Evita Andújar alla Von Buren Contemporary con la personale Captured Moments
2025-04-12 18:00 - 2025-05-06 19:30 (Europe/Rome) | RM
Ispirandosi ai selfies presenti nei social network, l’artista dipinge figure femminili immerse in ambienti domestici servendosi della pittura ad olio su tela misto lino, segnando così un punto di svolta nella sua pratica artistica, precedentemente incentrata sull’uso dell’acrilico.
Le donne, protagoniste indiscusse delle sue opere, si lasciano andare ai propri pensieri e assumono una varietà di pose e atteggiamenti che trasmettono un latente senso di inquietudine, spesso rivelato solo nell’intimità delle mura private. Andújar utilizza delle fotografie come punto di partenza per trasformarle successivamente in immagini cariche di significati e pathos, mediante un processo di interpretazione della realtà che si rifà al suo vissuto personale.
Dunque, attraverso un cromatismo brillante e le pennellate veloci ma controllate che definiscono la sua nuova serie di dipinti, l’artista intende celebrare l’universo femminile come portatore di valori esistenziali ed emotivi, andando oltre l’estetica dei corpi.

MUNCH. Il grido interiore
2025-04-13, 2025-04-14, 2025-04-15, 2025-04-16, 2025-04-17 | Palazzo Bonaparte, Piazza Venezia, 5, Roma, RM, 00186, Italy
A distanza di oltre 20 anni dall’ultima mostra dedicata a Munch a Roma, approda a Palazzo Bonaparte la più grande mostra mai realizzata prima.
Edvard Munch (Norvegia, 1863 -1944) viene celebrato con una grande retrospettiva, con il patrocinio della Reale Ambasciata di Norvegia a Roma, in collaborazione con il Museo Munch di Oslo.
Protagonista indiscusso nella storia dell’arte moderna, Munch è considerato un precursore dell’Espressionismo e uno dei più grandi esponenti simbolisti dell’Ottocento, nonché l’interprete per antonomasia delle più profonde inquietudini dell’animo umano.
La mostra, curata da Patricia G. Berman, una delle più grandi studiose al mondo di Munch, racconterà tutto l’universo dell’artista, il suo percorso umano e la sua produzione, e lo farà attraverso 100 opere, tra cui una delle versioni litografiche custodite a Oslo de L’Urlo (1895), ma anche La morte di Marat (1907), Notte stellata (1922–19249), Le ragazze sul ponte (1927), Malinconia (1900–1901) e Danza sulla spiaggia (1904).
Orari
dal lunedì al giovedì 9.00-19.30
venerdì, sabato e domenica 9.00-21.00
(la biglietteria chiude un’ora prima)
Aperture straordinarie
Venerdì 28 febbraio 9.00-23.00
Sabato 1° marzo 9.00-23.00
Dal 18 aprile fino al 27 aprile 9.00-21.00
Dal 1° maggio fino al 4 maggio 9.00-21.00
Dal 30 maggio fino al 1° giugno 9.00-23.00
Lunedì 2 giugno 13.00-00.00
La biglietteria chiude un’ora prima
Biglietti
Open € 22,00
Intero € 18,00
Ridotto € 17,00
Informazioni e prenotazioni
T. + 39 06 87 15 111
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Mostra Caravaggio, PROROGATA
2025-04-13, 2025-04-14, 2025-04-15, 2025-04-16, 2025-04-17 | Palazzo Barberini, via delle Quattro Fontane, 13, Roma, RM, 00184, Italy
Grazie al grande successo di pubblico e all’eccezionale interesse suscitato a livello nazionale e internazionale, le Gallerie Nazionali di Arte Antica annunciano la proroga della mostra CARAVAGGIO 2025 a Palazzo Barberini, che resterà aperta fino al 20 luglio 2025.
L’esposizione, a cura di Francesca Cappelletti, Maria Cristina Terzaghi e Thomas Clement Salomon, continuerà così ad accogliere eccezionalmente visitatori da tutto il mondo per altre due settimane, osservando gli stessi orari del mese di giugno: dal lunedì al mercoledì, dalle 9 alle 22 e dal giovedì alla domenica dalle 9 alle 24.
La mostra resterà chiusa mercoledì 9 luglio.
Dal 7 luglio il percorso espositivo resterà invariato nelle sue sezioni e contenuti, con la sola eccezione dell’opera I Musici (1595-1596), che tornerà al Metropolitan Museum of Art di New York, dal giorno 9, per precedenti impegni istituzionali
I restanti 23 capolavori, provenienti da prestigiose collezioni pubbliche e private, italiane e internazionali, resteranno eccezionalmente esposti per altre due settimane, così come rimarrà attiva la possibilità di visitare fino al 20 luglio il Casino Boncompagni Ludovisi con un biglietto speciale legato alla mostra: un’occasione unica per approfondire la rivoluzione visiva di Michelangelo Merisi, detto Caravaggio (1571–1610).
La proroga consentirà a un pubblico ancora più ampio di immergersi nella visione intensa e innovatrice del maestro lombardo, attraverso opere iconiche e raramente visibili – come il Ritratto di Maffeo Barberini, l’Ecce Homo riscoperto a Madrid nel 2021 e la prima versione della Conversione di Saulo – e sorprendenti accostamenti, all’interno di uno spazio che testimonia il legame tra l’artista e i suoi mecenati.
Un’opportunità che risponde alla straordinaria richiesta registrata in questi mesi da parte di un pubblico vasto e internazionale, confermando quanto la potenza narrativa, la drammaticità e la verità pittorica di Caravaggio continuino a parlare con forza al mondo contemporaneo.
La prevendita dei biglietti aprirà lunedì 30 giugno.

La mostra CARAVAGGIO 2025 è un progetto delle Gallerie Nazionali di Arte Antica, realizzato in collaborazione con Galleria Borghese, con il supporto della Direzione Generale Musei – Ministero della Cultura, con il sostegno del Main Partner Intesa Sanpaolo, con il supporto tecnico di Coopculture per i servizi al pubblico e di Marsilio Arte per la pubblicazione del catalogo. Urban Vision è media partner; Dimensione Suono Soft è radio partner.

Si ringraziano i prestatori che hanno reso possibile la mostra e concesso la proroga dei prestiti, tanto le collezioni private che hanno preferito rimanere anonime, quanto i musei pubblici e privati: Detroit Institute of Art (Detroit, US), Kimbell Art Museum (Fort Worth, US), Nelson-Atkins Museum of Art (Kansas City, US), Wadsworth Atheneum of Art (Hartford, US), .Museo Nacional Thyssen-Bornemisza (Madrid, ES), National Gallery of Ireland (Dublino, IE), Royal Collection Trust (Londra, UK) Galleria Borghese (Roma, I), Gallerie d’Italia (Napoli, I), Gallerie degli Uffizi – Palazzo Pitti (Firenze, I), Musei Capitolini (Roma, I) Pinacoteca di Brera (Milano, I), Museo e Real Bosco di Capodimonte – Patrimonio FEC (Napoli, I).

Dove
via delle Quattro Fontane, 13 – 00184 Roma
Come arrivare: con mezzi pubblici
Treno: fino a Stazione Termini , Metropolitana linea A, fermata Barberini
Bus: 53 – 61 – 62 – 63 – 80 – 81 – 83 – 160 – 492 – 590
Indirizzo
via delle Quattro Fontane, 13 – 00184 Roma

TARIFFE
La prevendita è obbligatoria e il biglietto è nominativo

Intero € 18,00
Ridotto € 15,00: 18 – 25 anni
Ridotto € 12,00: possessori di Gallerie Nazionali Pass e convenzioni
Ridotto € 9,00: Dipendenti Intesa e Soci ALI
Integrato (dal 7/03/2025 al 6/07/2025) € 25,00: Mostra Caravaggio 2025 e ingresso Gallerie Nazionali di Arte Antica (valido 20 giorni dal primo utilizzo per visitare Palazzo Barberini e Galleria Corsini)
Integrato ridotto (dal 7/03/2025 al 6/07/2025) € 17,00: 18 – 25 anni, mostra Caravaggio 2025 e ingresso Gallerie Nazionali di Arte Antica (valido 20 giorni dal primo utilizzo per visitare Palazzo Barberini e Galleria Corsini)
Gratuito: Minori di 18 anni, scolaresche e insegnanti accompagnatori dell’Unione Europea (previa prenotazione), studenti e docenti di Architettura, Lettere (indirizzo archeologico o storico-artistico), Conservazione dei Beni Culturali e Scienze della Formazione, Accademie di Belle Arti, dipendenti del Ministero della Cultura, membri ICOM, guide e interpreti turistici in servizio, giornalisti con tesserino dell’ordine, portatori di handicap con accompagnatore; personale docente della scuola, di ruolo o con contratto a termine, dietro esibizione di idonea attestazione sul modello predisposto dal Miur.

I Farnese nella Roma del Cinquecento
2025-04-13 09:00 - 19:00, 2025-04-14 09:00 - 19:00, 2025-04-15 09:00 - 19:00, 2025-04-16 09:00 - 19:00, 2025-04-17 09:00 - 19:00 | Musei Capitolini Villa Caffarelli, Via di Villa Caffarelli, Roma, RM, 00186, Italy
I Farnese nella Roma del Cinquecento. Origini e fortuna di una collezione, in mostra ai Musei Capitolini dall’ 11 febbraio al 18 maggio.
Il progetto espositivo scaturisce da una riflessione sull’incidenza avuta sulla città di Roma da Papa Paolo III Farnese alla vigilia del Giubileo del 1550.
Al pontefice si devono alcuni significativi interventi sulla città, tra cui la monumentalizzazione della Piazza del Campidoglio, affidata al genio di Michelangelo.
In mostra sono presentate opere riconducibili al momento di maggior splendore della Collezione, che va dai primi decenni del XVI scolo fino all’inizio del successivo, che comprendono oltre cento capolavori (dipinti, sculture antiche, bozzetti, disegni, manoscritti), provenienti principalmente dal Museo Nazionale Archeologico di Napoli, dal Museo di Capodimonte, dalla Biblioteca Nazionale e da altre collezioni italiane e straniere, tra cui la J. P. Morgan Library di New York.
Un’attenzione particolare è riservata all’evocazione di alcuni degli ambienti più rappresentativi di Palazzo Farnese a Campo dei Fiori, magnifica residenza della famiglia, come la Galleria dei Carracci e la sala dei Filosofi.
Un ulteriore focus riguarda la figura di Paolo III e gli intellettuali che gravitavano intorno alla sua corte
Orario

Dall’11 febbraio 2025 dalle ore 18.00 al 18 maggio 2025
tutti i giorni ore 9.30-19.30
Ultimo ingresso un’ora prima della chiusura
Giorni di chiusura
1° maggio
Info
Tel. 060608 (tutti i giorni ore 9.00 – 19.00)
www.museicapitolini.org www.museeincomuneroma.it

Mostra Futurismo
2025-04-13 09:00 - 19:00, 2025-04-15 09:00 - 19:00, 2025-04-16 09:00 - 19:00, 2025-04-17 09:00 - 19:00 | La Galleria Nazionale, Viale delle Belle Arti, 131, Roma, RM, 00197, Italy
Premiata dal pubblico (oltre 80.000 visitatori), la mostra Il Tempo del Futurismo alla Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea, promossa e sostenuta dal Ministero della Cultura e curata da Gabriele Simongini, è stata prorogata fino al 27 aprile e sarà visitabile anche il giorno di Pasqua 2025
La mostra celebra l’ottantesimo anniversario dalla scomparsa del fondatore del Futurismo, Filippo Tommaso Marinetti, avvenuta il 2 dicembre 1944, esponendo circa 350 opere d’arte oltre a centocinquanta oggetti, tra cui arredi, film, libri e manifesti, insieme con un idrovolante, automobili, motociclette e strumenti scientifici d’epoca, con un’attenzione particolare alla matrice letteraria del movimento marinettiano.

Per descrivere al meglio l’atmosfera futurista, l’esposizione è arricchita da due installazioni site specific di Magister Art e di Lorenzo Marini ed è vivacizzata da eventi di approfondimento.

La mostra Il Tempo del Futurismo alla Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea celebra l’ottantesimo anniversario dalla scomparsa di Filippo Tommaso Marinetti, avvenuta il 2 dicembre 1944.
Diversamente dalle mostre del passato dedicate al rivoluzionario movimento d’avanguardia fondato nel 1909 da Marinetti, questa mostra si concentra sul rapporto tra arte e scienza/tecnologia e illustra quel completo rinnovamento della sensibilità umana avvenuto per effetto delle grandi scoperte scientifiche posto alla base della nascita del Futurismo. Una riflessione oggi attualissima, se si pensa che lo tsunami tecnologico dell’intelligenza artificiale sta investendo l’umanità, avverando la profezia della macchinizzazione dell’umano e dell’umanizzazione della macchina preconizzata proprio dai futuristi. La mostra punta a essere inclusiva, didattica e multidisciplinare, si rivolge al grande pubblico e in particolare alle nuove generazioni.
Per questo illustra i concetti di velocità, di spazio, di distanza e di sensibilità percettiva evidenti nei capolavori del Futurismo contestualizzandoli nella società dell’epoca, rivoluzionata dalle innovazioni scientifiche e tecnologiche.
Saranno esposte circa 350 opere fra quadri, sculture, progetti, disegni, oggetti d’arredo, film, oltre a un centinaio fra libri e manifesti, con un’attenzione alla matrice letteraria del movimento marinettiano che non ha precedenti, insieme con un idrovolante, automobili, motociclette e strumenti scientifici d’epoca. Per descrivere al meglio l’atmosfera futurista, l’esposizione sarà arricchita da due installazioni site-specific di Magister Art e di Lorenzo Marini e sarà vivacizzata da talk e performance curati da Federico Palmaroli.
Si ringraziano i musei italiani e stranieri, tra cui il MOMA, il Metropolitan Museum di New York, il Philadelphia Museum of Art, la Estorick Collection di Londra e il Kunstmuseum Den Haag de L’Aia che con i loro prestiti hanno generosamente contribuito alla mostra. Il catalogo sarà pubblicato da Treccani.
Dal martedì alla domenica, dalle ore 9:00 alle ore 19:00, l’ultimo ingresso è alle ore 18:15.
Indirizzo: Viale Belle Arti, 131 – 00196 Roma
Orari di apertura:
Dal martedì a domenica dalle 9:00 alle 19:00
Ultimo ingresso 45 minuti prima della chiusura
Biglietti
Acquista o prenota i biglietti: bit.ly/LAGNtickets
Biglietto intero: € 15,00
Biglietto ridotto: € 2,00
– cittadini UE di età compresa tra i 18 e i 25 anni
Biglietto gratuito:
– ogni prima domenica del mese e in occasione di giornate ad ingresso gratuito l’accesso sarà garantito previa prenotazione di biglietto online. Si richiede il rispetto della fascia oraria di ingresso
– 25 aprile, 2 giugno e 4 novembre
– visitatori di età inferiore a 18 anni
– docenti e studenti iscritti alle facoltà di architettura, di conservazione dei beni culturali, di scienze della formazione e ai corsi di laurea in lettere o materie letterarie con indirizzo archeologico o storico artistico delle facoltà di lettere e filosofia, o a facoltà e corsi corrispondenti istituiti negli stati membri dell’Unione europea
– portatori di handicap e un accompagnatore che dimostri l’appartenenza a servizi di assistenza socio-sanitaria
– giornalisti con tesserino in corso di validità
– guide turistiche
– soci ICOM
– dipendenti MiC
Concessioni:
– possessori Roma Pass
Info pubblico + 39 06 32298221

Warhol e Banksy
2025-04-13 10:00 - 19:00, 2025-04-14 10:00 - 19:00, 2025-04-15 10:00 - 19:00, 2025-04-16 10:00 - 19:00, 2025-04-17 10:00 - 19:00 | WeGIl, Largo Ascianghi, 5, Roma, 00153, Italy
La mostra Warhol e Banksy presso WEGIL di Trastevere, aperta al pubblico fino al 6 giugno 2025, è patrocinata dalla Regione Lazio, in collaborazione con LAZIOcrea con il patrocinio di Roma Capitale, e prodotta da Metamorfosi Eventi e Emergence Festival.
Un confronto tra due artisti e due personalità apparentemente distanti: il favoloso mondo di Andy Warhol, l’artista più fotografato al mondo, famoso e onnipresente, contro l’anonimo Banksy, che ha reso la sua arte un evento mediatico mondiale. Da una parte, dunque, Warhol e le sue opere diventate un prodotto di consumo e il suo nome un vero e proprio brand, e dall’altra Banksy grande esperto di comunicazione, che continua a far parlare di sé trasformando il vandalismo di strada in un evento internazionale da prima pagina, capace di raggiungere l’intero pianeta, usando il suo anonimato per diventare icona (brand) allo stesso modo di Warhol. Il focus della mostra è proprio questo: investigare in parallelo gli obiettivi e gli intenti dei due artisti che più hanno lavorato sulla propria immagine pubblica. L’arte diventa azione e la provocazione al mercato dell’arte esplicita.
Le opere esposte sono oltre 100, provenienti da famose collezioni private di tutto il mondo e da importanti gallerie d’arte. Dalla Kate Moss sensuale di Banksy alla posa della Marylin realizzata da Warhol dopo la morte dell’attrice nel 1962, al significativo ritratto della Regina Elisabetta ritratta da Warhol con il diadema reale e a quella di Banksy con le sembianze di una scimmia (Monkey Queen). E poi il famoso ritratto di Mao, Lenin e Kennedy di Warhol e la Regina Vittoria di Banksy. Grace Kelly, Mick Jagger, Keith Haring, Joseph Beuys, Liza Minelli: due artisti geniali, capaci di creare un cocktail potente di celebrità, satira e voyerismo e che hanno saputo trasformare la loro arte in un evento straordinario.
La numerosissima produzione di Banksy con un esempio delle Soup che sono considerate post-produzione di una delle opere più iconiche di Warhol e il famoso autoritratto, Self Portrait, su tela del 1967 di Warhol messo a confronto con il muro di Banksy dal titolo Computer Boy (di cui alcune interpretazioni vedono nel ragazzo accovacciato Banksy da piccolo con l’identità già nascosta). Sarà in mostra anche il famosissimo muro di Banksy dal titolo Season’s greetings realizzato in Galles a Port Talbot nel 2018, che ci invita a riflettere sulle conseguenze che l’inquinamento atmosferico ha sulla nostra salute. Si affronteranno, inoltre, i grandi temi comuni a entrambi gli artisti come la Musica, che costituiranno un faccia a faccia unico.
Dischi e manifesti iconici dei due artisti – tra tutti la famosa banana del 1967 della copertina di The Velvet Underground & Nico, simbolo di una generazione musicale che sarà in dialogo con l’opera di Banksy dal titolo Pulp Fiction, in cui John Travolta anziché la pistola ha in mano la banana iconica di Warhol e oltre 50, tra vinili di Warhol firmati e cd con la copertina realizzata da Banksy.
INFORMAZIONI
Orari
La mostra è aperta tutti i giorni, secondo questi orari:
dalle 10,00 alle 19,00
la biglietteria chiude un’ora prima
Ogni sabato e domenica è possibile partecipare alle visite guidate della mostra.
Le visite guidate sono previste: tutti i sabati, alle ore 11 – 12 – 17; tutte le domeniche, alle ore 12 – 17.
Per prenotare la visita e l’acquisto del biglietto info
Prezzi
Biglietto intero: € 15
Biglietto ridotto: € 12 – Riservato per under 14, over 70, giornalisti, forze dell’ordine, studenti. I bambini fino a 6 anni non pagano
Biglietto ridotto: € 10 – Riservato a dipendenti Regione Lazio e LAZIOcrea, previa presentazione del badge aziendale
Bigliotto ridotto Youth Carta Giovani: € 7 – Riservato ai possessori della Youth Carta Giovani, previa presentazione della registrazione all’App
Biglietto open: € 18
Per acquisto biglietti
https://www.liveticket.it/warholbanksy
Per informazioni
www.wegil.it
info@wegil.it
+39 334 6841506
Per prenotazione visite guidate
info@emergencefestival.com
+39 335 8009056

Paolo Radi - Peregrinus
2025-04-13 12:00 - 20:00 | RM
Il 13 aprile 2025 dalle 12:00 alle 20:00 la Fondazione VOLUME! presenta
Peregrinus, un lavoro di Paolo Radi (Roma, 1966). Un progetto inedito che
esplora il rapporto tra il viaggio interiore dell’artista e la figura del pellegrino,
attraverso un percorso installativo che invita il visitatore a riflettere su ciò che va
oltre il visibile.
Peregrinus rappresenta uno stato dell’essere: un pellegrinaggio tra nostalgia e
ricerca, tra ciò che è familiare e ciò che è sconosciuto. Come un pellegrino,
l’artista intraprende un viaggio senza destinazione certa, fidandosi solo della
propria inquietudine e dell’impulso di scoprire mondi sia esteriori che interiori.
Paolo Radi, attraverso la sua arte, diventa un esploratore perpetuo, sempre
straniero in qualsiasi luogo, mai completamente a casa, alla ricerca di qualcosa
che non può essere contenuto o descritto in termini finiti.
Questa ricerca si intreccia con la storia della Fondazione VOLUME!, nata con
l’obiettivo di trasformare lo spazio espositivo in un luogo di sperimentazione in
cui gli artisti potessero ridefinire il rapporto tra opera e ambiente. In questo
contesto, Peregrinus si inserisce in continuità con la missione di VOLUME!,
trasformando lo spazio in una dimensione sospesa tra il visibile e l’invisibile.
Un viaggio tra macerie e memorie che porta inesorabilmente a una dimensione
conclusiva luminosa. Le opere installate negli ambienti di VOLUME! sono il frutto
di una complessa stratificazione di materiali, come carta e perspex, che
sembrano fondersi con lo spazio che le accoglie, dissolvendosi e riemergendo in
un continuo dialogo tra presenza e assenza, tra memoria e oblio. Questa
dualità, che riflette la tensione tra il noto e l’ignoto, tra il viaggio e l’esilio,
costituisce l’essenza del pellegrinaggio artistico di Radi. Le sue opere si
materializzano e si smaterializzano, come i pensieri e i ricordi che affiorano per
poi scomparire nell’indistinto, evocando l’idea che forse l’arte non debba
giungere a una fine, ma continuare a perdersi in una ricerca infinita.
In questo percorso Radi ci guida verso una dimensione finale luminosa, ma
costantemente aperto a nuove interpretazioni e significati. L’artista ci invita a
leggere oltre la superficie, in un rimando alla luce barocca, emblema di
rivelazione e mistero. Come nel Barocco, la luce non è solo un elemento
estetico, ma diventa metafora della tensione spirituale verso ciò che non può
essere del tutto compreso. I giochi di luce e ombra nelle sue opere si caricano di
significati nascosti, proprio come nell’arte barocca, dove la luce era portatrice di
messaggi trascendentali e celati, che solo l’occhio attento e contemplativo
poteva cogliere.
Biografia:
Paolo Radi (Roma, 1966) e si è diplomato all’Accademia di Belle Arti di Roma
nel 1988. La sua carriera artistica inizia nel 1992 con la partecipazione alla
rassegna Giovani artisti IV al Palazzo delle Esposizioni di Roma. Nel 2002 viene
invitato a realizzare un lavoro presso la Fondazione Sculpture Space di Utica,
New York, e nello stesso anno vince il Premio Giovani/Scultura dell’Accademia
Nazionale di San Luca.
Nel corso degli anni, Radi ha partecipato a importanti mostre nazionali e
internazionali, tra cui la XIV Quadriennale di Roma (2003), la Biennale di
Venezia (2006) e la mostra Lucio Fontana e la sua eredità (2005). Ha esposto
anche all’estero in mostre come Experimenta e Springs in White in India e
Thailandia. Nel 2012 è stato invitato a esporre presso l’Istituto Italiano di Cultura
di Lima, mentre nel 2016 ha partecipato alla mostra The Sharper Perception a
New York e ha tenuto una personale al MAC di Lissone. Nel 2019 ha partecipato
alla mostra Materie Prime a Senigallia, e nel 2022 ha esposto alla Biennale di
Changwon in Corea.

Il Paese della biodiversità. Il patrimonio naturale italiano
2025-04-14 14:00 - 18:00, 2025-04-16 14:00 - 18:00 | Cnr, Piazzale Aldo Moro, 7, Roma, RM, 00185, Italy
Fino al 30 aprile 2025 è visitabile a Roma, nella sede del CNR (Consiglio Nazionale delle Ricerche), la mostra Il paese della biodiversità. Il patrimonio naturale italiano di National Geographic Italia e National Biodiversity Future Center (NBFC), il primo centro di ricerca italiano sulla biodiversità, in collaborazione con il Cnr.
Il percorso espositivo multimediale presenta in 5 sale, fotografie che descrivono la stupefacente biodiversità italiana e testimoniano l’importanza di preservarla.
Una cinquantina di scatti di The Wild Line – il collettivo di fotografi naturalistici composto da Marco Colombo, Bruno D’Amicis e Ugo Mellone – selezionati da National Geographic, raccontano il lato selvaggio del nostro paese, esplorando il legame tra la sua biodiversità, le attività umane e le conseguenze dei cambiamenti climatici.
Anche grazie alla sua peculiare posizione protesa nel Mediterraneo, alla sua geomorfologia, alla straordinaria diversità di habitat che ospita, e ancora al fatto di trovarsi sulle importanti rotte migratorie di molte specie di uccelli tra l’Africa e il Nord Europa, l’Italia è il paese europeo con la più grande varietà di specie viventi e il più alto tasso di specie endemiche, ma molti non sanno che più del 50% delle specie vegetali e il 30% delle specie animali sono presenti esclusivamente nel nostro paese.
La posizione privilegiata dell’Italia, d’altra parte, la espone però a significativi rischi legati al cambiamento climatico, con l’intera area mediterranea considerata un hotspot. Siccità e desertificazione nelle regioni meridionali, aumento della temperatura del mare e incremento degli eventi meteo estremi sono tutti elementi che possono concorrere ad alterare ecosistemi fragili, spesso già sotto pressione per l’impatto delle attività umane.
Il National Biodiversity Future Center ha identificato nella conservazione della biodiversità vegetale e animale una delle sfide più cruciali per l’Italia e l’intero bacino del Mediterraneo, che ospita ecosistemi gravemente compromessi (oltre il 30%). La protezione degli ecosistemi e delle specie in pericolo è una sfida che riguarda tutti. Fondamentale il coinvolgimento dei cittadini con progetti di citizen science.
Il potere evocativo delle straordinarie immagini esposte in mostra invita i visitatori a riflettere sulla ricchezza e sulla fragilità degli ecosistemi italiani e sull’urgenza di adottare strategie per conservare gli habitat naturali. Dalle piante agli invertebrati, dagli uccelli agli animali acquatici, ad alcuni dei mammiferi più iconici del nostro patrimonio naturalistico, ogni fotografia è il racconto di una specie, del suo comportamento, dei rischi a cui è sottoposta.
“La tutela dei nostri ecosistemi passa non soltanto dall’impegno del mondo scientifico o dalla messa a punto di tecnologie di ripristino e prevenzione, ma anche da una cultura della biodiversità, estesa e trasversale a tutta la società. Pertanto, il nostro augurio è che quante più persone possibile – cittadini, famiglie, studenti – colgano l’occasione per entrare in un luogo del sapere quale è il Consiglio nazionale delle ricerche, e scoprire attraverso questa mostra il vasto mondo della biodiversità e l’affascinante complessità di questo ambito di studio”, ha affermato Maria Chiara Carrozza, presidente Cnr, nel corso della presentazione dell’evento.
“Questa mostra è, prima di tutto, un piccolo racconto della ricchezza del nostro patrimonio naturale, che ritrae specie iconiche come l’orso marsicano, il lupo, la lince, ma anche animali di cui molti di noi non conoscono nemmeno l’esistenza e che pure hanno un ruolo cruciale nei nostri ecosistemi. In questo senso, il messaggio che racchiude è che la natura va salvaguardata nel suo insieme, nella sua complessità, e che la biodiversità del nostro paese è un capitale di valore inestimabile”, ha aggiunto Marco Cattaneo, direttore di National Geographic.
“L’importanza della mostra è nel valore in sé della stessa e negli obiettivi di comunicazione scientifica che si pone. In particolare, attraverso di essa tante ragazze e ragazzi delle nostre scuole si avvicineranno alla scoperta della natura, svilupperanno curiosità per lo studio scientifico e per la tutela della biodiversità, come sancito dall’art 9 della nostra Costituzione”, dichiara Luigi Fiorentino, presidente NBFC.
L’esposizione mira a sensibilizzare il vasto pubblico sui temi ambientali, partendo dai più giovani. Sono infatti previste anche visite guidate per le scuole, con attività didattiche pensate per diverse fasce d’età e livelli di istruzione.

Il collettivo The Wild Line
Marco Colombo (1988) è laureato in Scienze Naturali e si occupa di divulgazione scientifica. Collabora con GEO (Rai 3) e con riviste come National Geographic Italia e BBC Wild Life, così come con università e aree protette. Autore di 12 libri, ha scoperto una nuova specie di ragno in Sardegna e le sue foto sono state premiate al Wildlife Photographer of the Year in varie occasioni.
Bruno D’Amicis (1979) vive all’ombra dell’Appennino, ma lavora spesso all’estero. È laureato in Scienze Biologiche e le sue immagini sono state premiate (World Press Photo, Wildlife Photographer of the Year) e pubblicate (National Geographic, GEO, Smithsonian) in tutto il mondo. Ha realizzato sette libri, tre documentari e ideato diversi progetti di divulgazione e conservazione.
Ugo Mellone (1983) vive tra Spagna e Italia, lavorando spesso anche in Sud America. Ha ottenuto il dottorato di ricerca studiando le immigrazioni di rapaci tra Mediterraneo e Africa. È stato premiato al Wildlife Photographer of the Year e I suoi progetti fotografici, sostenuti anche dalla National Geographic Society, sono stati pubblicati nelle principali riviste e in tre libri fotografici.
Organizzato da:
Mostra di National Geographic Italia e National Biodiversity Future Center (NBFC)
in collaborazione con il Cnr
Dal 20 gennaio al 30 aprile 2025
LUN – MERC – GIOV SOLO SU REGISTRAZIONE
con le seguenti modalità:

LUN E MERC 09:30 – 12:45 RISERVATO ALLE SCUOLE CON DUE TURNI (09:30/11:00 E 11:15/12:45)
LUN E MERC 14:00 – 18:00 DEDICATO ALLA CITTADINANZA (CON INGRESSO OGNI 30 MINUTI – ULTIMO ACCESSO ALLE 17:30)
GIOV 09:30 – 13:30 DEDICATO ALLA CITTADINANZA (CON INGRESSO OGNI 30 MINUTI ULTIMO ACCESSO 13:00)

Sede centrale Cnr
Piazzale Aldo Moro, 7 – Roma
Ingresso: gratuito con prenotazione obbligatoria (https://booking.rsi.cnr.it/)
Foto di preview: Un maschio di volpe rossa (© Bruno D’Amicis)

Attraverso i Colori mostra Personale di Antonella Quartaroli a cura di Mauro SIlani
2025-04-14 18:00 - 2025-04-30 20:00 | RM
“ATTRAVERSO I COLORI”
Mostra personale di Antonella Quartaroli a cura di Mauro Silani
Vernissage: 14 aprile 2025
Luogo: Art Space Temporary Lab, Via Salaria 222/E, Roma
Durata: Dal 14 aprile al 30 aprile
In un periodo in cui l’arte contemporanea si fa sempre più strumento di riflessione e introspezione, la mostra “Attraverso i Colori” si inserisce come un’importante occasione per esplorare la potenza espressiva del colore e del gesto pittorico.
L’Art Space Temporary Lab è lieto di presentare “Attraverso i Colori”, la prima mostra personale dell’artista poliedrica Antonella Quartaroli, a cura di Mauro Silani il cui vernissage si terrà il 14 aprile 2025 alle ore 18.
L’esposizione rappresenta un viaggio immersivo nella sua ricerca artistica, un’esplorazione che spazia dal figurativo all’informale e all’astratto.
Il linguaggio artistico di Antonella Quartaroli
Antonella Quartaroli è un’artista il cui impeto creativo nasce da un’indole istintiva e spontanea, ma al contempo profonda e intuitiva. La sua arte si sviluppa in una dimensione libera da vincoli accademici, permettendole di indagare il reale senza filtri o manierismi concettuali. Le sue opere, caratterizzate da un’intensa concretezza espressiva, raccontano la quotidianità in modo naturale e disarmante.
Attraverso i Colori restituisce tutta la forza e l’energia del gesto pittorico della Quartaroli, un linguaggio che si nutre di istinto e spontaneità, elementi che derivano dalla sua passione per la danza. L’esperienza come danzatrice si riflette nei suoi lavori attraverso un’alternanza ritmica di segno, gesto e colore, che ricordano il compás del flamenco, praticato dall’artista sotto la guida della maestra Caterina Costa, come nel flamenco, anche nella sua pittura il ritmo diventa una vibrazione interiore: “Senza ritmo, non c’è flamenco. È una vibrazione che va dentro”.
La mostra comprende 58 opere e si divide in due sezioni: la prima allestita nella sala principale che comprende lavori che vanno dal 2020 al 2024, con un focus sul periodo pandemico; la seconda più intimista allestita come un vero e proprio atelier dove troviamo opere che coprono un arco temporale dal 1991 al 2014 e che riassumono il suo percorso artistico.
Il periodo pandemico ha rappresentato un momento di profonda riflessione per l’artista. Durante questi anni, di isolamento forzato, Antonella Quartaroli ha sperimentato nuove tecniche e un linguaggio espressivo più istintivo e materico, ispirandosi all’energia graffiante di Jean-Michel Basquiat.
Il suo lavoro si è concentrato su temi come l’isolamento, la resilienza e il cambiamento interiore, evidenziati in opere come Prisoner. In queste tele, colore e materia si fondono per esprimere tensione emotiva e ricerca di consapevolezza, dando vita a lavori di forte impatto visivo e cromatico.
L’artista affronta temi esistenziali quali il dolore, la perdita della libertà, la malattia e la morte attraverso un contrasto tra il contenuto i simboli e forme e un uso vibrante ed espressivo del colore. Da questa dicotomia nasce una tensione osmotica che genera un’ironia irriverente, quasi dissacrante, nei confronti dei lati più oscuri dell’esistenza umana. La sua capacità di esorcizzare il malessere attraverso il colore emerge con forza in opere come Totem e Sacrificio, in cui le brillanti campiture cromatiche si scontrano con la profondità del messaggio espressivo.
Il rapporto con il maestro Gianpaolo Berto
Nella sala più piccola, allestita in maniera informale, come un vero e proprio atelier, l’artista ci invita a percorrere le tappe principali del suo percorso artistico, dove di fondamentale importanza è stato il suo rapporto di amicizia e collaborazione con il maestro Gianpaolo Berto, figura di riferimento nella sua formazione. Quartaroli ha partecipato a diverse iniziative e progetti artistici sotto la guida di Berto, tra cui la mostra “Io Sono Frida” presso la Galleria Spazio 40 di Roma nel 2014, da lui curata. Inoltre, il confronto continuo con Berto le ha permesso di approfondire l’uso del colore e la gestualità pittorica, elementi distintivi del suo linguaggio artistico.
Questa mostra offre al pubblico l’opportunità di immergersi nell’universo espressivo di un’artista che fa della libertà creativa la sua cifra distintiva.
Il vernissage del 14 aprile sarà un’occasione speciale per incontrare Antonella Quartaroli e scoprire la sua visione dell’arte, in un dialogo aperto con il pubblico.
Biografia
Antonella Quartaroli nasce a Roma il 5/10/1961, il suo rapporto con l’arte e la creatività si manifesta fin dall’infanzia.
Nel 1986 si iscrive alla scuola “dello Scarabocchio” Presso L’accademia delle belle Arti di Roma dove studia teoria della percezione e psicologia della forma. Al contempo segue i corsi di disegno e pittura presso l’istituto S. Giacomo.
Negli stessi anni frequenta la scuola di danza Wilson dove sotto la guida della maestra di livello internazionale Caterina Costa si appassiona al flamenco
Questi studi influenzeranno la sua maniera di dipingere e intendere l’arte, istintiva e primordiale e allo stesso tempo libera e disciplinata, in un processo creativo che segue un ritmo tra forma e colori mai sazio di sperimentare, sempre in evoluzione, che la accompagna come in un contrappunto musicale dalla danza alla pittura, dal flamenco al jazz passando per il ritmo e il blues.
Un incontro fondamentale per il suo percorso è stato, in questi anni di formazione quello con il maestro Gianpaolo Berto emerito dell’accademia di belle arti di Roma, un incontro che poi si è trasformato in amicizia e collaborazione artistica. Questo rapporto di stima reciproca e di scambio è proseguito negli anni fino alla morte di Berto.
Berto ha influenzato profondamente il suo metodo di ricerca, incoraggiandola a esplorare nuove forme espressive e ad approfondire il legame tra gesto pittorico e contenuto emozionale. Questa relazione ha arricchito la sua visione creativa, consolidando il suo approccio libero e autentico alla pittura.
Antonella Quartaroli è una artista molto attiva nel panorama artistico romano e internazionale, ha partecipato a molte mostre collettive, vincendo nel 2012 la 4° edizione del premio Eureka.
Il Collettivo Oxford
Il Collettivo Oxford si è costituito nel gennaio 2018, per unire l’interesse per la divulgazione artistica, scientifica e filosofica, partendo da radici comuni. E nasce dagli incontri e i simposi avvenuti presso l’Hotel Oxford in via Boncompagni 89 a Roma.
Da questi incontri è nato un vero e proprio movimento artistico che si è proposto attraverso una mostra itinerante, nazionale e internazionale, dal titolo “ARCAICO E PRESENTE”, la cui cifra di lettura è stata riconosciuta dal maestro Gianpaolo Berto (che ha fatto parte dello spazialismo di Lucio Fontana) e dal fondatore Mauro Silani, come “IL NUOVO SPAZIALISMO ROMANO”.
Tale denominazione è stata sottoscritta in una bozza di manifesto, da tutti gli artisti che fanno parte del “Collettivo Oxford “e depositata in forma sonora nelle teche RAI sotto forma di un racconto intervista rilasciata da Mauro Silani a Francesca Vitale, artista, antropologa, giornalista e autrice di Rai Radio Techetè che potete ascoltare al seguente link: https://www.raiplaysound.it/audio/2019/10/Speciale-Lucio-Fontana-1-puntata-0639dbdb-5f18-40c0-ad5d-97a12b7664cf.html.
Il manifesto è stato presentato ufficialmente al museo Palazzo Merulana di Roma il 18 settembre 2019, https://www.palazzomerulana.it/events/presentazione-del-manifesto-del-collettivo-oxford/
La mostra itinerante, che raccoglie e presenta le opere degli artisti del collettivo, rappresenta solo il punto di partenza di un progetto più ampio di promozione culturale da avviare nei territori che la ospiteranno. L’obiettivo è aprire le porte del collettivo ad artisti locali per innescare processi virtuosi di produzione culturale attraverso il coinvolgimento delle istituzioni, delle associazioni e delle scuole.
“Consideriamo l’arte e la socialità come i presupposti per la rigenerazione del tessuto sociale e culturale delle città – spiega Mauro Silani, ideatore del progetto e curatore della mostra- questo progetto itinerante significa dare un contributo fattivo al processo di ricostruzione delle relazioni sociali attraverso l’arte e la ricerca, per due ordini di ragioni: Innanzitutto il nostro collettivo è un vero laboratorio aperto al contributo degli artisti locali, nazionali e internazionali, Inoltre, ad ogni esposizione ci assicuriamo la partecipazione delle scuole, delle istituzioni ed associazioni culturali con la speranza di aprire sedi operative in tutto il paese e anche all’estero” .
Mauro Silani
fondatore e curatore del Collettivo Oxford
www.collettivo-oxford.com
**Mostre Collettive **
Oltre alla sua ricerca personale, Antonella Quartaroli ha partecipato a numerose mostre collettive, contribuendo a diffondere la sua poetica artistica sia a livello nazionale che internazionale. Queste esposizioni hanno rappresentato tappe fondamentali nella sua crescita professionale, permettendole di confrontarsi con artisti di diverse correnti e affinare ulteriormente la propria espressione creativa. consolidando la sua presenza nel panorama artistico contemporaneo.
Tra le principali esposizioni si annoverano:
• 2024/2025 – “Kontemporanea” mostra permanente collettiva del Collettivo Oxford presso lo Spazio Q’4RT dell’Hotel Oxford di Roma, a cura di Mauro Silani.
• 2017 – “La Donna e l’Autunno” mostra collettiva presso il Museo Crocetti di Roma, a cura di Mauro Silani.
• 2016 – “Immagini dello Spirito e dell’Intelletto” presso la galleria IMAGO MUNDI CaveArt Gallery – Roma, a cura di Giorgio Palumbi.
• 2016 – “Donna Natura e Fiore nell’Arte” presso la Galleria UNDERGROUND di Roma, a cura di Giorgio Palumbi.
• 2015 – “Incontro Con La Solitudine” presso Coronari 111 Art Gallery di Roma.
• 2015 – Biennale d’Arte Moderna di Palermo, a cura di Paolo Levi e Sandro Serradifalco con la collaborazione di Vittorio Sgarbi.
• 2015 – Spectrum Miami Art Show, fiera dell’arte.
• 2014 – “Io Sono Frida” presso Galleria Spazio 40 di Roma, a cura di Gian Paolo Berto.
• 2014 – “ABSTRACT” bi-personale alla Coronari 111 Art Gallery di Roma.
• 2014 – ART Rombolino Art Gallery in Florida.
• 2013 – “Il Nudo nell’Arte” rassegna pittorica presso la Galleria Maggiore di Roma.
• 2012 – “Cosmo Cromie e Plasticismi” presso il complesso monumentale Sant’Andrea al Quirinale, Roma.
• 2012 – “Amore e Psiche” presso Coronari 111 Art Gallery – Roma.
• 2012 – “Materia Energia Arte” presso la Biblioteca Angelica di Roma.
• 2011 – Mostra collettiva presso il Teatro dei Dioscuri, Roma.
Premi
2012 – 4° Edizione del Premio Eureka presso la Domus Talenti di Roma 1° classificata
Mauro Silani
[mauro.silani@gmail.com]

Cronache dalla Finzione Foto di Angelo Raffaele Turetta
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