alle ore 18:15.
Indirizzo: Viale Belle Arti, 131 – 00196 Roma
Orari di apertura:
Dal martedì a domenica dalle 9:00 alle 19:00
Ultimo ingresso 45 minuti prima della chiusura
Biglietti
Acquista o prenota i biglietti: bit.ly/LAGNtickets
Biglietto intero: € 15,00
Biglietto ridotto: € 2,00
– cittadini UE di età compresa tra i 18 e i 25 anni
Biglietto gratuito:
– ogni prima domenica del mese e in occasione di giornate ad ingresso gratuito l’accesso sarà garantito previa prenotazione di biglietto online. Si richiede il rispetto della fascia oraria di ingresso
– 25 aprile, 2 giugno e 4 novembre
– visitatori di età inferiore a 18 anni
– docenti e studenti iscritti alle facoltà di architettura, di conservazione dei beni culturali, di scienze della formazione e ai corsi di laurea in lettere o materie letterarie con indirizzo archeologico o storico artistico delle facoltà di lettere e filosofia, o a facoltà e corsi corrispondenti istituiti negli stati membri dell’Unione europea
– portatori di handicap e un accompagnatore che dimostri l’appartenenza a servizi di assistenza socio-sanitaria
– giornalisti con tesserino in corso di validità
– guide turistiche
– soci ICOM
– dipendenti MiC
Concessioni:
– possessori Roma Pass
Info pubblico + 39 06 32298221

Warhol e Banksy
2025-04-13 10:00 - 19:00, 2025-04-14 10:00 - 19:00 | WeGIl, Largo Ascianghi, 5, Roma, 00153, Italy
La mostra Warhol e Banksy presso WEGIL di Trastevere, aperta al pubblico fino al 6 giugno 2025, è patrocinata dalla Regione Lazio, in collaborazione con LAZIOcrea con il patrocinio di Roma Capitale, e prodotta da Metamorfosi Eventi e Emergence Festival.
Un confronto tra due artisti e due personalità apparentemente distanti: il favoloso mondo di Andy Warhol, l’artista più fotografato al mondo, famoso e onnipresente, contro l’anonimo Banksy, che ha reso la sua arte un evento mediatico mondiale. Da una parte, dunque, Warhol e le sue opere diventate un prodotto di consumo e il suo nome un vero e proprio brand, e dall’altra Banksy grande esperto di comunicazione, che continua a far parlare di sé trasformando il vandalismo di strada in un evento internazionale da prima pagina, capace di raggiungere l’intero pianeta, usando il suo anonimato per diventare icona (brand) allo stesso modo di Warhol. Il focus della mostra è proprio questo: investigare in parallelo gli obiettivi e gli intenti dei due artisti che più hanno lavorato sulla propria immagine pubblica. L’arte diventa azione e la provocazione al mercato dell’arte esplicita.
Le opere esposte sono oltre 100, provenienti da famose collezioni private di tutto il mondo e da importanti gallerie d’arte. Dalla Kate Moss sensuale di Banksy alla posa della Marylin realizzata da Warhol dopo la morte dell’attrice nel 1962, al significativo ritratto della Regina Elisabetta ritratta da Warhol con il diadema reale e a quella di Banksy con le sembianze di una scimmia (Monkey Queen). E poi il famoso ritratto di Mao, Lenin e Kennedy di Warhol e la Regina Vittoria di Banksy. Grace Kelly, Mick Jagger, Keith Haring, Joseph Beuys, Liza Minelli: due artisti geniali, capaci di creare un cocktail potente di celebrità, satira e voyerismo e che hanno saputo trasformare la loro arte in un evento straordinario.
La numerosissima produzione di Banksy con un esempio delle Soup che sono considerate post-produzione di una delle opere più iconiche di Warhol e il famoso autoritratto, Self Portrait, su tela del 1967 di Warhol messo a confronto con il muro di Banksy dal titolo Computer Boy (di cui alcune interpretazioni vedono nel ragazzo accovacciato Banksy da piccolo con l’identità già nascosta). Sarà in mostra anche il famosissimo muro di Banksy dal titolo Season’s greetings realizzato in Galles a Port Talbot nel 2018, che ci invita a riflettere sulle conseguenze che l’inquinamento atmosferico ha sulla nostra salute. Si affronteranno, inoltre, i grandi temi comuni a entrambi gli artisti come la Musica, che costituiranno un faccia a faccia unico.
Dischi e manifesti iconici dei due artisti – tra tutti la famosa banana del 1967 della copertina di The Velvet Underground & Nico, simbolo di una generazione musicale che sarà in dialogo con l’opera di Banksy dal titolo Pulp Fiction, in cui John Travolta anziché la pistola ha in mano la banana iconica di Warhol e oltre 50, tra vinili di Warhol firmati e cd con la copertina realizzata da Banksy.
INFORMAZIONI
Orari
La mostra è aperta tutti i giorni, secondo questi orari:
dalle 10,00 alle 19,00
la biglietteria chiude un’ora prima
Ogni sabato e domenica è possibile partecipare alle visite guidate della mostra.
Le visite guidate sono previste: tutti i sabati, alle ore 11 – 12 – 17; tutte le domeniche, alle ore 12 – 17.
Per prenotare la visita e l’acquisto del biglietto info
Prezzi
Biglietto intero: € 15
Biglietto ridotto: € 12 – Riservato per under 14, over 70, giornalisti, forze dell’ordine, studenti. I bambini fino a 6 anni non pagano
Biglietto ridotto: € 10 – Riservato a dipendenti Regione Lazio e LAZIOcrea, previa presentazione del badge aziendale
Bigliotto ridotto Youth Carta Giovani: € 7 – Riservato ai possessori della Youth Carta Giovani, previa presentazione della registrazione all’App
Biglietto open: € 18
Per acquisto biglietti
https://www.liveticket.it/warholbanksy
Per informazioni
www.wegil.it
info@wegil.it
+39 334 6841506
Per prenotazione visite guidate
info@emergencefestival.com
+39 335 8009056

Handmade With Love – Mercatino di Soli Artigiani a Roma
2025-04-13 10:00 - 19:00
Scopri l’Artigianato con Handmade With Love, un evento imperdibile per esplorare prodotti artigianali realizzati con dedizione e creatività da talentuosi artigiani di Roma e dintorni.
Domenica 13 Aprile, si rinnova l’appuntamento con Handmade With Love presso la Città dell’Altra Economia, Ex-Mattatoio. L’apertura è prevista dalle 10:00, offrendo a tutti l’opportunità di ammirare e apprezzare un’ampia gamma di opere artigianali, tra cui abbigliamento, accessori, gioielli, articoli per la casa e per bambini, decorazioni e prodotti naturali, tutti realizzati a mano. Questi articoli sono ideali per coloro che sono in cerca di pezzi originali e unici.
Non mancherà uno spazio dedicato ai bambini, situato sul prato, con numerose attività creative, un angolo dedicato allo Street Food e ai dolci, oltre a uno spazio per le associazioni impegnate nel sociale.
Appuntamento alla Città dell’Altra Economia il 13 Aprile con Handmade with Love, il mercatino di SOLI artigiani a Roma, progetto in collaborazione fra Associazione Anima Verde, Città dell’Altra Economia e Roma Open Lab Aps con il progetto “Vesto e Investo nel Sociale”
Per info esposizione
Mail handmadewithlovemercatino@gmail.com

La Serra Moresca a Villa Torlonia
2025-04-13 10:00 - 2025-05-06 16:00 | Villa Torlonia, Via Nomentana, 70
Proseguono fino al 29 giugno le visite alla Serra Moresca, il complesso architettonico dalle splendide forme arabeggianti e dalle lucenti vetrate policrome realizzato tra il 1839 e il 1841 su progetto dell’architetto veneto Giuseppe Jappelli per il principe Alessandro Torlonia (da martedì a domenica ore 10.00-19.00, ultimo ingresso ore 17.40; la struttura rimarrà chiusa a luglio e agosto).
Nella visita è compreso anche l’accesso alla Torre Moresca accompagnati dal personale di sala. Pre-acquisto online su https://museiincomuneroma.vivaticket.it/it/event/ingresso-museo/171658?idt=2385 o acquisto in loco presso la biglietteria del Casino Nobile e della Serra Moresca.
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Dopo articolati e complessi interventi di restauro, gli spazzi sono visitabili in un percorso che dalla Serra conduce fino alla Grotta artificiale.
La Serra è concepita per ospitare piante esotiche e rare, ma anche come scenario per eventi. Inoltre è visitabile la grotta artificiale che avvolge rivoli d’acqua e laghetti e che desta la meraviglia nel pubblico.
Progettato intorno al 1839 dall’architetto veneto Giuseppe Jappelli, il complesso della Serra Moresca di Villa Torlonia torna alla sua originaria bellezza dopo due fasi di restauro. La prima, tra il 2007 e il 2013, ha riguardato il recupero dell’edificio da una condizione di fortissimo degrado, con un ripristino fedele dell’assetto originario, sia nella parte strutturale che in quella decorativa. Nella seconda fase, da poco conclusa, oltre a ulteriori interventi conservativi sulla Serra, si è invece provveduto all’allestimento e messa in esercizio dell’intero complesso come spazio museale.
Progettati dall’architetto Maria Cristina Tullio, questi ultimi lavori sono stati effettuati sotto la direzione tecnico-scientifica della Sovrintendenza Capitolina ai Beni Culturali ed eseguiti da Zètema Progetto Cultura.
Basato su uno studio accurato della documentazione grafica e fotografica e sulle descrizioni dei luoghi di Giuseppe Checchetelli, l’allestimento odierno della Serra Moresca ne mette in risalto le caratteristiche architettoniche originarie, di grande suggestione e rilevanza storica.
La visita inizia dalla Serra, stupefacente padiglione da giardino con una struttura in peperino, ghisa e vetrate policrome che fanno da cornice alla fontana interna, oggi di nuovo attiva, e a una raccolta di Palme, Agavi, Ananas e Aloe, piante e specie arboree compatibili con la vocazione originaria dell’ambiente.
Si prosegue attraverso la Grotta artificiale pensata come il luogo della Ninfa (“Nymphae Loci”), con i suoi resti splendidamente illuminati, le cascatelle e i laghetti dove oggi tornano a vivere ninfee e fiori di loto.
È uno scenario storico naturalistico da ammirare lungo il percorso di visita insieme alla vista, dal basso, della Torre, imponente costruzione caratterizzata da ampie finestre con intelaiature in ghisa e vetri colorati che nascondono, all’interno, pareti riccamente decorate da stucchi policromi.
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Aperture straordinarie :

30/06/2025

01/09/2025 /
30/09/2025

Aperto dal 1 aprile al 30 giugno: dal martedì alla domenica ore 10.00-19.00 (ultimo ingresso alle ore 18.20)
Aperto dal 1° al 30 settembre: dal martedì alla domenica ore 10.00-19.00 (ultimo ingresso alle ore 18.20)

Chiusure straordinarie :

01/07/2025 / 31/08/2025

01/05/2025 / 01/05/2025

25/12/2025 / 25/12/2025

Chiuso i mesi di luglio e agosto

Prenotazione telefonica: per gruppi e scuole 060608 tutti i giorni 9.00-19.00; con la prenotazione è possibile evitare la fila presentandosi direttamente alla cassa

Email : info@museivillatorlonia.it

Email : villeparchistorici@comune.roma.it

Telefono:060608

Sito web: www.museivillatorlonia.it

Biglietti:
4,00 € intero
3,00 € ridotto
Gratuito con la MIC card

Acquisto presso la biglietteria della Serra Moresca o del Casino Nobile (in contanti o con carta di credito, senza diritto di prevendita) per il giorno stesso (fino a esaurimento posti)

Note costo:

Preacquisto fortemente consigliato (Biglietto o MIC card)
Ingresso senza preacquisto consentito fino a esaurimento posti

VISITA GUIDATA: GLI APPARTAMENTI SEGRETI PAMPHILJ
2025-04-13 10:30 - 12:00
Palazzo Doria Pamphilj nasconde un tesoro nel cuore di Roma: gli appartamenti privati offrono uno sguardo inedito sulla vita quotidiana della nobile famiglia, dal Seicento ai giorni nostri. Il Salotto del Fuoco con i dipinti a soggetto erotico di P. Testa, L. Carracci e M. Stanzione; la Sala dei bambini sospesa tra musica e astrologia; la Sala degli Amorini affrescata in stile neoclassico da A. Angelini e il magnifico Bagno di Diana, ispirato alle pitture pompeiane. La visita proseguirà fino a piazza Navona, luogo strettamente legato ai Doria Pamphilj e che ancora oggi mostra superbamente la loro potenza.
App. via del Corso, angolo via Lata.
A cura dell’Associazione culturale ITINERA www.itinera.biz
Contributo € 9,00. Ingresso € 5,00.
Prenotazione obbligatoria al 0627800785 o info@itinera.biz

Paolo Radi - Peregrinus
2025-04-13 12:00 - 20:00
Il 13 aprile 2025 dalle 12:00 alle 20:00 la Fondazione VOLUME! presenta
Peregrinus, un lavoro di Paolo Radi (Roma, 1966). Un progetto inedito che
esplora il rapporto tra il viaggio interiore dell’artista e la figura del pellegrino,
attraverso un percorso installativo che invita il visitatore a riflettere su ciò che va
oltre il visibile.
Peregrinus rappresenta uno stato dell’essere: un pellegrinaggio tra nostalgia e
ricerca, tra ciò che è familiare e ciò che è sconosciuto. Come un pellegrino,
l’artista intraprende un viaggio senza destinazione certa, fidandosi solo della
propria inquietudine e dell’impulso di scoprire mondi sia esteriori che interiori.
Paolo Radi, attraverso la sua arte, diventa un esploratore perpetuo, sempre
straniero in qualsiasi luogo, mai completamente a casa, alla ricerca di qualcosa
che non può essere contenuto o descritto in termini finiti.
Questa ricerca si intreccia con la storia della Fondazione VOLUME!, nata con
l’obiettivo di trasformare lo spazio espositivo in un luogo di sperimentazione in
cui gli artisti potessero ridefinire il rapporto tra opera e ambiente. In questo
contesto, Peregrinus si inserisce in continuità con la missione di VOLUME!,
trasformando lo spazio in una dimensione sospesa tra il visibile e l’invisibile.
Un viaggio tra macerie e memorie che porta inesorabilmente a una dimensione
conclusiva luminosa. Le opere installate negli ambienti di VOLUME! sono il frutto
di una complessa stratificazione di materiali, come carta e perspex, che
sembrano fondersi con lo spazio che le accoglie, dissolvendosi e riemergendo in
un continuo dialogo tra presenza e assenza, tra memoria e oblio. Questa
dualità, che riflette la tensione tra il noto e l’ignoto, tra il viaggio e l’esilio,
costituisce l’essenza del pellegrinaggio artistico di Radi. Le sue opere si
materializzano e si smaterializzano, come i pensieri e i ricordi che affiorano per
poi scomparire nell’indistinto, evocando l’idea che forse l’arte non debba
giungere a una fine, ma continuare a perdersi in una ricerca infinita.
In questo percorso Radi ci guida verso una dimensione finale luminosa, ma
costantemente aperto a nuove interpretazioni e significati. L’artista ci invita a
leggere oltre la superficie, in un rimando alla luce barocca, emblema di
rivelazione e mistero. Come nel Barocco, la luce non è solo un elemento
estetico, ma diventa metafora della tensione spirituale verso ciò che non può
essere del tutto compreso. I giochi di luce e ombra nelle sue opere si caricano di
significati nascosti, proprio come nell’arte barocca, dove la luce era portatrice di
messaggi trascendentali e celati, che solo l’occhio attento e contemplativo
poteva cogliere.
Biografia:
Paolo Radi (Roma, 1966) e si è diplomato all’Accademia di Belle Arti di Roma
nel 1988. La sua carriera artistica inizia nel 1992 con la partecipazione alla
rassegna Giovani artisti IV al Palazzo delle Esposizioni di Roma. Nel 2002 viene
invitato a realizzare un lavoro presso la Fondazione Sculpture Space di Utica,
New York, e nello stesso anno vince il Premio Giovani/Scultura dell’Accademia
Nazionale di San Luca.
Nel corso degli anni, Radi ha partecipato a importanti mostre nazionali e
internazionali, tra cui la XIV Quadriennale di Roma (2003), la Biennale di
Venezia (2006) e la mostra Lucio Fontana e la sua eredità (2005). Ha esposto
anche all’estero in mostre come Experimenta e Springs in White in India e
Thailandia. Nel 2012 è stato invitato a esporre presso l’Istituto Italiano di Cultura
di Lima, mentre nel 2016 ha partecipato alla mostra The Sharper Perception a
New York e ha tenuto una personale al MAC di Lissone. Nel 2019 ha partecipato
alla mostra Materie Prime a Senigallia, e nel 2022 ha esposto alla Biennale di
Changwon in Corea.

I Sotterranei del Celio: Le Case Romane
2025-04-13 15:00 - 17:00
Uno dei siti più affascinanti dell’antica Roma
La sensazione sarà di entrare nell’antica Roma. Sul Celio, attraverso una porta delle Mura Serviane, percorreremo un’antica strada romana tra le più suggestive di Roma; appena varcato l’ingresso ci troveremo in uno straordinario complesso archeologico che racchiude oltre quattro secoli di storia.
Le Case, scoperte nel 1887, rappresentano uno dei luoghi più affascinanti della Roma sotterranea; gli ambienti straordinariamente conservati, riccamente decorati con delicati ed eleganti affreschi, ci schiudono un mondo estremamente raffinato. Ne seguiremo le trasformazioni fino al cambio di destinazione quando fu costruita la chiesa dei SS. Giovanni e Paolo; la costruzione della chiesa comportò l’abbandono degli ambienti della domus non più praticabili.
https://visiteguidateroma.com/all-events/?event=4496
INFORMAZIONI ORARI E TARIFFE
Quando: Domenica 13 Aprile 2025 h 15:00
Durata: 2 ore circa
Accoglienza: dalle ore 14:45
Tariffa: €15,00 incluso auricolari + €8,00 biglietto ingresso
Prenotazione obbligatoria almeno il giorno prima per prenotare i biglietti con una mail a visiteguidateroma@romanitas.it oppure con un sms/WA a Cristiana 3315632913
La Prenotazione è necessaria per ricevere conferma o eventuali variazioni.

VISITA GUIDATA: TORRI E CASTELLI NEI FORI IMPERIALI
2025-04-13 16:00 - 17:30
Affascinante e inedito percorso attraverso le più importanti torri medievali che si conservano a Roma, quella dei Conti, del Grillo e delle Milizie. Fondamentali esempi dell’edilizia militare e civile delle famiglie romane dei Caetani e dei Colonna, tra XII e XIII secolo.
App. largo Corrado Ricci (alla fine di via Cavour), all’ingresso della torre.
A cura dell’Associazione culturale ITINERA www.itinera.biz
Contributo € 9,00.
Prenotazione obbligatoria al 0627800785 o info@itinera.biz

Oddroots in concerto
2025-04-13 17:00 - 20:00
Al Teatro del Lido domenica 13 aprile alle 17 in concerto il sound originale della band Oddroots, musicisti provenienti da diverse parti del mondo (dal Senegal alla Colombia alla Germania) in grado di fondere le proprie tradizioni musicali in modo equilibrato e innovativo: un mix di reggae roots, ska, soul, jazz, funky e hip hop, arricchito da una potente sezione di fiati e ritmiche di ispirazione giamaicana e afro.
Un concerto che lascia spazio alle tradizioni di ciascun paese, così come conferma il nome stesso del gruppo: un omaggio a questa fusione di radici diverse che celebra l’incontro di stili e storie musicali lontane.
Nata a Roma nel 2020 come gruppo ska, jazz, strumentale, influenzato principalmente da band come la New York Ska Jazz Ensemble, la Oddrooots si è ampliata negli anni abbracciando poi la sezione ritmica fino ad arrivare oggi a un totale di 15 elementi tra sezione fiati, ritmica, chitarre, cori, tastiere e percussioni e prendere così la forma di una vera e propria band professionale.
I musicisti, provenienti da diverse parti del mondo, portano con sé le proprie radici per contaminarle tra loro creando così un sound unico che al tempo stesso è una celebrazione e un omaggio al linguaggio universale della musica.
Il Teatro del Lido è parte del sistema Teatri in Comune di Roma Capitale – Assessorato alla Cultura con il coordinamento gestionale di Zètema Progetto Cultura.
La programmazione dei Teatri in Comune 2024-2025 è finanziata dall’Unione Europea, Next Generation EU nell’ambito del PNRR, e rientra tra gli Interventi “Il Giubileo dei Pellegrini: eventi artistici e culturali nella città di Roma, dal centro alla periferia, al fine di favorire la fruizione turistica nel periodo giubilare” (PNRR – M1C3-Inv.4.3 Caput Mundi. Next Generation EU per grandi eventi turistici).
domenica 13 aprile ore 17 • musica
ODDROOTS
IN CONCERTO
interpreti Ibrahima Ndiaye voce, Federico Lobrano, Giorgia Giusti, Oumy N’Diaye coro, Giorgia Capovivo trombone, Andrea Paoloemili sax tenore, Andrea Fusacchia sax contralto, Fabrizio Ballistreri tromba, Simon Busch cornetta/flicorno, Gabriele Mizzoni, Jean Charles Gomis tastiere, Giulio Ciani chitarra, Moises Duran percussioni, Riccardo Alexander basso, Luca Masotti batteria
sound engineer Domenico Di Giosa
foto Giada Papale
acquista i biglietti online su vivaticket.com:
https://www.vivaticket.com/it/ticket/oddroots-in-concerto/261424

Napulè
2025-04-13 18:00 - 19:30
“Napulè” è un viaggio emozionante nel cuore della tradizione partenopea, guidato dalla figura iconica di Pulcinella. Un’esperienza unica in cui danza, acrobazia e musica si fondono in un’armonia perfetta, dando vita a uno spettacolo coinvolgente e ricco di sorprese. Attraverso coreografie spettacolari e suggestioni visive, il pubblico sarà trasportato in un universo magico, fatto di ritmo, poesia e grande spettacolarità.

Proiezione del film THE OLD OAK! di Ken Loach
2025-04-13 18:00 - 20:00
The Old Oak è un posto speciale. Non è solo l’ultimo pub rimasto, è anche l’unico luogo pubblico in cui la gente può incontrarsi in quella che un tempo era una fiorente località mineraria e che oggi attraversa momenti molto duri, dopo 30 anni di ininterrotto declino.
Il proprietario del pub, TJ Ballantyne (Dave Turner) riesce a mantenerlo a stento, e la situazione si fa ancora più precaria quando The Old Oak diventa territorio conteso dopo l’arrivo dei rifugiati siriani trasferiti nel villaggio. Stabilendo un’improbabile amicizia, TJ si lega ad una giovane siriana, Yara (Ebla Mari). Riusciranno le due comunità a trovare un modo di comunicare?
The Old Oak è un dramma commovente che parla di perdite, di paura e della difficoltà di ritrovare la speranza.
prenota il tuo ingresso gratuito qui: https://shorturl.at/t8B3Y
Domenica alla Casa
13.4.2025 ore 18
Casa dell’Architettura | sala centrale
THE OLD OAK!
Regia di Ken Loach
Regno Unito 2023
Lucky Red
Evento promosso da
Casa dell’Architettura
Ordine degli Architetti PPC di Roma e provincia
Acquario Romano

STABAT MATER Giovanni Battista Pergolesi
2025-04-13 19:00 - 20:00
Una delle pietre miliari della storia della musica, uno tra i più compiuti e toccanti adattamenti musicali della sequenza della Passione attribuita a Jacopone da Todi in scena alla Sala dei Lecci del Bioparco di Roma
Tiziana Giaglianone, soprano
Paola Cacciatori, mezzosoprano
LuogoArte Ensemble
Info e prenotazioni
+39 333 457 1245

CONCERTO DEL GIUBILEO DELLA SPERANZA
2025-04-13 19:00 - 21:00
GIUBILEO DELLA SPERANZA
Domenica delle Palme
DOMENICO BARTOLUCCI
MISERERE
per baritono, coro e orchestra
GIOACHINO ROSSINI
STABAT MATER
per soli, coro e orchestra
ORCHESTRA DELL’ISTITUZIONE SINFONICA ABRUZZESE
INTERNATIONAL OPERA CHOIR
Giovanni MIRABILE, Maestro del Coro
FEDERICA GUIDA, soprano
FRANCESCA DI SAURO, mezzosoprano
RAFFAELE ABETE, tenore
ARMANDO LIKAJ, baritono
JACOPO SIPARI DI PESCASSEROLI, direttore
Domenica 13 aprile 2025
BASILICA DI SANTA MARIA IN ARACOELI, ROMA – ore 19.00
Ingresso libero

Felix Culpa, il coro Musicanova canta la Passione e la Resurrezione di Gesù
2025-04-13 20:00 - 21:30
In occasione delle celebrazioni per la Santa Pasqua, il coro Musicanova si esibirà domenica 13 aprile a Roma nella Parrocchia di Santa Giovanna Antida Thouret, in zona Fonte Meravigliosa. L’appuntamento sarà a partire dalle ore 20, con ingresso gratuito.
“Felix Culpa – Le Sette Parole di Cristo sulla Croce”: questo il nome dell’evento che, nel giorno della Domenica delle Palme, ricorderà la Passione di Cristo e la sua Resurrezione attraverso alcuni tra i più noti brani della polifonia antica e contemporanea.
Il percorso storico-musicale si svilupperà a partire dalla lettura e dal commento delle frasi che Gesù pronunciò sulla Croce poco prima di spirare: ognuna di esse sarà collegata ad un brano che il coro, diretto dal Maestro Fabrizio Barchi, eseguirà poco dopo. La serata vedrà anche la partecipazione di Monsignor Antonio Grappone che, attraverso le sue riflessioni, consentirà al pubblico di comprendere ancor di più il valore e il profondo significato delle ultime parole di Cristo.
Ad aprire il concerto sarà un brano scritto proprio dal Maestro Barchi, “Lux Perpetua”, che permetterà agli spettatori di calarsi subito in un’atmosfera di meditazione, in linea con il tempo della Quaresima. Il coro Musicanova, poi, proporrà anche alcune composizioni del grande Giovanni Pierluigi da Palestrina, di cui quest’anno si celebrano i 500 anni dalla nascita: tra queste, il celeberrimo “Sicut Cervus” e il “Kyrie”, composto per la “Missa Brevis” nel 1570. Spazio anche alla tradizione polifonica del Nord Europa: il coro canterà l’intenso “Seisab valurikas Ema”, scritto dall’estone Urmas Sisask e che si ispira al testo dello “Stabat Mater”, e il solenne “Ubi caritas” del compositore norvegese Ola Gjeilo.
La Resurrezione di Cristo sarà metaforicamente celebrata attraverso “Stars”, firmato dal lettone Ēriks Ešenvalds. Il brano, arricchito dal suono quasi magico di bicchieri colmi di acqua, suggellerà il senso di rinascita che la Resurrezione e la Pasqua portano con sé, condividendo un significativo messaggio di speranza e di pace.
Fondato nel 1999, il coro Musicanova ha ottenuto importanti premi e riconoscimenti in concorsi nazionali e internazionali. Gli ultimi risalgono alla scorsa estate, con la conquista di ben tre premi al “Chorwettbewerb Spittal an der Drau” in Austria, con un consenso unanime di giuria e pubblico. All’attivo ha collaborazioni con artisti del calibro di Mina, Ennio Morricone e Andrea Bocelli.
A guidarlo è il Maestro Fabrizio Barchi, direttore stimato e apprezzato in Italia e all’estero, da sempre spinto dalla voglia di suscitare nei più giovani la passione per la polifonia, credendo fermamente nei valori umani dell’attività corale. Attualmente tiene spesso corsi avanzati sulla coralità giovanile e sull’esecuzione del repertorio rinascimentale e contemporaneo.

GOODMEN TRIO OMAGGIO A BENNY GOODMAN
2025-04-13 21:30 - 23:30
GOODMEN TRIO
OMAGGIO A BENNY GOODMAN
Michele Villari- Clarinetto
Emanuele Rizzo pianoforte
Andrea Bonioli batteria
Il Trio ripropone un pò tutti i classici dell’”Era dello swing” degli anni 30 di cui il celebre clarinettista, compositore e direttore fu uno dei maestri assoluti.
La formazione ,senza contrabbasso , riproduce così in solo trio alcuni brani della tradizione scritti per Big Band, attraverso un’accurata ricerca di suoni, colori, aperture che rileggono questo delicato repertorio in una chiave più moderna ma senza tralasciare la tipica propulsività dello Swing.
BENNY GOODMAN
Benny Goodman è nato il 30 maggio 1909 a Chicago, Illinois.
In qualità di clarinettista e bandleader, Goodman ha contribuito a inaugurare l’era dello swing negli anni ’30, guadagnandosi il soprannome di “il re dello swing”.
Figlio d’immigrati russi, era il nono figlio nato in famiglia e alla fine avrebbe avuto un totale di 11 fratelli.
Suo padre lavorava come sarto per cercare di provvedere alla famiglia numerosa, ma i soldi erano sempre scarsi per i Goodman.
All’età di 10 anni, Goodman andò a studiare musica alla Kehelah Jacob Synagogue. Ha studiato clarinetto con Franz Schoepp, membro della Chicago Symphony.
Eccelleva rapidamente con il suo strumento e fece il suo debutto professionale nel 1921.
SUONANDO CON BAND LOCALI, GOODMAN DIVENNE MEMBRO DELLA FEDERAZIONE AMERICANA DEI MUSICISTI ALL’ETÀ DI 14 ANNI.
Quindi abbandonò la sua educazione per perseguire le ambizioni musicali.
Due anni dopo, Goodman si trasferì a Los Angeles per unirsi alla band di Ben Pollack. Rimase con la band per diversi anni, diventando infine uno dei suoi principali solisti.
NEL 1928, GOODMAN PUBBLICÒ IL SUO PRIMO ALBUM, A JAZZ HOLIDAY.
Ha poi lasciato la band e si è trasferito a New York City l’anno successivo.
Goodman ha trovato lavoro suonando alla radio, nelle sessioni di registrazione e nelle orchestre degli spettacoli di Broadway.
LA BENNY GOODMAN ORCHESTRA È POI DIVENTATA UNA PRESENZA REGOLARE NEL PROGRAMMA RADIOFONICO DELLA NBC, LET’S DANCE, QUELLO STESSO ANNO.
Nel 1935, Goodman andò in viaggio con la sua orchestra, che all’epoca comprendeva i trombettisti Ziggy Elman e Harry James, i pianisti Jess Stacey e Teddy Wilson e il batterista Gene Krupa. (Lionel Hampton si è aggiunto in seguito).
Goodman ha anche contribuito ad abbattere la barriera del colore della pelle nella musica dell’epoca, essendo leader di una delle prime band integrate.
Facendo di nuovo la storia della musica, l’orchestra di Goodman è stata una delle prime a esibirsi nel jazz alla famosa Carnegie Hall di New York City nel 1938.
NELLO STESSO ANNO HA ANCHE PUBBLICATO UNA DELLE SUE CANZONI PIÙ CARATTERISTICHE, “SING, SING, SING (WITH A SWING)“, CHE È STATA SUCCESSIVAMENTE INSERITA NELLA GRAMMY HALL OF FAME.
Come bandleader, Goodman era noto per essere un capo esigente che cercava la perfezione tecnica dai suoi artisti. In questo periodo, Goodman ha anche affrontato la concorrenza di altri famosi bandleader, come Artie Shaw e Glenn Miller.
Nel 1940, la fulminea carriera di Goodman mostrò segni di cedimento.
Dopo la fine della seconda guerra mondiale nel 1945, la scena jazz iniziò a cambiare, spostandosi maggiormente verso lo stile bebop e lontano dallo swing. Goodman alla fine sciolse la sua big band e si esibì con piccoli gruppi nel corso degli anni.
Goodman ha anche recitato nella commedia musicale del 1948 “Venere e il professore” con Danny Kaye e Virginia Mayo, che comprendeva altri grandi della musica Louis Armstrong e Tommy Dorsey.
Nonostante la sua salute cagionevole, Goodman ha continuato a esibirsi negli anni ’80. Morì di insufficienza cardiaca il 13 giugno 1986 a New York City, pochi giorni dopo la sua esibizione finale.
Non molto tempo prima della sua morte, aveva ricevuto un Grammy Award alla carriera e lauree honoris causa dalla Brandeis University e dal Bard College.
Ancora ricordato come uno dei più grandi artisti del jazz, Goodman è apparso su un francobollo nel 1996 come parte della serie “Legends of American Music”.
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Il Paese della biodiversità. Il patrimonio naturale italiano
2025-04-14 14:00 - 18:00 | Cnr, Piazzale Aldo Moro, 7, Roma, RM, 00185, Italy
Fino al 30 aprile 2025 è visitabile a Roma, nella sede del CNR (Consiglio Nazionale delle Ricerche), la mostra Il paese della biodiversità. Il patrimonio naturale italiano di National Geographic Italia e National Biodiversity Future Center (NBFC), il primo centro di ricerca italiano sulla biodiversità, in collaborazione con il Cnr.
Il percorso espositivo multimediale presenta in 5 sale, fotografie che descrivono la stupefacente biodiversità italiana e testimoniano l’importanza di preservarla.
Una cinquantina di scatti di The Wild Line – il collettivo di fotografi naturalistici composto da Marco Colombo, Bruno D’Amicis e Ugo Mellone – selezionati da National Geographic, raccontano il lato selvaggio del nostro paese, esplorando il legame tra la sua biodiversità, le attività umane e le conseguenze dei cambiamenti climatici.
Anche grazie alla sua peculiare posizione protesa nel Mediterraneo, alla sua geomorfologia, alla straordinaria diversità di habitat che ospita, e ancora al fatto di trovarsi sulle importanti rotte migratorie di molte specie di uccelli tra l’Africa e il Nord Europa, l’Italia è il paese europeo con la più grande varietà di specie viventi e il più alto tasso di specie endemiche, ma molti non sanno che più del 50% delle specie vegetali e il 30% delle specie animali sono presenti esclusivamente nel nostro paese.
La posizione privilegiata dell’Italia, d’altra parte, la espone però a significativi rischi legati al cambiamento climatico, con l’intera area mediterranea considerata un hotspot. Siccità e desertificazione nelle regioni meridionali, aumento della temperatura del mare e incremento degli eventi meteo estremi sono tutti elementi che possono concorrere ad alterare ecosistemi fragili, spesso già sotto pressione per l’impatto delle attività umane.
Il National Biodiversity Future Center ha identificato nella conservazione della biodiversità vegetale e animale una delle sfide più cruciali per l’Italia e l’intero bacino del Mediterraneo, che ospita ecosistemi gravemente compromessi (oltre il 30%). La protezione degli ecosistemi e delle specie in pericolo è una sfida che riguarda tutti. Fondamentale il coinvolgimento dei cittadini con progetti di citizen science.
Il potere evocativo delle straordinarie immagini esposte in mostra invita i visitatori a riflettere sulla ricchezza e sulla fragilità degli ecosistemi italiani e sull’urgenza di adottare strategie per conservare gli habitat naturali. Dalle piante agli invertebrati, dagli uccelli agli animali acquatici, ad alcuni dei mammiferi più iconici del nostro patrimonio naturalistico, ogni fotografia è il racconto di una specie, del suo comportamento, dei rischi a cui è sottoposta.
“La tutela dei nostri ecosistemi passa non soltanto dall’impegno del mondo scientifico o dalla messa a punto di tecnologie di ripristino e prevenzione, ma anche da una cultura della biodiversità, estesa e trasversale a tutta la società. Pertanto, il nostro augurio è che quante più persone possibile – cittadini, famiglie, studenti – colgano l’occasione per entrare in un luogo del sapere quale è il Consiglio nazionale delle ricerche, e scoprire attraverso questa mostra il vasto mondo della biodiversità e l’affascinante complessità di questo ambito di studio”, ha affermato Maria Chiara Carrozza, presidente Cnr, nel corso della presentazione dell’evento.
“Questa mostra è, prima di tutto, un piccolo racconto della ricchezza del nostro patrimonio naturale, che ritrae specie iconiche come l’orso marsicano, il lupo, la lince, ma anche animali di cui molti di noi non conoscono nemmeno l’esistenza e che pure hanno un ruolo cruciale nei nostri ecosistemi. In questo senso, il messaggio che racchiude è che la natura va salvaguardata nel suo insieme, nella sua complessità, e che la biodiversità del nostro paese è un capitale di valore inestimabile”, ha aggiunto Marco Cattaneo, direttore di National Geographic.
“L’importanza della mostra è nel valore in sé della stessa e negli obiettivi di comunicazione scientifica che si pone. In particolare, attraverso di essa tante ragazze e ragazzi delle nostre scuole si avvicineranno alla scoperta della natura, svilupperanno curiosità per lo studio scientifico e per la tutela della biodiversità, come sancito dall’art 9 della nostra Costituzione”, dichiara Luigi Fiorentino, presidente NBFC.
L’esposizione mira a sensibilizzare il vasto pubblico sui temi ambientali, partendo dai più giovani. Sono infatti previste anche visite guidate per le scuole, con attività didattiche pensate per diverse fasce d’età e livelli di istruzione.

Il collettivo The Wild Line
Marco Colombo (1988) è laureato in Scienze Naturali e si occupa di divulgazione scientifica. Collabora con GEO (Rai 3) e con riviste come National Geographic Italia e BBC Wild Life, così come con università e aree protette. Autore di 12 libri, ha scoperto una nuova specie di ragno in Sardegna e le sue foto sono state premiate al Wildlife Photographer of the Year in varie occasioni.
Bruno D’Amicis (1979) vive all’ombra dell’Appennino, ma lavora spesso all’estero. È laureato in Scienze Biologiche e le sue immagini sono state premiate (World Press Photo, Wildlife Photographer of the Year) e pubblicate (National Geographic, GEO, Smithsonian) in tutto il mondo. Ha realizzato sette libri, tre documentari e ideato diversi progetti di divulgazione e conservazione.
Ugo Mellone (1983) vive tra Spagna e Italia, lavorando spesso anche in Sud America. Ha ottenuto il dottorato di ricerca studiando le immigrazioni di rapaci tra Mediterraneo e Africa. È stato premiato al Wildlife Photographer of the Year e I suoi progetti fotografici, sostenuti anche dalla National Geographic Society, sono stati pubblicati nelle principali riviste e in tre libri fotografici.
Organizzato da:
Mostra di National Geographic Italia e National Biodiversity Future Center (NBFC)
in collaborazione con il Cnr
Dal 20 gennaio al 30 aprile 2025
LUN – MERC – GIOV SOLO SU REGISTRAZIONE
con le seguenti modalità:

LUN E MERC 09:30 – 12:45 RISERVATO ALLE SCUOLE CON DUE TURNI (09:30/11:00 E 11:15/12:45)
LUN E MERC 14:00 – 18:00 DEDICATO ALLA CITTADINANZA (CON INGRESSO OGNI 30 MINUTI – ULTIMO ACCESSO ALLE 17:30)
GIOV 09:30 – 13:30 DEDICATO ALLA CITTADINANZA (CON INGRESSO OGNI 30 MINUTI ULTIMO ACCESSO 13:00)

Sede centrale Cnr
Piazzale Aldo Moro, 7 – Roma
Ingresso: gratuito con prenotazione obbligatoria (https://booking.rsi.cnr.it/)
Foto di preview: Un maschio di volpe rossa (© Bruno D’Amicis)

Attraverso i Colori mostra Personale di Antonella Quartaroli a cura di Mauro SIlani
2025-04-14 18:00 - 2025-04-30 20:00
“ATTRAVERSO I COLORI”
Mostra personale di Antonella Quartaroli a cura di Mauro Silani
Vernissage: 14 aprile 2025
Luogo: Art Space Temporary Lab, Via Salaria 222/E, Roma
Durata: Dal 14 aprile al 30 aprile
In un periodo in cui l’arte contemporanea si fa sempre più strumento di riflessione e introspezione, la mostra “Attraverso i Colori” si inserisce come un’importante occasione per esplorare la potenza espressiva del colore e del gesto pittorico.
L’Art Space Temporary Lab è lieto di presentare “Attraverso i Colori”, la prima mostra personale dell’artista poliedrica Antonella Quartaroli, a cura di Mauro Silani il cui vernissage si terrà il 14 aprile 2025 alle ore 18.
L’esposizione rappresenta un viaggio immersivo nella sua ricerca artistica, un’esplorazione che spazia dal figurativo all’informale e all’astratto.
Il linguaggio artistico di Antonella Quartaroli
Antonella Quartaroli è un’artista il cui impeto creativo nasce da un’indole istintiva e spontanea, ma al contempo profonda e intuitiva. La sua arte si sviluppa in una dimensione libera da vincoli accademici, permettendole di indagare il reale senza filtri o manierismi concettuali. Le sue opere, caratterizzate da un’intensa concretezza espressiva, raccontano la quotidianità in modo naturale e disarmante.
Attraverso i Colori restituisce tutta la forza e l’energia del gesto pittorico della Quartaroli, un linguaggio che si nutre di istinto e spontaneità, elementi che derivano dalla sua passione per la danza. L’esperienza come danzatrice si riflette nei suoi lavori attraverso un’alternanza ritmica di segno, gesto e colore, che ricordano il compás del flamenco, praticato dall’artista sotto la guida della maestra Caterina Costa, come nel flamenco, anche nella sua pittura il ritmo diventa una vibrazione interiore: “Senza ritmo, non c’è flamenco. È una vibrazione che va dentro”.
La mostra comprende 58 opere e si divide in due sezioni: la prima allestita nella sala principale che comprende lavori che vanno dal 2020 al 2024, con un focus sul periodo pandemico; la seconda più intimista allestita come un vero e proprio atelier dove troviamo opere che coprono un arco temporale dal 1991 al 2014 e che riassumono il suo percorso artistico.
Il periodo pandemico ha rappresentato un momento di profonda riflessione per l’artista. Durante questi anni, di isolamento forzato, Antonella Quartaroli ha sperimentato nuove tecniche e un linguaggio espressivo più istintivo e materico, ispirandosi all’energia graffiante di Jean-Michel Basquiat.
Il suo lavoro si è concentrato su temi come l’isolamento, la resilienza e il cambiamento interiore, evidenziati in opere come Prisoner. In queste tele, colore e materia si fondono per esprimere tensione emotiva e ricerca di consapevolezza, dando vita a lavori di forte impatto visivo e cromatico.
L’artista affronta temi esistenziali quali il dolore, la perdita della libertà, la malattia e la morte attraverso un contrasto tra il contenuto i simboli e forme e un uso vibrante ed espressivo del colore. Da questa dicotomia nasce una tensione osmotica che genera un’ironia irriverente, quasi dissacrante, nei confronti dei lati più oscuri dell’esistenza umana. La sua capacità di esorcizzare il malessere attraverso il colore emerge con forza in opere come Totem e Sacrificio, in cui le brillanti campiture cromatiche si scontrano con la profondità del messaggio espressivo.
Il rapporto con il maestro Gianpaolo Berto
Nella sala più piccola, allestita in maniera informale, come un vero e proprio atelier, l’artista ci invita a percorrere le tappe principali del suo percorso artistico, dove di fondamentale importanza è stato il suo rapporto di amicizia e collaborazione con il maestro Gianpaolo Berto, figura di riferimento nella sua formazione. Quartaroli ha partecipato a diverse iniziative e progetti artistici sotto la guida di Berto, tra cui la mostra “Io Sono Frida” presso la Galleria Spazio 40 di Roma nel 2014, da lui curata. Inoltre, il confronto continuo con Berto le ha permesso di approfondire l’uso del colore e la gestualità pittorica, elementi distintivi del suo linguaggio artistico.
Questa mostra offre al pubblico l’opportunità di immergersi nell’universo espressivo di un’artista che fa della libertà creativa la sua cifra distintiva.
Il vernissage del 14 aprile sarà un’occasione speciale per incontrare Antonella Quartaroli e scoprire la sua visione dell’arte, in un dialogo aperto con il pubblico.
Biografia
Antonella Quartaroli nasce a Roma il 5/10/1961, il suo rapporto con l’arte e la creatività si manifesta fin dall’infanzia.
Nel 1986 si iscrive alla scuola “dello Scarabocchio” Presso L’accademia delle belle Arti di Roma dove studia teoria della percezione e psicologia della forma. Al contempo segue i corsi di disegno e pittura presso l’istituto S. Giacomo.
Negli stessi anni frequenta la scuola di danza Wilson dove sotto la guida della maestra di livello internazionale Caterina Costa si appassiona al flamenco
Questi studi influenzeranno la sua maniera di dipingere e intendere l’arte, istintiva e primordiale e allo stesso tempo libera e disciplinata, in un processo creativo che segue un ritmo tra forma e colori mai sazio di sperimentare, sempre in evoluzione, che la accompagna come in un contrappunto musicale dalla danza alla pittura, dal flamenco al jazz passando per il ritmo e il blues.
Un incontro fondamentale per il suo percorso è stato, in questi anni di formazione quello con il maestro Gianpaolo Berto emerito dell’accademia di belle arti di Roma, un incontro che poi si è trasformato in amicizia e collaborazione artistica. Questo rapporto di stima reciproca e di scambio è proseguito negli anni fino alla morte di Berto.
Berto ha influenzato profondamente il suo metodo di ricerca, incoraggiandola a esplorare nuove forme espressive e ad approfondire il legame tra gesto pittorico e contenuto emozionale. Questa relazione ha arricchito la sua visione creativa, consolidando il suo approccio libero e autentico alla pittura.
Antonella Quartaroli è una artista molto attiva nel panorama artistico romano e internazionale, ha partecipato a molte mostre collettive, vincendo nel 2012 la 4° edizione del premio Eureka.
Il Collettivo Oxford
Il Collettivo Oxford si è costituito nel gennaio 2018, per unire l’interesse per la divulgazione artistica, scientifica e filosofica, partendo da radici comuni. E nasce dagli incontri e i simposi avvenuti presso l’Hotel Oxford in via Boncompagni 89 a Roma.
Da questi incontri è nato un vero e proprio movimento artistico che si è proposto attraverso una mostra itinerante, nazionale e internazionale, dal titolo “ARCAICO E PRESENTE”, la cui cifra di lettura è stata riconosciuta dal maestro Gianpaolo Berto (che ha fatto parte dello spazialismo di Lucio Fontana) e dal fondatore Mauro Silani, come “IL NUOVO SPAZIALISMO ROMANO”.
Tale denominazione è stata sottoscritta in una bozza di manifesto, da tutti gli artisti che fanno parte del “Collettivo Oxford “e depositata in forma sonora nelle teche RAI sotto forma di un racconto intervista rilasciata da Mauro Silani a Francesca Vitale, artista, antropologa, giornalista e autrice di Rai Radio Techetè che potete ascoltare al seguente link: https://www.raiplaysound.it/audio/2019/10/Speciale-Lucio-Fontana-1-puntata-0639dbdb-5f18-40c0-ad5d-97a12b7664cf.html.
Il manifesto è stato presentato ufficialmente al museo Palazzo Merulana di Roma il 18 settembre 2019, https://www.palazzomerulana.it/events/presentazione-del-manifesto-del-collettivo-oxford/
La mostra itinerante, che raccoglie e presenta le opere degli artisti del collettivo, rappresenta solo il punto di partenza di un progetto più ampio di promozione culturale da avviare nei territori che la ospiteranno. L’obiettivo è aprire le porte del collettivo ad artisti locali per innescare processi virtuosi di produzione culturale attraverso il coinvolgimento delle istituzioni, delle associazioni e delle scuole.
“Consideriamo l’arte e la socialità come i presupposti per la rigenerazione del tessuto sociale e culturale delle città – spiega Mauro Silani, ideatore del progetto e curatore della mostra- questo progetto itinerante significa dare un contributo fattivo al processo di ricostruzione delle relazioni sociali attraverso l’arte e la ricerca, per due ordini di ragioni: Innanzitutto il nostro collettivo è un vero laboratorio aperto al contributo degli artisti locali, nazionali e internazionali, Inoltre, ad ogni esposizione ci assicuriamo la partecipazione delle scuole, delle istituzioni ed associazioni culturali con la speranza di aprire sedi operative in tutto il paese e anche all’estero” .
Mauro Silani
fondatore e curatore del Collettivo Oxford
www.collettivo-oxford.com
**Mostre Collettive **
Oltre alla sua ricerca personale, Antonella Quartaroli ha partecipato a numerose mostre collettive, contribuendo a diffondere la sua poetica artistica sia a livello nazionale che internazionale. Queste esposizioni hanno rappresentato tappe fondamentali nella sua crescita professionale, permettendole di confrontarsi con artisti di diverse correnti e affinare ulteriormente la propria espressione creativa. consolidando la sua presenza nel panorama artistico contemporaneo.
Tra le principali esposizioni si annoverano:
• 2024/2025 – “Kontemporanea” mostra permanente collettiva del Collettivo Oxford presso lo Spazio Q’4RT dell’Hotel Oxford di Roma, a cura di Mauro Silani.
• 2017 – “La Donna e l’Autunno” mostra collettiva presso il Museo Crocetti di Roma, a cura di Mauro Silani.
• 2016 – “Immagini dello Spirito e dell’Intelletto” presso la galleria IMAGO MUNDI CaveArt Gallery – Roma, a cura di Giorgio Palumbi.
• 2016 – “Donna Natura e Fiore nell’Arte” presso la Galleria UNDERGROUND di Roma, a cura di Giorgio Palumbi.
• 2015 – “Incontro Con La Solitudine” presso Coronari 111 Art Gallery di Roma.
• 2015 – Biennale d’Arte Moderna di Palermo, a cura di Paolo Levi e Sandro Serradifalco con la collaborazione di Vittorio Sgarbi.
• 2015 – Spectrum Miami Art Show, fiera dell’arte.
• 2014 – “Io Sono Frida” presso Galleria Spazio 40 di Roma, a cura di Gian Paolo Berto.
• 2014 – “ABSTRACT” bi-personale alla Coronari 111 Art Gallery di Roma.
• 2014 – ART Rombolino Art Gallery in Florida.
• 2013 – “Il Nudo nell’Arte” rassegna pittorica presso la Galleria Maggiore di Roma.
• 2012 – “Cosmo Cromie e Plasticismi” presso il complesso monumentale Sant’Andrea al Quirinale, Roma.
• 2012 – “Amore e Psiche” presso Coronari 111 Art Gallery – Roma.
• 2012 – “Materia Energia Arte” presso la Biblioteca Angelica di Roma.
• 2011 – Mostra collettiva presso il Teatro dei Dioscuri, Roma.
Premi
2012 – 4° Edizione del Premio Eureka presso la Domus Talenti di Roma 1° classificata
Mauro Silani
[mauro.silani@gmail.com]
