Funweek

Mostra Caravaggio, PROROGATA
2025-06-18, 2025-06-19, 2025-06-20, 2025-06-21, 2025-06-22, 2025-06-23, 2025-06-24, 2025-06-25 and 11 more dates | Palazzo Barberini, via delle Quattro Fontane, 13, Roma, RM, 00184, Italy
Grazie al grande successo di pubblico e all’eccezionale interesse suscitato a livello nazionale e internazionale, le Gallerie Nazionali di Arte Antica annunciano la proroga della mostra CARAVAGGIO 2025 a Palazzo Barberini, che resterà aperta fino al 20 luglio 2025.
L’esposizione, a cura di Francesca Cappelletti, Maria Cristina Terzaghi e Thomas Clement Salomon, continuerà così ad accogliere eccezionalmente visitatori da tutto il mondo per altre due settimane, osservando gli stessi orari del mese di giugno: dal lunedì al mercoledì, dalle 9 alle 22 e dal giovedì alla domenica dalle 9 alle 24.
La mostra resterà chiusa mercoledì 9 luglio.
Dal 7 luglio il percorso espositivo resterà invariato nelle sue sezioni e contenuti, con la sola eccezione dell’opera I Musici (1595-1596), che tornerà al Metropolitan Museum of Art di New York, dal giorno 9, per precedenti impegni istituzionali
I restanti 23 capolavori, provenienti da prestigiose collezioni pubbliche e private, italiane e internazionali, resteranno eccezionalmente esposti per altre due settimane, così come rimarrà attiva la possibilità di visitare fino al 20 luglio il Casino Boncompagni Ludovisi con un biglietto speciale legato alla mostra: un’occasione unica per approfondire la rivoluzione visiva di Michelangelo Merisi, detto Caravaggio (1571–1610).
La proroga consentirà a un pubblico ancora più ampio di immergersi nella visione intensa e innovatrice del maestro lombardo, attraverso opere iconiche e raramente visibili – come il Ritratto di Maffeo Barberini, l’Ecce Homo riscoperto a Madrid nel 2021 e la prima versione della Conversione di Saulo – e sorprendenti accostamenti, all’interno di uno spazio che testimonia il legame tra l’artista e i suoi mecenati.
Un’opportunità che risponde alla straordinaria richiesta registrata in questi mesi da parte di un pubblico vasto e internazionale, confermando quanto la potenza narrativa, la drammaticità e la verità pittorica di Caravaggio continuino a parlare con forza al mondo contemporaneo.
La prevendita dei biglietti aprirà lunedì 30 giugno.

La mostra CARAVAGGIO 2025 è un progetto delle Gallerie Nazionali di Arte Antica, realizzato in collaborazione con Galleria Borghese, con il supporto della Direzione Generale Musei – Ministero della Cultura, con il sostegno del Main Partner Intesa Sanpaolo, con il supporto tecnico di Coopculture per i servizi al pubblico e di Marsilio Arte per la pubblicazione del catalogo. Urban Vision è media partner; Dimensione Suono Soft è radio partner.

Si ringraziano i prestatori che hanno reso possibile la mostra e concesso la proroga dei prestiti, tanto le collezioni private che hanno preferito rimanere anonime, quanto i musei pubblici e privati: Detroit Institute of Art (Detroit, US), Kimbell Art Museum (Fort Worth, US), Nelson-Atkins Museum of Art (Kansas City, US), Wadsworth Atheneum of Art (Hartford, US), .Museo Nacional Thyssen-Bornemisza (Madrid, ES), National Gallery of Ireland (Dublino, IE), Royal Collection Trust (Londra, UK) Galleria Borghese (Roma, I), Gallerie d’Italia (Napoli, I), Gallerie degli Uffizi – Palazzo Pitti (Firenze, I), Musei Capitolini (Roma, I) Pinacoteca di Brera (Milano, I), Museo e Real Bosco di Capodimonte – Patrimonio FEC (Napoli, I).

Dove
via delle Quattro Fontane, 13 – 00184 Roma
Come arrivare: con mezzi pubblici
Treno: fino a Stazione Termini , Metropolitana linea A, fermata Barberini
Bus: 53 – 61 – 62 – 63 – 80 – 81 – 83 – 160 – 492 – 590
Indirizzo
via delle Quattro Fontane, 13 – 00184 Roma

TARIFFE
La prevendita è obbligatoria e il biglietto è nominativo

Intero € 18,00
Ridotto € 15,00: 18 – 25 anni
Ridotto € 12,00: possessori di Gallerie Nazionali Pass e convenzioni
Ridotto € 9,00: Dipendenti Intesa e Soci ALI
Integrato (dal 7/03/2025 al 6/07/2025) € 25,00: Mostra Caravaggio 2025 e ingresso Gallerie Nazionali di Arte Antica (valido 20 giorni dal primo utilizzo per visitare Palazzo Barberini e Galleria Corsini)
Integrato ridotto (dal 7/03/2025 al 6/07/2025) € 17,00: 18 – 25 anni, mostra Caravaggio 2025 e ingresso Gallerie Nazionali di Arte Antica (valido 20 giorni dal primo utilizzo per visitare Palazzo Barberini e Galleria Corsini)
Gratuito: Minori di 18 anni, scolaresche e insegnanti accompagnatori dell’Unione Europea (previa prenotazione), studenti e docenti di Architettura, Lettere (indirizzo archeologico o storico-artistico), Conservazione dei Beni Culturali e Scienze della Formazione, Accademie di Belle Arti, dipendenti del Ministero della Cultura, membri ICOM, guide e interpreti turistici in servizio, giornalisti con tesserino dell’ordine, portatori di handicap con accompagnatore; personale docente della scuola, di ruolo o con contratto a termine, dietro esibizione di idonea attestazione sul modello predisposto dal Miur.

14 EMOTIONS/Allegoria Via Dolorosa Di Klaus Verscheure
2025-06-20 00:00 - 2025-07-19 00:00 (Europe/Rome)
Sala 1 è lieta di presentare 14 EMOTIONS/Allegoria Via Dolorosa, dell’artista belga Klaus Verscheure, un progetto ideato da Don Geert Morlion e in collaborazione con: Pontificio Collegio Belga, Ambasciata del Belgio presso la Santa Sede e Fondazione Staurós.
L’artista dal 2013 realizza videoinstallazioni che si rifanno alla cultura Cristiana dell’Europa Occidentale, non interessandosi all’aspetto religioso di queste storie, ma al fascino che provava da bambino guardando dipinti o statue nelle chiese. É particolarmente colpito dalla sofferenza e dal dolore provato dai protagonisti di questi racconti, trasformando alcuni degli orrori che più lo hanno colpito in installazioni video contemporanee, in cui la violenza è alla base della storia. Filma scene bibliche evidenziando la resistenza dei personaggi alla sofferenza imposta. Ed è qui che entra in gioco il secondo tema: la compassione. In tutte le sue opere, che siano video o dipinti, Klaus Verscheure vuole mostrarci la bellezza. Una bellezza che apre le porte alla compassione.
L’artista ha finora realizzato tre videoinstallazioni basate su temi biblici: 14EMOTIONS/Allegoria Via Dolorosa è un’installazione su 14 schermi che mostra un’interpretazione contemporanea della Via Crucis, con la musica del compositore britannico Tom McRae eseguita dallo Spectra Ensemble, che gioca un ruolo molto importante in ogni video.
Klaus Verscheure dichiara: “Nessuna glorificazione di un’ideologia religiosa, ma una reinterpretazione di un’iconografia vecchia di duemila anni. L’emozione è tutto! Portare l’emozione nell’opera ed evocare l’emozione nello spettatore. Quest’opera non dovrebbe lasciare nessuno indifferente. 14 stazioni sono 14 emozioni”.
Per la prima volta in Italia verranno proiettate le 14 EMOZIONI, che acquistano ulteriore importanza in relazione al Giubileo 2025

Gli intagli “pop” di Luca Terribili da venerdì in mostra in via Margutta
2025-06-20 10:30 - 2025-09-22 22:00
Da venerdì 20 giugno sino a lunedì 22 settembre 2025, gli spazi de Il Margutta Veggy Food & Art ospitano la prima mostra personale di Luca Terribili, Pop in Time – Intagli iconici, un’esposizione che trasforma il legno in linguaggio visivo per esplorare i concetti universali di tempo, memoria e identità urbana. La mostra, curata da Flaminia Gallo e Tina Vannini, rappresenta anche un omaggio all’artigianato che torna in via Margutta in chiave pop, reinterpretando lo spirito artistico della storica via romana attraverso uno sguardo contemporaneo.
Le opere in mostra – L’esposizione si articola in una selezione di opere che dialogano con la Pop Art, il design contemporaneo e l’artigianato artistico. Orologi in legno intagliato raffiguranti città simboliche del mondo, figure iconiche della cultura visiva e lavori dal forte impatto grafico e cromatico costruiscono un racconto in cui il tempo non è solo un’unità di misura, ma una forma del pensiero e della percezione.
Tra tempi e non luoghi – Ogni orologio, tagliato e dipinto a mano, rappresenta non solo un luogo geografico ma anche una dimensione emotiva, evocando viaggi, suggestioni e simboli collettivi. Le lancette segnano l’ora reale della città rappresentata, in una mappa emozionale del mondo che sfida l’uniformità dei “non luoghi” contemporanei. Accanto, una galleria di personaggi iconici restituisce il volto umano e popolare delle metropoli globali.
Legno come memoria – Il legno, materiale primordiale e vivo, diventa protagonista assoluto: non solo supporto, ma simbolo di memoria, manualità e appartenenza. Un legame che per l’artista è anche personale: il padre, ingegnere, lavorava il legno per diletto, trasmettendogli una passione che oggi si è evoluta in linguaggio creativo.
“Il mio lavoro nasce da una riflessione sul tempo: non quello astratto dei calendari, ma quello vissuto, che lascia segni, tracce, impronte – dichiara Luca Terribili – Ogni città che intaglio è una memoria collettiva, un luogo che vive nell’immaginario di tutti noi. Il legno mi permette di dare forma a queste immagini: lo taglio, lo scolpisco, lo accarezzo, ed è come se ogni opera custodisse una storia da raccontare. Pop in Time è una raccolta di questi racconti: ironici, precisi, affettuosi, a volte malinconici, sempre sinceri.”
“Il linguaggio visivo di Luca Terribili richiama quel filone artistico che ha saputo coniugare l’immaginario popolare con l’arte visiva, dove l’ironia, il colore e la forma diventano strumenti per riflettere sulla cultura contemporanea – spiega Flaminia Gallo, curatrice della mostra – . Un approccio che attinge al design, alla grafica, all’illustrazione e alla comunicazione visiva, restituendo all’arte una dimensione accessibile, ma non per questo meno profonda.”
“Questa mostra è più di un’esposizione – conclude Tina Vannini, titolare de Il Margutta e curatrice della mostra – è un’esperienza che parla attraverso forme e simboli accessibili, ma carichi di significato. Ho avuto il privilegio di vedere crescere Luca Terribili negli anni, testimone di un percorso artistico che ha visto passaggi importanti, dalle sue prime opere fino a quelle che oggi siamo orgogliosi di presentare. Un’evoluzione costante, che trova oggi la sua espressione matura in questi intagli iconici, che raccontano storie non solo di luoghi, ma anche di emozioni, di esperienze vissute. Il suo lavoro coniuga tecnica e poesia, materia e immaginario. È un progetto che sentiamo vicino, perché crede in un’arte viva, inclusiva e autentica.”
L’arte incontra l’artigianato – Come è evidente appena varcata la porta de “Il Margutta” l’arte incontra l’artigianato, e l’artigianato si trasforma in linguaggio artistico contemporaneo. Il legno diventa veicolo di un’estetica pop colta e accessibile, in cui ogni intaglio è al tempo stesso gesto tecnico e atto simbolico. Le sue creazioni raccontano il tempo, i luoghi e le icone della cultura collettiva, ma lo fanno attraverso una pratica che affonda le radici nel fare manuale, rinnovando la tradizione in chiave attuale. È in questa sintesi tra passato e presente, tra materia e immaginario, che le opere di Terribili raccontano di un’arte che non dimentica la sua origine artigiana.
L’esposizione sarà visitabile tutti i giorni negli orari di apertura del ristorante e rappresenta un’occasione unica per riscoprire l’arte come esperienza sensoriale totale, tra gusto, visione e riflessione.

VULNERABILITA’ ANALOGICA. SPAZIO CORPI FIGURE
2025-06-20 17:00 - 2025-06-25 19:00
Guardando le fotografie di Ernesta Caviola, la prima considerazione che ho fatto è stata sulla forza vitale di Eros, su questa forza vitale che muove il pensiero e funge da tramite fra la dimensione terrena e quella sovrasensibile, forza che tiene uniti elementi diversi e talora contrastanti senza arrivare ad annullarli. Per dirla alla Deleuze immagini che sono una forza che diventa macchina desiderante, una forza produttiva che genera realtà, relazioni, corpi e linguaggi, come accade librescamente in “Spazio, Corpi, Figure” di Gianluca Peluffo e Valerio Paolo Mosco. (Gemma Lanzo)
Ernesta Caviola è architettrice e dottore di Ricerca con una tesi dal titolo “Il destino dell’architettura. La rivista Casabella 1930-1936. L’invenzione di un linguaggio per immagini.” Il suo lavoro di ricerca si svolge attraverso la regia e la fotografia analogica a banco ottico. Ha condiviso da sempre la sua ricerca con Gianluca Peluffo. Le sue immagini fotografiche sono state pubblicate sulle maggiori riviste di settore e non, in Italia e all’estero. I suoi cortometraggi d’architettura, prodotti da AGI e da The Piranesi Experience sono stati selezionati nei festival internazionali. “Senza Orfeo” ha vinto la sezione Architettura del Athens International Short Film Festival Psarokokalo. I suoi lavori fotografici e video sono stati esposti alla 17° e 18° Biennale di Venezia Architettura. È stata insignita ad Ischia del premio internazionale PIDA fotografia 2022. Ha collaborato come consulente scientifico alla mostra Lina Bo Bardi in Italia “Quello che volevo era avere Storia” a cura di Margherita Guccione tenutasi al MAXXI di Roma dal 19.12.2014 al 03.05.2015, suo è il corto “LINA” cuore della mostra. Ha curato una decina di monografie a carattere architettonico ed ha scritto articoli e saggi sulle trasformazioni dei codici in architettura. È socia fondatrice di “Architettrici” che si occupa di veicolare il contributo femminile in architettura.
VULNERABILITA’ ANALOGICA
SPAZIO CORPI FIGURE
Ernesta Caviola
a cura di Barbara Martusciello
20—25.6.2025
Casa dell’Architettura
foyer + urban gallery
lun–sab ore 10–19
ingresso libero
20.6.2025 ore 17
opening
Evento promosso da
Casa dell’Architettura
Ordine degli Architetti PPC di Roma e provincia
Festival dell’Architettura di Roma

Mostra personale di Giovanni Bonfiglio “Per il tutto mutar natura è bella”
2025-06-20 18:00 - 2025-06-26 18:00
Mostra personale di Giovanni Bonfiglio “Per il tutto mutar natura è bella”
Testo curatoriale di Livia Occhigrossi
20 – 26 Giugno 2025, Roma
Dal 20 al 26 Giugno Medina Art Gallery presenta la mostra personale di Giovanni Bonfiglio, testo curatoriale e presentazione a cura di Livia Occhigrossi,
presso la galleria di via Merulana 220.
L’evento di opening si terrà il giorno venerdì 20 Giugno 2025 ore 18.00 presso la galleria di via Merulana 220 con la presentazione di Livia Occhigrossi
Il pittore genovese Giovanni Bonfiglio presenta Per il tutto mutar natura è bella, una raccolta di opere in acrilico su tela e legno che indagano il rapporto tra tecnica e poesia, tra struttura e intuizione, tra l’osservazione analitica e la bellezza silenziosa della forma. Un percorso artistico che affonda le radici nella curiosità scientifica dell’infanzia, tra radio smontate, insetti collezionati e galassie immaginate, e si trasforma oggi in un linguaggio pittorico maturo, disciplinato, profondamente onesto.
La mostra ruota attorno a un’idea cardine: l’equilibrio. Tra forme, colori e luce, Bonfiglio costruisce opere che generano armonia e invitano alla contemplazione. Non propone verità assolute, ma lascia allo spettatore la libertà di cercare un proprio significato, un proprio sentiero visivo ed emotivo. Ogni tela diventa così un invito a osservare, comprendere e, forse, a ricordare.
Per il tutto mutar natura è bella è un omaggio alla conoscenza e all’intuizione, un viaggio pittorico che celebra la curiosità come forma di resistenza e la pittura come gesto di amore verso ciò che esiste, e che spesso dimentichiamo di guardare davvero.
All’interno dell’esposizione, il pubblico potrà attraversare un universo visivo fatto di rigore e sensibilità, dove l’equilibrio cromatico genera un senso di pace e la luce diventa voce silenziosa delle emozioni.
In breve:
Titolo Mostra: Per il tutto mutar natura è bella
Opening Mostra: venerdì 20 Giugno h 18
Durata Mostra: dal 20 al 26 Giugno 2025
Luogo: Medina Art Gallery/ Via Merulana 220 / Roma
Contatti Medina Art Gallery:
Email: info@medinaroma.com – Tel. +39 06 960 30 764
Social: facebook.com / medinaroma.arte / Instagram.com / medinaroma.arte
Website: https://www.medinaroma.com
Orario di apertura: Dal lunedì al venerdì ore 10.00-13.00/15.00-19.00

Animal House | Von Buren Contemporary
2025-06-26 18:00 - 2025-07-22 19:00
con le opere di
Andrea Barzini
Bato
Giuseppe Gallace
Gianlorenzo Gasperini
Maiti
Moreno Pette
Irene Rossetti
Beppe Stasi
Luca Zarattini
Vernissage
Giovedì 26 giugno 2025
18:00 – 22:00
Tra pittura, scultura e disegni, le opere in mostra trasformano la galleria in uno spazio vivace, abitato da creature selvatiche, domestiche, fantastiche o immaginate.
Colori vivaci, forme inaspettate e suggestioni visive guidano il visitatore in un viaggio che mescola l’incanto dell’infanzia con l’ironia dell’età adulta. Gli animali – protagonisti assoluti – diventano simboli, compagni di avventura o semplici presenze da osservare con stupore.

Infinite lune: Omaggio a Eole - Opere di Albino Palamara
2025-06-27 18:00 - 2025-07-06 18:00
Via Cairoli, 15, 00044 Frascati (RM)
Agarte – Fucina delle Arti
27 giugno – 06 luglio 2025
Ingresso libero e gratuito
Organizzata da: Agarte – Fucina delle Arti
A cura di: Alessandro Giansanti
Con le note di: Maria Dora Briotti e Marcello Chinca Hosch
La mostra personale organizzata dall’Associazione Culturale e Galleria d’Arte “Agarte – Fucina delle Arti” a cura di Alessandro Giansanti vede l’esposizione di una selezione dei lavori scultorei e pittorici dell’artista contemporaneo Albino Palamara.
Comunicato:
“Infinite lune: omaggio a Eole” propone una selezione di 16 opere realizzate nel corso degli anni dal poliedrico artista Albino Palamara. Classe ‘66, Palamara si è distinto per una ricerca visiva capace di spaziare tra scultura, pittura, grafica, illustrazione e mosaico, creando un linguaggio personale in cui tutte queste discipline coesistono armoniosamente.
Le opere in mostra aprono un dialogo vivo e immaginifico con lo spettatore, portandolo dentro il mondo fantastico e l’alfabeto creativo dell’artista originario di Africo (RC). La sua estetica, libera dalle convenzioni dell’arte contemporanea, dà vita a una produzione visiva esplosiva, ricca di suggestioni simboliche, riferimenti mitologici ed evocazioni oniriche.
La mostra invita il pubblico a lasciarsi trasportare in un viaggio sensoriale dove ogni lavoro è porta d’accesso a un cosmo interiore tanto personale quanto universale, aprendo con vernissage venerdì 27 giugno dalle ore 18 fino alle ore 20.30 e proseguirà tutti i giorni della settimana esclusi i lunedì seguendo regolare orario settimanale della nuova sede di Via Cairoli 15, 00044 Frascati (RM), fino a conclusione domenica 06 luglio 2025.
L’esposizione personale sarà liberamente visitabile (Ingresso gratuito) nei seguenti orari: martedì, mercoledì, venerdì e sabato 10.00-12.45 / 16.00-19.45, giovedì e domenica 10.00-12.45 (per qualsiasi informazione +39 351 740 5874 – agarte@agarte.it – www.agarte.it).

Fondazione VOLUME! - Finissage Franco Piersanti "La testa del poeta"
2025-07-02 16:00 - 20:00
Il 2 luglio 2025, dalle ore 16:00 alle 20:00, la Fondazione VOLUME! ospita il finissage della mostra La testa del poeta, un’opera di Franco Piersanti (Roma, 1950), noto compositore italiano che in questa occasione si misura con il linguaggio dell’installazione.
La mostra, inaugurata nel cuore di Trastevere lo scorso 25 maggio, rappresenta un momento di un’intensità artistica e poetica, in cui si intrecciano musica, scultura e memoria in un dialogo intimo con lo spazio della Fondazione. Durante la serata è previsto un momento “performativo”: il simbolico taglio del pavimento-opera da parte di Franco Piersanti, accompagnato live da Gilda Buttà (pianoforte) e il Luca Pincini (violoncello).
Il finissage sarà non solo un momento di incontro e condivisione aperto al pubblico, per salutare la mostra in presenza dell’artista, ma anche l’occasione per promuovere un’iniziativa solidale a sostegno dell’associazione Vo.Re.Co. – Volontari Regina Coeli. Sarà possibile contribuire con un’offerta minima di 20 euro e ricevere in cambio un frammento originale del pavimento-opera creato da Franco Piersanti per la mostra. Un gesto simbolico, che consente al pubblico di portare con sé un frammento dell’opera e, al contempo, sostenere attivamente una causa sociale profondamente radicata nel territorio.

ROME INTERNATIONAL ART FAIR 2025 - 15TH EDITION
2025-07-04 00:00 - 2025-07-11 18:00
ITSLIQUID Group è lieta di annunciare l’apertura della 15ª edizione di ROME INTERNATIONAL ART FAIR 2025, esposizione internazionale di fotografia, pittura, videoarte, installazioni/scultura e performance art. L’inaugurazione si terrà l’11 luglio 2025 alle ore 18:00 presso la Medina Art Gallery di Roma e la mostra sarà aperta al pubblico fino al 24 luglio 2025.
ROME INTERNATIONAL ART FAIR 2025 indaga il rapporto tra corpo e spazio, e la ibridazione tra identità e contesti culturali/fisici/sociali/urbani contemporanei, attraverso due sezioni principali: MIXING IDENTITIES e FUTURE LANDSCAPES.
La sezione MIXING IDENTITIES esplora le parti nascoste delle nostre identità, attraverso un’esperienza immersiva nell’affascinante universo dei complessi labirinti della coscienza. Il corpo umano è un sistema in continuo mutamento che ci collega ad altri corpi e spazi per percepire la realtà circostante; un forte sistema di comunicazione con un proprio linguaggio e infinite modalità espressive.
FUTURE LANDSCAPES è un concetto astratto ed infinito, associato a un senso di libertà e di estensione illimitata. Vissuti principalmente con la mente, gli spazi ridefiniscono i loro limiti e confini, trasformando le superfici in un flusso aperto di pure idee.
MIXING IDENTITIES esplora la complessità delle identità umane, immaginando il corpo non solo come un mezzo, ma come un vero e proprio spazio di comunicazione, dove si riflette la molteplicità dell’essere.
Il lavoro di Elisa Pollien si muove tra tensione e armonia, indagando la dualità con un linguaggio figurativo audace, profondamente ancorato alla forma umana. Le sue opere oscillano tra luce e ombra, realtà e immaginazione, svelando quel delicato equilibrio che modella i nostri paesaggi interiori. La sua tecnica fonde una solida formazione nelle belle arti con influenze urbane, sovrapponendo pennellate precise a texture che richiamano la street art. Elisa dipinge su superfici insolite – tele, muri, persino pelle – trattandole come organismi vivi, lasciando libera la sua espressione sia tecnica sia concettuale. Il suo messaggio è chiaro: l’arte non ha confini fissi, è un continuo divenire, un territorio fluido e aperto a tutti, eppure a nessuno in particolare.
Lyne Bourgeois condivide questa fascinazione per i confini fragili delle emozioni interiori, unendo inchiostro e acrilico su carta per dar vita a composizioni complesse e meditate. Le sue opere sono diari visivi, esplorazioni intime che sfidano con delicatezza i limiti
dell’interiorità, mescolando quiete e trasformazione. I suoi gesti fluidi e le forme organiche invitano a una riflessione profonda, in cui vulnerabilità e forza si intrecciano, rivelando storie di crescita, resilienza e chiarezza silenziosa che emergono nel processo creativo.
“Stormy Sea” di Jenni Tan cattura la potenza selvaggia della natura come metafora delle tempeste interiori e della trasformazione personale. Attraverso una palette intensa e cupa, la sua pittura richiama l’imprevedibilità dell’oceano, riflettendo le maree emotive della vita. La sua tecnica mescola spontaneità, segni e texture, creando un’atmosfera onirica dove si intrecciano chiarezza e ambiguità, libertà infantile e energia consapevole. L’opera diventa un dialogo con i ritmi naturali, in cui colore e movimento cercano quella calma interiore che spesso si nasconde nel caos. Con “Origem de Vida”, Simone Cosac Naify indaga i legami profondi tra memoria, maternità, dolore, libertà e violenza, usando un linguaggio pittorico multimediale che fonde figurazione e astrazione. Il suo lavoro trasforma esperienze personali in riflessioni universali sulla complessità della vita, invitando lo spettatore a una lettura intima e potente.
Per Lana Kuperman, l’arte è uno spazio di liberazione, dove l’istinto guida ogni gesto e ogni opera si trasforma in un atto personale di rinascita. In “Baltic Tan” si ritrovano le tracce del suo percorso multidisciplinare tra musica, teatro e arti visive: un dialogo tra profondità emotiva e libertà tecnica, che rompe gli schemi rigidi lasciando che ogni pennellata abbia voce e movimento. Ispirata dai paesaggi baltici e da una vita nomade tra Russia, Israele e Lituania, la sua pittura è al contempo luogo fisico e stato d’animo in trasformazione, con tonalità calde e solari che evocano nostalgia e un gesto libero che respinge ogni forma di conformismo.
La fotografa italiana Arianna Trigiante attinge al linguaggio cinematografico per creare immagini stratificate, cariche di tensione simbolica e sfumature filosofiche. Le sue fotografie, permeate da un senso pittorico, utilizzano chiaroscuro, doppie esposizioni e manipolazioni digitali per esplorare temi di dualità e trascendenza. Ogni scatto è un racconto visivo, uno specchio psicologico che invita lo spettatore a fermarsi, interpretare e sentire, facendo della bellezza un mezzo per una profonda rivelazione interiore.
Questo approccio si intreccia con l’indagine concettuale di Rihab Alghathami, che in “Soul” approfondisce le dimensioni filosofiche della coscienza e della spiritualità attraverso un linguaggio estetico raffinato, sondando gli spazi interiori della mente umana. Analogamente, Oad Siebensee si confronta con il metafisico da una prospettiva spirituale. In “Die Sonne der Trauer der Welt” trasparenze meticolose rivelano anime umane come veicoli di comunicazione cosmica e chiarezza interiore. Le sue opere sono interrogazioni filosofiche e rivelazioni visive che invitano a contemplare l’unità eterna dell’essere e il
dolore luminoso che unisce il mondo.
FUTURE LANDSCAPES ridefinisce i confini dello spazio, della mente e dell’identità, offrendo visioni speculative che superano il visibile e mescolano tecnologia, immaginazione e azione umana per dare forma a nuovi modi di essere. In “Baroque & Jet Hieroglyphs”, Imanuel Ellyien fonde la precisione dell’ingegneria aeronautica con la ricchezza espressiva dell’estetica barocca. Attraverso carboncino e penna traduce la logica della navigazione IFR (Instrument Flying Rules) in simboli astratti – i suoi “geroglifici a getto” – che mappano rotte invisibili, mettendo in scena la tensione tra controllo e caos, e offrendo una riflessione sul movimento, l’ordine e la percezione nello spazio contemporaneo.
Questa visione ampliata di paesaggio, dove sistemi complessi diventano tangibili e incarnati, trova eco nell’installazione interattiva di Threshold Lab, “Sweat for Generation – Experiencing the Labor Unseen”. Qui, lo sforzo fisico necessario a sostenere una singola query di intelligenza artificiale trasforma il calcolo astratto in fatica concreta e visibile. Integrando sensori, meccanismi e codice, l’opera crea un’interfaccia diretta tra lavoro umano e intelligenza artificiale, smascherando l’illusione della tecnologia immateriale e mettendo in luce le infrastrutture nascoste dietro le nostre vite digitali. Con questa sintesi di interazione, design e critica, Threshold Lab ripensa il nostro rapporto con energia, conoscenza e le invisibili architetture del potere.
INAUGURAZIONE
11 luglio 2025 | 18:00
Medina Art Gallery | Roma, Italia
Via Angelo Poliziano 32-34-36, 4-6
Orari apertura | Lunedì – Domenica: 10:00 – 13:00 e 15:00 – 19:00
RSVP
info@itsliquid.com
Click qui per la registrazione gratuita
supported by ORIGINAL GALLERY | UAB “QUALIFIED SOLUTIONS PARTNERS”

Giallo come il Sole - Emozioni di luce
2025-07-05 17:00 - 2025-07-12 19:00
ROMA – Sabato 5 luglio 2025 alle ore 17:00, in via Gaetano Casati 27 verrà inaugurato l’evento artistico Giallo come il Sole – emozioni di luce che potrà essere visitato fino a sabato 12 luglio dalle 17:00 alle 19:00.
Sin dai tempi antichi al giallo viene associato un valore positivo: è il colore della luce, dell’intelletto, del sapere, del calore e della gioia. Con questo evento “luminoso” si vuole mandare un messaggio di vitalità e vita, ribadendo il concetto che sebbene la vita ci riserva ostali e problemi, una via di serenità c’è e possiamo trovarla non nelle tenebre, ma nella luce.
“Cercate un poco di giallo quando non c’è più il sole… Bisogna cercare la luce per poter ripartire”
Mauro Rubini
Artisti partecipanti:
Alfonsi Francesca – Ariosto Antonella – Bandinelli Bernardo – Bartolini Tiziana – Boratta Mauro – Bracaglia Paola – Chiappetta Alessandra – Kappler Anna – Kefa – Lunghi Maria Grazia – Mutti Amelia – Palmarocchi Laura – Partis Barbara – Perugini Anna Rita – Porrega Mauro – Rubini Edoardo – Rubini Mauro – Rubini Sara – Tancredi Giovanna – Volpicella Patrizia – Zanarella Doriano – Zanarella Michela – Zaytseva Tatyana.
La mostra potrà essere visitata dal 5 al 12 luglio dalle ore 17 alle ore 19 (festivi esclusi) nella sede di Via Gaetano Casati 27 – Roma

L’Architettura in Libia. Spazi e forme, tecniche e colori
2025-07-09 18:30 - 2025-09-10 19:00
La mostra ripropone un’esposizione promossa dall’Ambasciata italiana a Tripoli presentata in occasione dell’UrbanExpo nel marzo 2023, riprendendo una precedente edizione presentata all’Istituto Italiano di Cultura di Tripoli nel 2014. Una rassegna delle testimonianze, dei protagonisti e delle architetture di rilevante interesse dall’eclettismo al razionalismo: un patrimonio culturale italiano, ora in eredità al popolo libico, pressoché sconosciuto in Italia e opera di oltre 70 tra architetti e ingegneri. Considerata l’importanza della Libia nel sistema delle relazioni internazionali dell’Italia e il rilevante valore culturale dell’argomento, l’esposizione vuole dare un contributo alla comprensione della storia e dell’architettura della prima metà del Novecento in Nord Africa.
L’ ARCHITETTURA IN LIBIA. Spazi e forme, tecniche e colori
a cura di Walter Baricchi
9.7—10.9.2025
mostra | monitor P
lun–sab ore 10–19
ingresso libero
9.7.2025 ore 18:30
opening mostra + talk
Saluti Alessandro Panci, S.E. Saeed Ahmed Younes, S.E. Gianluca Alberini
con Mahmoud Alzaidy, Roberto Beraldo, Giuseppe Cangialosi, Lorenzo Capobianco, Nello Tirelli, Gheblawy Ghaleb
modera Walter Baricchi
Evento promosso da
Casa dell’Architettura
Ordine degli Architetti PPC di Roma e provincia

ROME INTERNATIONAL ART FAIR 2025 - 15TH EDITION
2025-07-11 10:00 - 2025-07-24 19:00
ITSLIQUID Group è lieta di annunciare l’apertura della 15a edizione di ROME INTERNATIONAL ART FAIR 2025, esposizione internazionale di fotografia, pittura, videoarte, installazioni/scultura e performance art. L’inaugurazione si terrà l’11 luglio 2025 alle ore 18:00 presso la Medina Art Gallery di Roma e la mostra sarà aperta al pubblico fino al 24 luglio 2025.
ROME INTERNATIONAL ART FAIR 2025 indaga il rapporto tra corpo e spazio, e la ibridazione tra identità e contesti culturali/fisici/sociali/urbani contemporanei, attraverso due sezioni principali: MIXING IDENTITIES e FUTURE LANDSCAPES.
La sezione MIXING IDENTITIES esplora le parti nascoste delle nostre identità, attraverso un’esperienza immersiva nell’affascinante universo dei complessi labirinti della coscienza. Il corpo umano è un sistema in continuo mutamento che ci collega ad altri corpi e spazi per percepire la realtà circostante; un forte sistema di comunicazione con un proprio linguaggio e infinite modalità espressive.
FUTURE LANDSCAPES è un concetto astratto ed infinito, associato a un senso di libertà e di estensione illimitata. Vissuti principalmente con la mente, gli spazi ridefiniscono i loro limiti e confini, trasformando le superfici in un flusso aperto di pure idee.
MIXING IDENTITIES esplora la complessità delle identità umane, immaginando il corpo non solo come un mezzo, ma come un vero e proprio spazio di comunicazione, dove si riflette la molteplicità dell’essere.
Il lavoro di Elisa Pollien si muove tra tensione e armonia, indagando la dualità con un linguaggio figurativo audace, profondamente ancorato alla forma umana. Le sue opere oscillano tra luce e ombra, realtà e immaginazione, svelando quel delicato equilibrio che modella i nostri paesaggi interiori. La sua tecnica fonde una solida formazione nelle belle arti con influenze urbane, sovrapponendo pennellate precise a texture che richiamano la street art. Elisa dipinge su superfici insolite – tele, muri, persino pelle – trattandole come organismi vivi, lasciando libera la sua espressione sia tecnica sia concettuale. Il suo messaggio è chiaro: l’arte non ha confini fissi, è un continuo divenire, un territorio fluido e aperto a tutti, eppure a nessuno in particolare.
Lyne Bourgeois condivide questa fascinazione per i confini fragili delle emozioni interiori, unendo inchiostro e acrilico su carta per dar vita a composizioni complesse e meditate. Le sue opere sono diari visivi, esplorazioni intime che sfidano con delicatezza i limiti dell’interiorità, mescolando quiete e trasformazione. I suoi gesti fluidi e le forme organiche invitano a una riflessione profonda, in cui vulnerabilità e forza si intrecciano, rivelando storie di crescita, resilienza e chiarezza silenziosa che emergono nel processo creativo.
“Stormy Sea” di Jenni Tan cattura la potenza selvaggia della natura come metafora delle tempeste interiori e della trasformazione personale. Attraverso una palette intensa e cupa, la sua pittura richiama l’imprevedibilità dell’oceano, riflettendo le maree emotive della vita. La sua tecnica mescola spontaneità, segni e texture, creando un’atmosfera onirica dove si intrecciano chiarezza e ambiguità, libertà infantile e energia consapevole. L’opera diventa un dialogo con i ritmi naturali, in cui colore e movimento cercano quella calma interiore che spesso si nasconde nel caos. Con “Origem de Vida”, Simone Cosac Naify indaga i legami profondi tra memoria, maternità, dolore, libertà e violenza, usando un linguaggio pittorico multimediale che fonde figurazione e astrazione. Il suo lavoro trasforma esperienze personali in riflessioni universali sulla complessità della vita, invitando lo spettatore a una lettura intima e potente.
Per Lana Kuperman, l’arte è uno spazio di liberazione, dove l’istinto guida ogni gesto e ogni opera si trasforma in un atto personale di rinascita. In “Baltic Tan” si ritrovano le tracce del suo percorso multidisciplinare tra musica, teatro e arti visive: un dialogo tra profondità emotiva e libertà tecnica, che rompe gli schemi rigidi lasciando che ogni pennellata abbia voce e movimento. Ispirata dai paesaggi baltici e da una vita nomade tra Russia, Israele e Lituania, la sua pittura è al contempo luogo fisico e stato d’animo in trasformazione, con tonalità calde e solari che evocano nostalgia e un gesto libero che respinge ogni forma di conformismo.
La fotografa italiana Arianna Trigiante attinge al linguaggio cinematografico per creare immagini stratificate, cariche di tensione simbolica e sfumature filosofiche. Le sue fotografie, permeate da un senso pittorico, utilizzano chiaroscuro, doppie esposizioni e manipolazioni digitali per esplorare temi di dualità e trascendenza. Ogni scatto è un racconto visivo, uno specchio psicologico che invita lo spettatore a fermarsi, interpretare e sentire, facendo della bellezza un mezzo per una profonda rivelazione interiore.
Questo approccio si intreccia con l’indagine concettuale di Rihab Alghathami, che in “Soul” approfondisce le dimensioni filosofiche della coscienza e della spiritualità attraverso un linguaggio estetico raffinato, sondando gli spazi interiori della mente umana. Analogamente, Oad Siebensee si confronta con il metafisico da una prospettiva spirituale. In “Die Sonne der Trauer der Welt” trasparenze meticolose rivelano anime umane come veicoli di comunicazione cosmica e chiarezza interiore. Le sue opere sono interrogazioni filosofiche e rivelazioni visive che invitano a contemplare l’unità eterna dell’essere e il dolore luminoso che unisce il mondo.
FUTURE LANDSCAPES ridefinisce i confini dello spazio, della mente e dell’identità, offrendo visioni speculative che superano il visibile e mescolano tecnologia, immaginazione e azione umana per dare forma a nuovi modi di essere. In “Baroque & Jet Hieroglyphs”, Imanuel Ellyien fonde la precisione dell’ingegneria aeronautica con la ricchezza espressiva dell’estetica barocca. Attraverso carboncino e penna traduce la logica della navigazione IFR (Instrument Flying Rules) in simboli astratti – i suoi “geroglifici a getto” – che mappano rotte invisibili, mettendo in scena la tensione tra controllo e caos, e offrendo una riflessione sul movimento, l’ordine e la percezione nello spazio contemporaneo.
Questa visione ampliata di paesaggio, dove sistemi complessi diventano tangibili e incarnati, trova eco nell’installazione interattiva di Threshold Lab, “Sweat for Generation – Experiencing the Labor Unseen”. Qui, lo sforzo fisico necessario a sostenere una singola query di intelligenza artificiale trasforma il calcolo astratto in fatica concreta e visibile. Integrando sensori, meccanismi e codice, l’opera crea un’interfaccia diretta tra lavoro umano e intelligenza artificiale, smascherando l’illusione della tecnologia immateriale e mettendo in luce le infrastrutture nascoste dietro le nostre vite digitali. Con questa sintesi di interazione, design e critica, Threshold Lab ripensa il nostro rapporto con energia, conoscenza e le invisibili architetture del potere.
