Italy Brick Expo
2025-10-25 08:00 - 2025-10-26 17:00 (Europe/Rome) | RM
Per la prima volta a Roma, il Palazzo dei Congressi sabato 25 e domenica 26 ottobre ospiterà l’Italy Brick Expo diventando uno dei più grandi siti dedicati ai LEGO in Europa: con i suoi 4mila mq di superficie e 3mila mq occupati esclusivamente dalle opere.
Al suo interno prenderanno letteralmente vita centinaia di mondi nati dal talento e dall’ingegno dei migliori costruttori LEGO® italiani che si riuniranno per offrire al pubblico le loro opere spaziando da sculture monumentali a capolavori in miniatura, diorami enormi riprodurranno intricate e moderne città come scenari dal sapore medievale e fantastico fino a portare il pubblico su altri pianeti e dimensioni grazie all’infinita varietà dei personaggi e del sistema LEGO®
L’Italy Brick Expo, organizzato in co-produzione con EUR SpA., è molto più di un’esposizione: è un’esperienza immersiva, spettacolare, pensata per grandi e piccoli, per appassionati e curiosi, per chi costruisce sogni… un mattoncino alla volta.
Oltre cento mastri costruttori provenienti da tutto il mondo Porteranno in esposizione Centinaia e centinaia di creazioni originali: vere e proprie opere d’arte in mattoncini, dalle più celebri architetture storiche alle ambientazioni cinematografiche che hanno fatto sognare intere generazioni.

Tra i builder più attesi:
– da Chicago, Rocco J. Buttliere con la sua monumentale SPQR, ossia una Roma Imperiale costruita in micro scala, un capolavoro di dettaglio e passione
– Luca Petraglia, milanese e orgoglio italiano, che porta in mostra la Fontana di Trevi, Piazza Navona, San Pietro e Altare della Patria.
– MBrick, da Dijon, direttamente dalla Francia, pronto a stupire con i suoi quadri 3D.
Info > https://www.italybrickexpo.it/

Eughen- e A Wibaa visioni in dialogo
2025-10-25 16:30 - 21:00
Nel cuore di Trastevere, tra vicoli intrisi di storia e memoria, lo Spazio Eughen apre le sue porte durante la Rome Art Week per un incontro straordinario tra generazioni e linguaggi artistici.
In questa occasione speciale, accanto alle opere di Eughen (Eugenio Floreancig) – artista che ha trasformato la materia in voce e il silenzio in visione – saranno esposte quattro opere di A-Wibaa, creando un dialogo poetico tra passato e presente, tra resistenza e rinascita.
Il percorso espositivo invita il pubblico a immergersi in una trama di corrispondenze: la forza plastica e meditativa di Eughen incontra la ricerca introspettiva e riflessiva di A-Wibaa, in cui il gesto si fa specchio, attraversamento, rivelazione. Le opere di A-Wibaa, poste in risonanza con quelle del maestro, offrono un contrappunto contemporaneo che rinnova l’eredità di uno spazio nato come luogo di memoria e presidio culturale, trasformandolo in un laboratorio vivo di visioni.
L’evento, promosso da Lucilla Floreancig, figlia dell’artista e fondatrice dello spazio, rappresenta un momento di apertura e condivisione, dove la materia diventa ponte tra epoche e sensibilità diverse.
Nella cornice autentica dello studio di Eughen, il pubblico potrà attraversare un’esperienza estetica e emotiva, scoprendo come la libertà creativa continui a generare nuovi dialoghi, nuove forme, nuovi silenzi.

VBC ArtLab ospita Sweet Dreams - La personale di Lucia Simone
2025-10-25 18:00 - 2025-11-20 19:30
Vernissage
Sabato 25 e domenica 26 ottobre 2025
dalle 18:00 alle 21:30
Con SWEET DREAMS il sogno diventa protagonista, trasformandosi in portale verso nuovi mondi e in un filtro attraverso cui interpretare l’esperienza del reale.
L’esposizione riunisce una selezione di dipinti ad olio che abbracciano sei anni di ricerca artistica. Attraverso una pittura attenta e visionaria, Simone esplora i confini tra veglia e inconscio, memoria e immaginazione, invitando lo spettatore a immergersi in un universo sospeso tra realtà e sogno.
SWEET DREAMS si propone così come un viaggio interiore, dove la dimensione onirica si fa chiave d’accesso a nuove percezioni e possibilità di interpretazione del mondo.
Lucia Simone, nata a Perugia nel 1986, si è formata presso l’Accademia di Belle Arti di Roma, specializzandosi in pittura e incisione. Le sue opere, di forte impatto emotivo, l’hanno portata a ricevere prestigiosi premi internazionali e ad esporre in rinomate istituzioni culturali. Ha inoltre partecipato a numerose mostre personali e collettive.
VBC ArtLab è il nuovo spazio di Von Buren Contemporary. Un laboratorio d’arte e di idee, è un luogo dinamico dedicato a workshop, presentazioni, incontri ed eventi speciali.

Mostra Micologica
2025-10-26 10:00 - 17:00
L’A.M.E.R. – Associazione Micologica ed Ecologica Romana APS, con il patrocinio del Municipio Roma VII, vi invita alla Mostra Micologica 2025, un evento gratuito dedicato al mondo affascinante dei funghi.
Municipio VII – Villa Lazzaroni
Via Fortifiocca n. 71, Roma
Domenica 26 ottobre 2025
Orari di apertura: 10:00 – 13:00 / 14:00 – 17:00
L’iniziativa, ad ingresso libero, offrirà ai visitatori l’opportunità di conoscere da vicino le diverse specie fungine del territorio, grazie all’esperienza e alla passione dei micologi dell’associazione. Sarà anche un’occasione per approfondire temi legati all’ecologia, alla biodiversità e alla tutela dell’ambiente.
Un appuntamento imperdibile per chi ama la natura, la scienza e la scoperta!

Mostra MUCHA a Roma
2025-10-26 10:00 - 2026-03-08 18:30
Fino all’8 marzo 2025, Palazzo Bonaparte – sede ormai imprescindibile per le grandi mostre d’arte in Italia – si trasforma nel tempio dell’Art Nouveau presentando la più ampia retrospettiva mai dedicata ad Alphonse Mucha (Ivančice, 24 luglio 1860 – Praga, 14 luglio 1939), artista ceco, padre e maestro indiscusso di quello stile raffinato e sensuale che ha rivoluzionato l’immaginario visivo di ogni tempo.
La mostra, con una selezione di oltre 150 opere, è un viaggio nell’intera opera di Mucha attraverso l’esposizione di tutti i suoi capolavori (tra cui Gismonda, 1894; Médée, 1898; JOB, 1896; la serie The Stars del 1902 o quella sulle Pietre Preziose del 1900 o ancora gli studi sull’Epopea Slava) provenienti dal Mucha Museum di Praga, e allarga la visione all’importanza e alla centralità della bellezza nella storia dell’arte.
In mostra, infatti, anche straordinarie opere archeologiche e rinascimentali, passando a capolavori dell’Ottocento con l’eleganza de La contessa De Rasty (1879) di Boldini per giungere finalmente al Novecento con la sontuosa Semiramide (A Babilonia) del 1905 di Saccaggi.
Ad arricchire il percorso anche arredi, oggetti Art Nouveau e tantissimo altro: un dialogo inedito che illumina Mucha da prospettive nuove, rivelando la continuità dell’ideale di bellezza femminile nel tempo.
Ospite d’onore della mostra è la Venere di Botticelli (1485-1490), prestata in via del tutto eccezionale dai Musei Reali – Galleria Sabauda di Torino, perfetta sintesi del concetto di bellezza e seduzione.
La Venere, icona e testimonial mondiale del fascino senza tempo, stabilisce un ponte ideale tra l’arte rinascimentale e l’Art Nouveau. Il capolavoro quattrocentesco, recentemente oggetto di approfondite indagini diagnostiche, dialoga sorprendentemente con le figure femminili di Mucha, rivelando come l’ideale di bellezza attraversi i secoli con continuità straordinaria.
A Palazzo Bonaparte, Mucha viene raccontato attraverso i suoi celebri manifesti teatrali, pannelli decorativi, calendari e illustrazioni, testimoni di un’epoca in cui l’arte si fondeva con la vita quotidiana e ne impreziosiva ogni gesto.
Ma, su tutto, Mucha è colui che ha saputo reinventare l’immagine femminile nell’arte, trasformandola in icona di grazia e forza, protagonista indiscussa di un linguaggio decorativo – tra fiori, linee morbide e atmosfere oniriche – che ancora oggi ispira moda, grafica e design contemporaneo, fino ad influenzare il mondo dei più moderni tatuaggi dove i suoi soggetti sono diventati uno dei temi più ricorrenti e richiesti al mondo.
Mucha è stato molto più di un artista. È stato un innovatore, un comunicatore visivo capace di dare una forma seducente e riconoscibile all’immaginario della Belle Époque. I suoi celebri manifesti pubblicitari – come quelli dedicati a Sarah Bernhardt o ai profumi e ai liquori parigini – non solo resero popolare l’arte grafica, ma trasformarono il linguaggio visivo del suo tempo, anticipando i principi del design moderno.
La donna di Mucha, con le sue linee flessuose, i capelli fluenti, le vesti leggere e gli elementi naturali che la circondano, è diventata l’icona universale della femminilità Art Nouveau, movimento che ha rivoluzionato le arti applicate e la visione estetica tra fine Ottocento e inizio Novecento.
La mostra “Alphonse Mucha. Un trionfo di Bellezza e seduzione” non si limita a raccontare l’evoluzione dello stile di Mucha: invita il visitatore a entrare nel suo mondo, restituendo l’atmosfera vibrante della sua epoca.
L’allestimento sarà un’esperienza avvolgente, in cui ambienti, luci, profumi, musiche e cromie condurranno il pubblico in un vero e proprio passaggio temporale, riportandolo indietro nel tempo.
Accanto alle opere dell’artista, il pubblico potrà ammirare arredi, preziosi e oggetti di design, fotografie e materiali d’epoca, in un viaggio immersivo tra eleganza, natura e simbolismo, dove ogni dettaglio – visivo, sonoro, tattile – contribuirà a evocare l’incanto di un’epoca che ha reso l’arte parte integrante della vita.
“Nel celebrare il 25º anniversario di Arthemisia, sentivamo il dovere e il desiderio – dichiara Iole Siena, Presidente di Arthemisia – di rendere omaggio alle donne e alla bellezza femminile, temi che da sempre attraversano la storia dell’arte con grazia, forza e profondità. Abbiamo scelto di farlo in un luogo simbolico e ormai consacrato come il tempio delle grandi mostre d’arte, offrendo al pubblico un’esposizione inedita, intensa e ricca di emozione. Sono certa che questa mostra saprà toccare l’animo dei visitatori, lasciando un segno indelebile nei loro occhi e nei loro cuori.
E guardando al futuro, ci avviamo verso il 2026 che vedrà Palazzo Bonaparte teatro di due mostre straordinarie: in primavera – in occasione dei 160 anni delle relazioni diplomatiche tra Italia e Giappone – la più completa mostra mai dedicata in Italia ad Hokusai, il più grande pittore e incisore giapponese e, in autunno, una eccezionale esposizione su Kandinskij, padre fondatore dell’astrattismo.”
Palazzo Bonaparte, nel cuore di Roma, si conferma ancora una volta come uno dei luoghi simbolo dell’arte internazionale.
Dopo mostre di straordinario successo come quelle dedicate a Monet, Escher, Van Gogh, e Munch, che hanno realizzato numeri record di visitatori, ospita ora un evento imperdibile che celebra la grazia e la forza di un artista capace di parlare ancora oggi al nostro tempo.
Con il patrocinio del Ministero della Cultura, della Regione Lazio, del Comune di Roma – Assessorato alla Cultura, dell’Ambasciata della Repubblica Ceca e del Centro Ceco presso Ambasciata della Repubblica Ceca, la mostra è prodotta e organizzata da Arthemisia, in collaborazione con la Mucha Foundation e i Musei Reali di Torino. La curatela è di Elizabeth Brooke e Annamaria Bava, con la direzione scientifica di Francesca Villanti.
La mostra è in partnership con Generali Valore Cultura.
Main partner della mostra la Fondazione Terzo Pilastro – Internazionale e con Poema.
La mostra vede come special partner Ricola, radio partner Dimensione Suono Soft, media partner la Repubblica, hospitality partner Hotel de Russie e Hotel de la Ville, mobility partner Atac e Frecciarossa Treno Ufficiale, sponsor tecnico Ferrari Trento e con il supporto tecnico del Mucha Museum e di Prague City Tourism.
Il catalogo è edito da Moebius.

Paesaggi e Natura
2025-10-26 12:00 - 2025-11-10 19:00
PAESAGGI E NATURA
Collettiva di Arte Contemporanea
GALLERIA STUDIO CICO
Domenica 26 ottobre 2025 – ore 12.00
Galleria Studio CiCo – Via Gallese 8, 10, 12 – Roma
La Galleria Studio CiCo è lieta di annunciare l’inaugurazione della mostra collettiva PAESAGGI E NATURA, che si terrà domenica 26 ottobre 2025 alle ore 12.00 e sarà visitabile fino al 10 novembre 2025.
La mostra, presentata dal Prof. Piero Zanetov e dalla Dott.ssa Nicoletta Rossotti, è curata da Melissa Fenti e Cinzia Cotellessa. L’esposizione riunisce le opere di 23 artisti contemporanei, italiani e internazionali, dedicate alla bellezza e alla fragilità del mondo naturale.
In un’epoca segnata da profonde trasformazioni ambientali e cambiamenti climatici, la natura torna al centro della riflessione artistica come fonte inesauribile di ispirazione e spazio di consapevolezza. Le opere – tra pittura, scultura e fotografia – raccontano paesaggi reali e immaginari, selvaggi e urbani, sospesi tra memoria e visione futura.
Gli artisti esplorano il rapporto tra uomo e ambiente, traducendo in forme e colori l’incanto di foreste e mari, la vastità dei cieli, ma anche le ferite e le metamorfosi imposte dall’intervento umano. Alcuni lavori celebrano la natura come rifugio dell’anima, altri ne rivelano la vulnerabilità e la necessità di una rinnovata coscienza ecologica.
La curatela di Melissa Fenti e Cinzia Cotellessa costruisce un percorso visivo immersivo nel mondo sconfinato della vita vegetale e animale, un dialogo intenso tra arte e natura.
Artisti in mostra
Oltre venti, gli artisti in mostra: Adamo, Avvisati, Bacci, Battista, Bolognesi, Borrelli, Canale, Cotellessa, Di Stefano, Frustaci, Garatti, Giambitto, Granati, Ogliari, Maresti, Mariani, Olivieri, Pietrangeli, Ricci Piccirilli, Quarato, Sarrocco, Testa, Vespignani.
PAESAGGI E NATURA non è solo un omaggio alla bellezza del pianeta, ma anche un invito all’azione: guardare, ascoltare, proteggere.

Cento Pittori in Via Margutta, omaggio a Gigi Proietti e i suoi colori di Roma
2025-11-01 08:00 - 2025-11-02 17:00
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Dal 30 ottobre al 2 novembre 2025, Via Margutta si trasforma ancora una volta in una galleria d’arte a cielo aperto per la 124ª edizione della storica manifestazione dell’Associazione Cento Pittori Via Margutta. Un appuntamento irrinunciabile per la Capitale, che quest’anno si tinge di emozione e memoria con un tema speciale: “Gigi Proietti e i suoi colori di Roma”.
L’omaggio al grande Maestro — attore, autore, regista e poeta della romanità — è un tributo collettivo alla sua figura artistica e umana, profondamente intrecciata con l’anima stessa della città eterna. Proietti ha raccontato Roma con ironia, verità e sentimento come pochi altri. Ora, a farlo sono i pennelli e le tele degli artisti di Margutta, che attraverso le loro opere restituiscono il volto più intimo e poetico di una città che continua a vivere anche grazie al suo sguardo.
La manifestazione — nata nel 1953 — non è solo un’esposizione d’arte, ma un viaggio nell’identità culturale di Roma, un’esperienza immersiva in cui la tradizione si rinnova anno dopo anno. Le opere saranno esposte secondo la consueta e iconica formula dei cavalletti allineati lungo la strada, sotto gli storici ombrelloni, tra artisti affermati, giovani talenti e ospiti internazionali.
Tra questi, grazie alla collaborazione con l’Accademia di Belle Arti di Varsavia e Galleria Vittoria, saranno presenti anche 14 artisti polacchi di rilievo, tra cui Katarzyna Dyjewska, Łukasz Jankowicz, Marcin Kozłowski Jr., e Sylwester Piędziejewski, contribuendo a un dialogo artistico sempre più aperto e internazionale.
Inaugurazione con ospiti d’eccezione
L’inaugurazione ufficiale si terrà il 30 ottobre alle ore 16:00, alla presenza di Sagitta Alter e Susanna Proietti, moglie e figlia dell’indimenticabile Gigi. Parteciperanno anche l’On. Federico Mollicone, Presidente della Commissione Cultura della Camera, e il Prof. Alberto Moioli, noto critico d’arte e consulente dell’Enciclopedia d’Arte Italiana, che offrirà una riflessione sull’importanza dell’arte nel preservare la memoria collettiva.
Durante l’apertura verranno conferiti il Premio alla Carriera e il titolo di Socio Onorario all’artista Giuseppe Zingaretti, figura centrale dell’Associazione, in riconoscimento del suo contributo artistico e umano.
Passeggiando lungo Via Margutta, i visitatori potranno non solo ammirare centinaia di opere originali ma anche incontrare gli artisti, ascoltare le storie dietro ogni dipinto, e immergersi in un racconto visivo che fonde ricordo e contemporaneità. Ogni quadro è un frammento della Roma di Gigi, della sua ironia, della sua profondità e della sua umanità.
La 124ª edizione dei Cento Pittori Via Margutta è realizzata con il sostegno del Vicepresidente Paola Minissale, del segretario Maurizio Baiocchini, dei consiglieri Silvano Fabrizio, Angelo Colazingari, Roberto Fantini, Pino Tersigni e Maria Cristina Lucidi.
L’evento gode del patrocinio di importanti enti istituzionali: Regione Lazio, Roma Capitale, la Camera dei Deputati, l’ICAS – Intergruppo parlamentare Cultura Arte e Sport e la Fondazione Gigi Proietti.
Si ringraziano inoltre CAF Italia Via Val Grana, Vertecchi per l’Arte, Ar.te snc, Ottica La Fege, e Galleria Vittoria per il loro contributo alla realizzazione dell’iniziativa.
124ª Mostra Cento Pittori Via Margutta – Gigi Proietti e i suoi colori di Roma
Date: 30 ottobre – 2 novembre 2025
Luogo: Via Margutta, Roma
Ingresso: libero
Info: www.centopittoriviamargutta.it

Emanuele Parmegiani - Bianco su nero
2025-11-05 18:30 - 2025-11-29 19:30
MANUELE PARMEGIANI
BIANCO SU NERO
A cura di Alberto Dambruoso
Con un testo di Ludovica Palmieri
Inaugurazione 5 novembre 2025 ore 18.30
PROSA_contemporanea
Via Marin Sanudo 24 – Roma
Fino al 29 novembre 2025
Mercoledì 5 novembre 2025 alle ore 18.30, PROSA_contemporanea presenta la mostra personale Bianco su nero di Emanuele Parmegiani a cura di Alberto Dambruoso e con un testo critico di Ludovica Palmieri: in esposizione tre grandi tele dove l’attenzione è concentrata solo sul segno che dà vita alle opere.
Come scrive Alberto Dambruoso nel testo di presentazione: «Quello di Parmegiani è un segno aperto, che tende a costruire le immagini attraverso un movimento a spirale che imprime un senso di forte dinamismo a tutta la superficie. Tutte le immagini prendono vita da questo segno nervoso ed incerto ma di grande forza espressiva. Da tre grandi tele nere simili a delle lavagne, emergono dal fondo grazie ad un segno steso sulla superficie con uno smalto bianco che ricorda il segno lasciato sulla lavagna dal gessetto, alcuni strani personaggi. Una figura seduta e colta di profilo ha in mano una pistola; in un’altra tela compare una coppia che sembra in procinto di scambiarsi la mano; nell’ultima opera realizzata con il “bianco su nero” si scorge uno strano animale che ricorda vagamente nelle fattezze uno struzzo. Sono queste, presenti in mostra, delle opere fuoriuscite dal suo inconscio o dallo stato ipnagogico, a volte popolato da mostri inquietanti ma spesso anche da personaggi buffi e divertenti.»
«C’è un nero che non è assenza, ma spazio potenziale.», scrive Ludovica Palmieri nel testo critico, «Le tele di Emanuele Parmegiani nascono da lì. Superfici scure che evocano lavagne, territori aperti alla possibilità, dove il bianco del segno diventa gesto rivelatore, traccia di un pensiero che si manifesta nell’atto stesso del fare. Bianco su nero, come gessetto che incide, graffia e riscrive, Parmegiani lavora guidato da un’urgenza visiva che non ammette esitazioni. Ogni tratto è un’impronta dell’inconscio, una scia emotiva che affiora tra il mostruoso, il grottesco e l’ironico, tra la spontaneità e la progettualità, tra la necessità di esprimersi e la consapevolezza del rischio che ogni atto creativo comporta. […] In Bianco su nero l’artista rinuncia al colore per tornare all’essenza della pittura: gesto, linea, secondo un ritmo interiore che prende corpo sulla superficie. Le sue tele sono una sorta di lavagne mentali, territori sospesi in cui la mano agisce come un sismografo dell’inconscio, tracciando percorsi che diventano rivelazioni. Non c’è distinzione tra disegno e pittura: le opere vivono in una dimensione intermedia, in cui il segno diventa immagine e l’immagine si dissolve di nuovo nel segno. Tutto si gioca nella vibrazione tra bianco e nero, nella dialettica essenziale tra luce e ombra, presenza e assenza, controllo e abbandono. Parmegiani costruisce così un linguaggio fatto di tensioni e di pause, di apparizioni improvvise e di vuoti che respirano. […] Bianco su nero è dunque una riflessione sulla pittura come atto originario, come necessità più che come scelta estetica. La superficie nera, densa e silenziosa, accoglie il bianco come un atto di rivelazione, un gesto di emersione, quasi una scrittura istintiva che affiora dal buio.»
BIOGRAFIE
Emanuele Parmegiani nasce a Roma nel 1974, dove vive e lavora. Dopo gli studi classici si iscrive alla Facoltà di Sociologia e Scienze della Comunicazione, dove orienta la sua ricerca sulla sperimentazione cinematografica, e in particolare sul cortometraggio come forma di comunicazione della propria arte. Ideatore e autore di sceneggiature per il cinema e per il teatro, ha approfondito anche lo studio della recitazione come sintesi di molte forme d’arte, alternando lunghi periodi alla fotografia e alla pittura. Dal 2010 si dedica esclusivamente alla pittura, esponendo in diverse mostre personali e collettive sia in Italia che all’estero. Hanno scritto di lui: Lina Calenne, Alberto Dambruoso, Valeria Lupi, Paola Valori. Tra le principali esposizioni: 2011, Animals, curata dallo staff della rivista Exibart, Galleria dei Serpenti – Roma; 2016, L’utopia della mente stellare a cura di Alberto Dambruoso e Lina Calenne, Micro arti visive – Roma; 2018, Metropolitania, a cura di Alberto Dambruoso e Lina Calenne, Micro arti visive – Roma. Tra il 2020 e il 2021 espone permanentemente nello spazio Tibaldi Arte come unico artista; nel 2021 presenta la mostra personale Dopo tutto, Palazzo Velli Expo – Roma, a cura di Alberto Dambruoso; nel 2025 ritorna con la personale I’m back a cura di Alberto Dambruoso al Museo Fondazione Venanzo Crocetti di Roma.   PROSA_contemporanea è un progetto di PROSA_studiolab ideato da Valeria Palermo, Amelia Roccatelli e Stefano Salvi. Nato dal recupero di una ex pasticceria, PROSA ospita uno studio di architettura, un luogo di lavoro condiviso, uno spazio espositivo con l’intenzione di aprirsi alla ricerca contemporanea sul confine tra arte e design.
INFO
EMANUELE PARMEGIANI
BIANCO SU NERO
A cura di Alberto Dambruoso Con un testo di Ludovica Palmieri
Inaugurazione 5 novembre 2025 ore 18.30
Fino al 29 novembre 2025
Orari: dal martedì al venerdì 16.00 – 19.00; sabato su appuntamento. Ingresso libero.
PROSA_contemporanea Via Marin Sanudo 24 – Roma
prosa.studiolab@gmail.com instagram prosa_studiolab – prosa_contemporanea
tel. 338 4858 398

Il teatro infinito di Andrea Camilleri: prorogata la mostra a Palazzo Firenze (Roma)
2025-11-06 10:00 - 2025-11-17 18:00
Con oltre 2.000 visitatori in meno di due settimane e visto il successo già ottenuto, la mostra Scene, voci, accenti, scritture: il teatro infinito di Andrea Camilleri, organizzata e promossa dalla Società Dante Alighieri in collaborazione con il Fondo Andrea Camilleri e realizzata con la produzione di Arthemisia, sarà prorogata fino a lunedì 17 novembre 2025.
L’esposizione, visitabile a Palazzo Firenze – sede della Dante in Piazza di Firenze 27, Roma –, è nel calendario delle celebrazioni per i cento anni dalla nascita dello scrittore di Porto Empedocle. A cura dello storico della letteratura italiana Giulio Ferroni, è accompagnata da un’audioguida con la voce di Marco Presta, ex allievo di Camilleri all’Accademia nazionale d’arte drammatica Silvio d’Amico.
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Con l’idea di indagare la figura dello scrittore siciliano superando il suo ruolo più noto, quello di “inventore” del Commissario Montalbano, un percorso tra oggetti personali, lettere, fotografie, copioni, edizioni rare o inedite e materiali audiovisivi organizzato in sei sezioni tematiche ripercorre sotto un profilo inusuale la vita e l’opera di uno degli autori più popolari del nostro tempo.
Lo dimostrano i messaggi di entusiasmo e affetto lasciati dai visitatori, provenienti da tutto il mondo (Stati Uniti, Francia, Spagna, Germania e altri), che concordano nel riconoscere in Camilleri un uomo di straordinaria cultura, sulla scena e nella scrittura: abilissimo narratore, intellettuale poliedrico, un Tiresia dei nostri giorni. Particolarmente apprezzato l’angolo che ne ricostruisce l’ambiente di lavoro, con oggetti a lui realmente appartenuti, concessi in prestito dalle eredi Camilleri.
La mostra è aperta al pubblico con il seguente orario: dal lunedì al venerdì (ore 10:00-18:00), sabato e domenica (ore 10:00-14:00).
INGRESSO GRATUITO.
Il progetto è a cura dell’Unità Cultura della Società Dante Alighieri.
L’iniziativa si inserisce nel programma del Centenario Camilleri promosso dal Fondo Andrea Camilleri con il Comitato Nazionale Camilleri 100.

Mostra d'Arte "Il Giardino degli Alebrijes"
2025-11-06 17:00 - 19:00
Titolo evento: Mostra d’arte “Il Giardino degli Alebrijes”
dal 4 al 12 novembre 2025
Vernissage 6 novembre ore 17:00
Presso il Museo Fondazione Venanzo Crocetti
ORARI: Lun, mar, mer, gio, ven: 11:00 – 13:00 / 15:00 – 19:00. Sabato: 11:00 – 19:00
Via Cassia, 492 Roma
Entrata gratuita
COMUNICATO STAMPA
MOSTRA D’ARTE IL GIARDINO DEGLI ALEBRIJES
Dopo il suo grande successo a Dublino in Irlanda, la mostra internazionale Il Giardino degli Alebrijes continua il suo percorso nel mondo e si prepara ad aprire le sue porte in una delle capitali artistiche più importanti: ROMA, Italia.
La mostra sarà ospitata presso il prestigioso Museo Fondazione Venanzo Crocetti dal 4 al 12 novembre 2025, offrendo al pubblico italiano un viaggio immersivo nel colore, nella fantasia e nella spiritualità dell’arte messicana contemporanea. L’inaugurazione ufficiale si terrà il 6 novembre 2025 alle ore 17:00, con una degustazione di vini offerta dalla Casa Vinicola La Corte dei Greci ed un concerto di musica latino-americana con la chitarra del Maestro Franco Tinto, creando un incontro unico tra arte, cultura e tradizione.
UNA VISIONE COLLETTIVA CHE FIORISCE OLTRE LE FRONTIERE
La mostra è una iniziativa del collettivo 4xpresiones de México, diretto dall’artista Mike Farraige, con la curatela del maestro José Guadalupe Ríos Córdoba, il coordinamento generale di Mariana Hernández Jallil, la coordinazione internazionale di Lorena Khelladi, con la collaborazione in Italia di Maria Cristina Lucidi, in arte Cristina Lucidi Art. Questo gruppo ha saputo consolidare un progetto culturale che trascende i confini geografici, promuovendo l’unione di Artisti di diverse generazioni e stili attorno a un unico simbolo: l’alebrije, figura che rappresenta l’immaginazione, la trasformazione e l’identità. Il percorso de Il Giardino degli Alebrijes a Roma si presenta come un ponte tra la tradizione messicana e la sensibilità europea. In ogni Opera, realizzata nel formato di 30 x 40 cm, gli Artisti reinterpretano il concetto dell’alebrije da prospettive personali e contemporanee, creando un dialogo tra il simbolico e lo spirituale, tra il fantastico e il reale.
COLLABORAZIONI CHE RAFFORZANO LA PROIEZIONE INTERNAZIONALE
Questo ambizioso progetto conta sulla collaborazione di importanti spazi culturali e collettivi artistici messicani, la cui attività è stata fondamentale per lo sviluppo e la diffusione internazionale della mostra:
Andrómeda Galería (Città del Messico)
Galería Ana Sofía (Puebla)
Galería Muros (Veracruz)
Collettivo Grupo Cultural Renacer
Collettivo Zún Zún
Collettivo 4xpresiones de México
Ciascuna di queste istituzioni contribuisce con la propria esperienza e visione, creando una rete culturale che ha permesso all’arte messicana di viaggiare dai laboratori locali ai musei internazionali.
UNA COMUNITÀ ARTISTICA UNITA DALL’ARTE E DALL’IDENTITÀ
Gli artisti partecipanti a questa edizione sono 110 e rappresentano la diversità, il talento e la forza dell’arte messicana contemporanea. Tra loro si trovano:
Abimael Escobar, Adriana Álvarez Torres, Adriana Muñoz, Alberto de la Medina, Albrecht Olivares, Alexander Ibarra, Amalia Trejo, Ámbar Castro, Angela Uscanga, Angie Porras, Anya Ix Chel, Ariadna Cornejo, Armida B Maldonado, Arturo Valdez, Beatriz Aguilar, Bram L, Carlos Licona, Carmen Ivette Altagracia, Carolina Kattan, Celeste Illazky, Chelsea Marreno Vidal, Christian Daniel, Cielo Donis, Claudia Estrada, Claudia Patricia Osorio, Corinne Toledano, Craftogato, Daniel David Moreno, Denisse Canel, Domingo, Elaine Lions, Elian Heredia, Elizabeth Díaz Basaldu, Elva de la Cruz Bonilla, Enrique Sandoval, Erick Rafael, Eusebio, Evelia Morales Cortés, Fátima Victoria, Fer Ramírez, Gabriel Corona, Gabriela Natera, Garry Musgrave, Geraldina Aguilar Fonseca, Gerardo Palomares, Gloria Ibarra, Gondie, Gui Slomovitz Kahan, Herminia Cruz Recinos, Ingrid Expósito, Irune Zarraluqui, Itzel Beltrán, Jade Cantú Gorra, Janet Garfias, Jeanine Gálvez Acosta, Josefina Bermúdez, José G. Ríos Córdoba, José Luis Zárate, Joseto Casiopeo, Kayra Arenas, Lila María Arras, Lili Sluvis, Lilian Azucena López Cáceres, Liliana Paganini, Lola Pelayo, Lorena Khelladi, Louis Cotto, Luis Rafael, Luz Aldape, Luz María Cejas Leyva, Manuel Sánchez, María Cornejo, María de Jesús Yolanda Trejo, Mari Menez, Mariana Hernández Jallil, Marisa Soto, Martha Baxin, Martha Patricia Martelly, Maritza González Cintrón, Maritsa Bonilla Rodríguez, Mayalen Zarraluqui, Mayra Ríos, Melina Ayala, Mercedes Name, Mike Farraige, Mildred Ortiz Oponte, Moisés Martínez, Natalia Nava, Norma Alicia Martin Gutiérrez, Nydia Rivera Contreras, Prisila Vidal Madariaga, Raúl Domínguez, Rich Arnauda, Rita Sánchez, Roberto Cortés Arellano, Rocío Alondra Romero, Rosa Aurora Nieto, Rosalía Aquino, Salud Camarillo Martínez, Samantha Albarrán, Sara Harari, Silveria González Padilla, Stephany Toxqui, Valentina Shirelle Sánchez Gálvez, Vanessa Pagan, Verouschka Feline Fauve, Virginia Osorio, Yanet Cuellar e Yeraldin Castaño.
La loro partecipazione congiunta trasforma Il Giardino degli Alebrijes in un mosaico di identità, dove ogni Opera è una voce che dialoga con le altre, formando un universo visivo che celebra la creatività, la diversità e il potere trasformativo dell’arte.
L’ITALIA COME PUNTO DI INCONTRO CULTURALE
L’arrivo della mostra a Roma simboleggia l’incontro tra due mondi: la tradizione artistica europea e l’energia creativa dell’America Latina. In questo contesto, il Museo Venanzo Crocetti diventa uno spazio di convergenza dove il pubblico italiano potrà scoprire la vitalità dell’arte messicana contemporanea e la sua capacità di ispirare, emozionare e trascendere.
Il percorso de Il Giardino degli Alebrijes in Italia non solo riafferma la posizione del collettivo 4xpresiones de México nel panorama culturale internazionale, ma segna anche un passo importante nel rafforzamento dei legami artistici tra Messico, Europa e America Latina. Più che una semplice esposizione, questo progetto è un ponte culturale che continua a crescere, portando lo spirito degli alebrijes —simbolo di immaginazione e speranza— verso nuovi orizzonti.
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Contatti: cristinalucidiart@gmail.com
Info: 339 3441472

Marmo
2025-11-06 18:00 - 2025-11-21 19:00
DIVES MARMORIBUS TELLUS
Da duemila anni a Carrara si estrae il marmo più pregiato al mondo. Ma è ancora sostenibile?
Fotografie di Alessandro Gandolfi
Dives marmoribus tellus, “terra ricca di marmi”. Quindici secoli fa il poeta Namaziano descriveva così le Alpi Apuane, cuore del miglior marmo al mondo. È l’oro bianco scolpito da Michelangelo e da Canova, la pietra lucente sulla quale i romani costruirono il loro impero. Perché il marmo di Carrara è il più puro, il più candido e il più pregiato di tutti: la punta di diamante di un mercato internazionale, quello lapideo, che vale 25 miliardi di euro. Carrara è un patrimonio culturale unico, uno scrigno di conoscenza e tradizione che la tecnologia nell’ultimo secolo ha modificato radicalmente. Oggi poco più di seicento cavatori (un tempo erano ventimila) estraggono da un centinaio di cave cinque milioni di tonnellate di marmo all’anno, parte dei quali vengono trasformati in polvere e venduti come carbonato di calcio per fare dentifrici, vernici, concimi, carta e molto altro. I critici come Legambiente ricordano che negli ultimi trent’anni si è estratto più marmo che negli ultimi duemila, e che “la tutela delle Alpi Apuane è seriamente minacciata dalla pressione antropica”. I ricchi imprenditori assicurano di operare nel rispetto della sostenibilità e investono su progetti sociali legati al territorio. Carrara ne ha bisogno: la capitale mondiale del marmo è (paradossalmente) una città sempre più povera, vuota e disoccupata.
Paesaggi Antropici -LAC Laboratorio di Creatività Contemporanea
Progetto a cura di Officine Fotografiche Roma
Con il sostegno del MIC

TAM TAM. Tempio, Azione, Movimento
2025-11-07 08:00 - 2025-12-08 17:00
Dal 7 novembre all’8 dicembre 2025, la Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea di Roma ospita TAM TAM. Tempio, Azione, Movimento, l’installazione firmata dallo studio Alvisi Kirimoto e realizzata con il supporto di COREPLA.
Presentata in anteprima al Fuorisalone 2025 di Milano, l’opera arriva nella Capitale trasformando il Cortile Centrale della Galleria in uno spazio aperto all’interazione, dove arte, design e architettura dialogano in un’esperienza condivisa e in continua trasformazione.
Un’opera che si muove con il pubblico
TAM TAM è composta da sei colonne bianche in plastica riciclata, che i visitatori possono muovere liberamente, modificando costantemente la configurazione dello spazio.Attraverso il gesto collettivo, l’installazione si anima, diventando un organismo vivo e mutevole che invita alla riflessione sul concetto di partecipazione, sostenibilità e comunità.
Il titolo dell’opera – Tempio, Azione, Movimento – sintetizza i tre elementi chiave del progetto: lo spazio come luogo simbolico di incontro (Tempio), la relazione fisica con il pubblico (Azione) e la trasformazione continua generata dal movimento (Movimento).
L’inaugurazione di TAM TAM coincide con la presentazione del numero speciale di Interni Magazine dedicato a Roma, intitolato “Roma, Eternal Change”.Il progetto editoriale riflette sull’identità cangiante della città e sul ruolo dell’arte e del design nel raccontarne le metamorfosi. In questo contesto, l’opera di Alvisi Kirimoto diventa metafora della vocazione internazionale e dinamica della Capitale, sempre più aperta alle contaminazioni creative e ai linguaggi contemporanei.
Informazioni
Titolo: TAM TAM. Tempio, Azione, MovimentoAutori: Alvisi KirimotoProduzione: COREPLASede: Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea, Cortile CentraleIndirizzo: Viale delle Belle Arti 131, RomaDate: 7 novembre – 8 dicembre 2025Ingresso: incluso nel biglietto della Galleria
Fotografie: Giuseppe Miotto / Marco Cappelletti – Courtesy of Alvisi Kirimoto

Mostra d'arte "Punti di vista" di Massimo Picchiami
2025-11-08 00:00 - 2025-11-17 00:00
La mostra riunisce sei artisti, accuratamente selezionati per la qualità del loro percorso e per la capacità di interpretare, ciascuno con un linguaggio personale, il tema centrale dell’esposizione: il volto.
Un soggetto universale, qui declinato in una pluralità di sguardi – femminili e maschili, italiani e stranieri, contemporanei e antichi – che riflettono sensibilità, epoche e tecniche differenti.
Ogni opera racconta un’identità e uno stile, in un dialogo equilibrato che valorizza la singolarità di ciascun artista senza oscurare gli altri. Il risultato è un percorso visivo coerente e coinvolgente, che invita lo spettatore a riflettere sulla molteplicità dello sguardo umano.

MOSTRA D'ARTE "PUNTI DI VISTA" di Massimo Picchiami
2025-11-08 00:00 - 2025-11-17 00:00
“Punti di vista”
Dall’8 al 17 novembre 2025 – The Forum, Piazza del Pigneto 8A, Roma
Ultimo appuntamento espositivo dell’anno per il gruppo di artisti curati da Massimo Picchiami, che presenta la collettiva “Punti di vista” negli spazi del The Forum, locale romano noto per l’attenzione costante verso l’arte contemporanea emergente.
La mostra riunisce sei artisti, accuratamente selezionati per la qualità del loro percorso e per la capacità di interpretare, ciascuno con un linguaggio personale, il tema centrale dell’esposizione: il volto.
Un soggetto universale, qui declinato in una pluralità di sguardi – femminili e maschili, italiani e stranieri, contemporanei e antichi – che riflettono sensibilità, epoche e tecniche differenti.
Ogni opera racconta un’identità e uno stile, in un dialogo equilibrato che valorizza la singolarità di ciascun artista senza oscurare gli altri. Il risultato è un percorso visivo coerente e coinvolgente, che invita lo spettatore a riflettere sulla molteplicità dello sguardo umano.
La mostra sarà aperta al pubblico dall’8 al 17 novembre 2025 presso The Forum, in Piazza del Pigneto 8A, Roma.

Geography of scrips
2025-11-08 18:00 - 2025-12-24 19:00
Geography of scrips
a cura e con un testo di Edoardo Marcenaro
Artisti: Alex Senna, Lula Goce, Iena Cruz, Laika, Marco Rèa, Jana & Js, Rnst,  Koz Dos, Daniele Tozzi, Pixel Pancho, Tabby, Vera Bugatti, Samina
Opening sabato 8 novembre 2025 ore 18.00
Rosso20sette arte contemporanea
Via del Sudario 39 – Roma
Fino al 24 dicembre 2025
Sabato 8 novembre 2025 alle ore 18.00, Rosso20sette arte contemporanea presenta Geography of scrips, a cura e con un testo di Edoardo Marcenaro. In mostra le opere di Alex Senna, Lula Goce, Iena Cruz, Laika, Marco Rèa, Jana & Js, Rnst, Koz Dos, Daniele Tozzi, Pixel Pancho, Tabby, Vera Bugatti, Samina: quattordici street artist raccontano l’odierno scenario internazionale, dalla situazione finanziaria a quella geopolitica, attraverso una serie di opere su scrip e carte geografiche.
Come scrive il curatore Edoardo Marcenaro: « Laika denuncia la speculazione dei grandi azionisti a danno dei piccoli investitori, ci ricorda che il capitalismo per sopravvivere ha bisogno della guerra e fa sciogliere i ghiacci sulla mappa degli Stati Uniti, il cui Presidente si mangia in un boccone la Groenlandia. Per Daniele Tozzi “i titoli bancari, certificati di possesso di azioni bancarie diventano il supporto delle azioni che compiamo tutti i giorni, azioni lodevoli e giuste contrapposte alle azioni bancarie simbolo del capitalismo sfrenato”. Marco Rea interpreta il pensiero di un immigrato in mezzo al mare, in quel momento fonte di un grande pericolo ma al contempo di una grande speranza. Vera Bugatti realizza un’opera sulla mappa e tre sui certificati azionari, ispirate alle parole che trova sui vari scrip per giocare sul parallelismo tra l’azione – titolo di credito e l’ azione – atto umano. Samina ci presenta la sua opera laddove lo scrip – un tempo segni di potere economico – grazie all’intervento dell’artista con collage e stencil diventa uno strumento per mettere in discussione l’idea di tempo, valore e verità, per rappresentare cosa scompare e cosa resiste con lo scorrere del tempo. I lavori di KOZ DOS cercano di esprimere la preoccupazione di come il commercio e il denaro ci hanno portato a essere dipendenti da cose futili e sempre più effimere e veloci, senza considerare il danno che stiamo arrecando a noi stessi, al nostro ambiente, ai nostri animali, alla nostra madre terra. Iena Cruz richiama quanto riportavano le prime banconote americane, un invito al rispetto, non all’indifferenza che oggi ritorna come monito tra confini, filo spinato e silenzi spezzati. rsnt sottolinea come i suoi stencil sullo scrip “restituiscono al pezzo di carta straccia la sua nobiltà essendo diventata opera d’arte e in quanto tale eterna”. Alex Senna porta su scrip e carta geografica la sua “linea essenziale e la sua sensibilità emotiva, tradotte in sempre nuove forme e contesti, confermando la forza narrativa e universale della sua poetica”. La sensazione di nostalgia e melancolia contraddistingue l’opera del duo Jana & JS ispirata dalla realtà urbana e dalle persone che ci vivono, con una serie di ritratti che si fondono con il dettaglio di architettura mettendo in discussione il posto dell’essere umano nelle città moderne. E Lula Goce con i suoi stencil rinnova il suo invito a guardarsi sempre intorno negli spazi urbani del proprio quartiere, dove lei potrebbe avere dipinto un muro che lascerà un segno indelebile nello spazio e nella mente di tutti noi. Tabby riproduce sugli scrip alcuni dei suoi murales realizzati in giro per il mondo per denunciare lo strapotere economico. E infine Pixel Pancho utilizza la denominazione sociale che trova sugli scrip per trasformarla in parole evocative come “slavery” o “raper”, con tanto di catene dorate che circondano robot fatti di monete.
Dalle bitcoin alle stablecoin, nuovo strumento finanziario emesso dal Governo degli Stati Uniti per sanare il debito americano. Ma il modello globale, almeno per il momento, resta quello della c.d. VUCA economy, caratterizzata da Vulnerability, Uncertainty, Complexity, Ambiguity, di cui gli scrip sono stati vittima sacrificale, riscattata dalla mostra di Rosso20Sette Arte Contemporanea “Geography of Scrips” dove la street art diventa scrip art».

Non esiste domani di Stefano Mezzaroma alla Rinascente Roma
2025-11-11 08:00 - 2025-11-23 17:00
Fino al 23 novembre 2025, la Rinascente di Roma in via del Tritone ospita le opere di Stefano Mezzaroma, artista romano che reinterpreta la pop art in chiave contemporanea, con uno stile unico e immediatamente riconoscibile.
La sua ricerca si concentra sul documentare i cambiamenti di valori nella società dei consumi, proponendo narrazioni contro il mainstream e lo status quo. Attraverso colori logori e consumati dal tempo, Mezzaroma mette in scena il clima esistenzialista della società 2.0, trasformando marchi e icone popolari in strumenti di riflessione critica.
A metà tra celebrazione e parodia, le opere, realizzate con vernici spray e inchiostri su carta Fabriano, offrono uno sguardo malinconico su un’epoca “d’oro” ormai superata. Lo sguardo dell’artista diventa protagonista delle composizioni più del soggetto raffigurato, raccontando con ironia e provocazione la sensazione di sentirsi soli in un tempo che non riconosce.
Mezzaroma spiega: “Vorrei che l’opera superasse il tempo e continuasse a interpretare il contesto storico in cui è nata. L’unione di brand e immagini non promuove qualcosa, ma esprime il mio sentimento verso l’opera stessa.”
Nove composizioni saranno esposte al piano -1 della Rinascente, tra cui:

Rocky (1976), ritratto in un momento intimo e innocente, lontano dalla gloria del ring.

Superman, raffigurato con buste della spesa o in autostop, lontano dall’eroe patinato di un mondo ideale.

“DO IT.”, che chiude il percorso con Forrest Gump seduto su una panchina, rivolto verso il pubblico: un invito a riconoscersi nelle fragilità e nelle insicurezze dell’eroe quotidiano.

La mostra si conclude con un messaggio di speranza: ognuno può cambiare il corso della propria vita, anche nei giorni difficili.
L’iniziativa è sostenuta da Rinascente Roma via del Tritone, diretta da Attila Martinelli, e dal partner Università eCampus di Roma, rappresentata da Rita Neri.
Sede:La Rinascente – Via del Tritone, 61, 00187 Roma RM – Piano -1
Date e orari:3-23 Novembre 2025, 10:00-21:00 – Ingresso libero

Peter Flaccus. September Song
2025-11-13 18:00 - 2026-01-10 19:00
Maja Arte Contemporanea è lieta di presentare, da giovedì 13 novembre 2025 a sabato 10 gennaio 2026, “September Song”, terza personale in galleria dell’artista Peter Flaccus, con testo critico di Marco Di Capua.
La mostra prende il titolo dall’ultima opera che Flaccus ha portato a compimento nel settembre 2025 e che viene ora presentata per la prima volta al pubblico: un dittico di grande intensità cromatica, «di un giallo saturo attraversato da ramificazioni verdi e punteggiato da segni», che – come osserva Di Capua – «sembra voler parlare in una lingua magica ormai perduta, nel suo splendore muto».
Per Flaccus, la pittura è un organismo vivente. «A mio avviso, un dipinto è una sorta di fenomeno naturale, come un albero, che non ha bisogno di una teoria per alzarsi in piedi e sventolare i suoi rami al vento», afferma l’artista. In questa immagine si condensa la sua visione: il quadro cresce, respira, si nutre di materia (la cera), di luce e di tempo, trasformando il gesto pittorico in un processo vitale.
Realizzati a encausto – tecnica antichissima che mescola pigmenti e cera fusa – i lavori in mostra emanano un senso di equilibrio organico fra materia e luce. Ogni superficie vibra tra trasparenza e opacità, trattenendo l’energia del gesto e restituendola come respiro. Il colore, stratificato e inciso, si fa sostanza viva, attraversata da movimenti lenti, da tensioni e rilasci che evocano fenomeni naturali: flussi d’acqua, correnti d’aria, metamorfosi vegetali o cosmiche.
Scrive Di Capua: «[…] è come se questi quadri respirino. Nella dinamica di uno stile che si alleggerisce, questi non si mostrano più soltanto come insiemi formali, ma come accadimenti». Una pittura, dunque, che non rappresenta ma accade, in cui ogni opera conserva, in trasparenza, la memoria del proprio divenire.
Come una nota che si affievolisce, “September Song” lascia nello sguardo la traccia di un tempo interiore, un’eco di colore che sembra continuare oltre la superficie del quadro.
NOTE BIOGRAFICHE
Peter Flaccus nasce nel 1947 a Missoula, nello stato del Montana (USA). Dopo la laurea all’Amherst College, la frequentazione della Skowhegan School of Painting and Sculpture e il Master of Fine Arts presso l’Indiana University, negli anni Settanta si trasferisce a New York, dove espone in numerose gallerie (Zabriskie Gallery, Monique Knowlton Gallery, etc).
Vince varie borse di studio, tra cui la New York Foundation for the Arts, ed è invitato varie volte a lavorare nelle Residenze per Artisti, come la Yaddo Residency (New York) e la MacDowell Colony (New Hampshire).
Nel 1989 cura la mostra “Belief in Paint” al Museo del Bennington College, nel Vermont.
Trasferitosi a Roma all’inizio degli anni Novanta, Peter Flaccus si dedica prevalentemente alla tecnica dell’encausto, di cui è riconosciuto come uno dei maggiori esponenti.
È Professor Emeritus in Studio Art presso la John Cabot University di Roma.
Hanno scritto del suo lavoro: Alberto Abbruzzese, Brunella Antomarini, Marcello Barison, Carlo Alberto Bucci, Maria Ida Gaeta, Grace Glueck, Donald Kuspit, Tanja Lelgemann, Rosa Pierno, Jacqueline Risset, Annemarie Sauzeau, Gabriele Simongini, Alan Singer, Susan Stewart, Stephen Westfall, e molti altri.
Mostre personali
2023: “The Painting is a Place”, Palazzo Merulana, Roma; “Oasis”, Gallerie Riunite, Napoli.
2022: “The Flat Earth”, Maja Arte Contemporanea, Roma.
2021: “Combustions à froid”, Galerie L&C Tirelli, Vevey, Svizzera.
2019: “Inclusions”, Maja Arte Contemporanea, Roma.
2018: “Mondi. Peter Flaccus e Luca Padroni”, Intragallery, Napoli.
2017: “Light up paradise”, Art51 – Nizza Paradise, Lugano.
2015: “Peter Flaccus”, a cura di Tanja Lelgeman, Palazzo Cerio – Galleria Laetitia Cerio, Capri / Intragallery, Napoli.
2014: “Ritorno a Napoli”, a cura di Tanja Lelgeman, Intragallery, Napoli; “Peter Flaccus – Matteo Montani”, Otto Gallery, Bologna; “Peter Flaccus – Giuseppe Amalfi”, a cura di Serafino Amato, Galleria Monty&Co, Roma.
2013-’14: “Peter Flaccus: La terra cambia”, a cura di Cristian Stanescu, Galleria La Nube di Oort, Roma.
2009: Ninni Esposito Arte Contemporanea, Bari; “Peter Flaccus – Gilles Gally”, Galerie L’Agart, Amilly, Francia; “Milo De Angelis – Peter Flaccus. Opere inedite”, a cura di Maria Ida Gaeta, Casa delle Letterature, Roma.
2007: “Peter Flaccus al Frantoio di Capalbio”, Il Frantoio di Capalbio, Capalbio.
2005: “Enkaustik Bilder: Peter Flaccus und sein malerisches Werk”, a cura di Dorothee Plancherel, Stiftung Müllerhaus, Lenzburg, Svizzera.
2004: “Peter Flaccus: Encaustic Paintings”, Zabriskie Gallery, New York; “Punto di fusione”, a cura di Francesco Moschini e Gabriel Vaduva, Galleria A.A.M., Roma; Ninni Esposito Arte Contemporanea, Bari.
2002: Ninni Esposito Arte Contemporanea, Bari; Malans Teppich Fabrik, Malans, Svizzera.
2000: Ninni Esposito Arte Contemporanea, Bari.
1999: “Peter Flaccus – L’encausto”, Galleria Marcello Rumma, Roma; Monique Knowlton Gallery, New York.
1997: Galleria della Associazione Culturale Italo-Francese, Bologna.
1985: Monique Knowlton Gallery, New York; Traver Sutton Gallery, Seattle.
1979: Zabriskie Gallery, New York.
1977: Connecticut College, New London, Connecticut, USA; Zabriskie Gallery, New York.
ORARI MOSTRA
Martedì-Venerdì ore 15.30-19.30. Sabato ore 11-13 e 15-19
Altri orari su appuntamento

CINEFRAMED La Mostra
2025-11-14 00:00 - 2025-12-14 00:00
CINEFRAMED @TWM Factory – Roma Smistamento
Un progetto FIC – Federazione Italiana Cineforum, in collaborazione con TWM Factory; Special thanks: Studio Suq, PAPER Market Fair
Dal 14 novembre al 14 dicembre 2025, Roma Smistamento ospita per la prima volta CINEFRAMED, la mostra dedicata alle più iconiche copertine di Cineforum Rivista — 16 soggetti incorniciati che raccontano oltre sessant’anni di storia editoriale e cinematografica italiana. Un percorso visivo e d’archivio per riscoprire non solo l’evoluzione grafica e stilistica della rivista, ma anche la memoria collettiva di un immaginario cinematografico che ha segnato generazioni di spettatori. Fondata nel 1961, Cineforum Rivista è considerata tuttora una delle voci più autorevoli nella critica e nella cultura cinematografica di respiro internazionale.
La mostra
Cineframed ripercorre la storia di Cineforum Rivista dal 1961 al 2020 attraverso una selezione delle copertine più rappresentative della Serie Collezione: 16 soggetti suddivisi in quattro sezioni tematiche:
Icons – Volti e corpi diventati simbolo dell’immaginario cinematografico, da Gong Li a Isabella Rossellini.
Nani Tedeschi – Le celebri illustrazioni realizzate dall’artista emiliano tra il 1976 e il 1980, vere e proprie opere grafiche.
Milestones #1 – Irripetibili – Cover storiche in bianco e nero e a colori che raccontano il cinema classico e gli anni ’60.
Milestones #2 – Big – Ritratti di autori, attrici e film che hanno fatto la storia, da John Ford a Tarantino.
Le copertine esposte testimoniano i mutamenti nel linguaggio grafico, nei formati e nel gusto estetico, ma soprattutto raccontano la storia del cinema attraverso immagini destinate a rimanere nell’immaginario visivo di chi ama la settima arte. In mostra anche preziosi oggetti d’archivio della Federazione Italiana Cineforum, che per la prima volta apre al pubblico parte del suo ricchissimo archivio storico, rendendo visibile un patrimonio editoriale e culturale unico nel panorama italiano. Ad accompagnare la mostra, anche un percorso per immagini con un montaggio di alcuni frame tratti dai film più iconici raccontati sulle pagine della rivista, a testimoniare come grafica e cinema abbiano sempre dialogato in modo vivo e diretto.
Per tutta la durata della mostra sarà possibile acquistare presso il bookshop di Roma Smistamento i soggetti Cineframed (riproduzioni a stampa fine art con passepartout a folder), i numeri collezione della rivista e ospiterà anche un allestimento dedicato alla Nuova Serie della rivista — pubblicazione trimestrale rinata nel 2020 con una veste grafica completamente rinnovata a cura di Studio Suq.
Durante l’opening del 14 novembre, Federico Pedroni (redattore di Cineforum Rivista) e Matteo Mori (membro del direttivo FIC) racconteranno la storia della rivista, dal suo ruolo pionieristico come strumento per i circoli FIC all’attuale rilancio. A seguire, un DJ set a cura di Flavio Nuccitelli.
Eventi speciali
Opening Event | Venerdì 14 novembre, ore 18.00–22.00
Ore 19.00: talk con Federico Pedroni (Cineforum Rivista) — modera Matteo Mori (FIC)
Ore 20.00: DJ-set a cura di Flavio Nuccitelli (DJ, sceneggiatore, scrittore)
Closing Event | Domenica 14 dicembre, ore 10.00–13.00
Framing Cineforum: grafica per il cinema
Workshop a cura di Luigi Stanga (Studio Suq, Brescia / Torino) — durata 3 ore
L’evento si svolge nell’ambito di Pacchi Tuoi, il mercatino di Natale by Paper Market Fair, la fiera di grafica e piccola editoria di Roma.
Ingresso su prenotazione – Fee 40 € / ridotto 30 € (studenti e iscritti FIC)
Dove e quando
TWM Factory – Roma Smistamento
Via Arimondi 3, Roma
14 novembre – 14 dicembre 2025
Visitabile Lunedì, Mercoledì, Venerdì dalle 11.00 alle 18.00 + su prenotazione nel weekend
Ingresso libero
Prenotazioni: https://spazio-smistamento.twmfactory.it/evento/cineframed-la-mostra/

Seduzioni la mostra di Andrea Borga a Palazzo Colonna, il dialogo tra sculture e 13 Maison di moda
2025-11-14 11:00 - 2025-11-16 19:00
Dal 14 al 16 novembre 2025 la settecentesca Coffee House di Palazzo Colonna accoglie la mostra “Seduzioni, quando il metallo diventa desiderio” di Andrea Borga. In dialogo con le sculture di metallo dell’artista trentino ci saranno tredici nomi della moda italiana: Fondazione Roberto Capucci, con una creazione che fa parte dell’Archivio Roberto Capucci, Alessandro Angelozzi, Chiara Boni, Vittorio Camaiani, Franco Ciambella, Raffaella Curiel, Anton Giulio Grande, LodenTal, Sartoria Litrico, Luluredgrove, Gianni Molaro, Morfosis, Jamal Taslaq. Gli stilisti saranno in mostra con un abito ispirato al tema della seduzione delle sculture di Borga. Sui due livelli della nobiliare struttura sarà possibile ammirare ventidue opere di Andrea Borga, un percorso narrativo di vari anni di lavoro. L’esposizione, ad accesso libero e gratuito dalle ore 11,00 alle 19,00 è curata da Elena Parmegiani, Direttore Eventi della Coffee House e Galleria del Cardinale Colonna di Palazzo Colonna e giornalista di moda e costume. La Principessa Jeanne Colonna è la madrina dell’iniziativa di arte e moda. Dal 2024 Borga è il primo artista contemporaneo che è entrato a far parte della collezione privata di Palazzo Colonna con la scultura in metallo “Royal Rooster”. La mostra è accompagnata da un catalogo la cui critica delle opere d’arte è a cura di Vittorio Maria de Bonis, e la critica di moda è a cura di Patrizia Vacalebri, giornalista di moda dell’Agenzia Ansa, con la prefazione di Elena Parmegiani.
“Ho conosciuto i Principi Prospero e Jeanne Colonna in occasione di una mia mostra personale in Trentino, nel mio paese natale, da lì è nata un’amicizia e stima ed ho accolto con entusiasmo il loro invito ad esporre le mie creazioni a Palazzo Colonna, è la mia prima esposizione a Roma. Dopo questa mostra personale tornerò nuovamente ad esporre in America dove sono già stato presente nel Chelsea Arts District di New York durante l’Art Week, poi sarà la volta di San Francisco, Miami, e da quest’anno Singapore.”, dichiara Andrea Borga.
Le sculture di Borga sono principalmente realizzate in ferro, acciaio inossidabile, acciaio corten e ottone, combinando materiali come legno, pietra e cemento. La finitura delle sue opere avviene attraverso processi fisici o chimici, senza l’utilizzo di vernici, affinché della materia stessa ne rimanga l’integrità estetica. I temi principali da lui trattati trovano ispirazione dalla natura – la vegetazione in primis – e un suo intimo studio della forma umana femminile, un tema oggi molto caro all’artista.
Con “Seduzioni”, Andrea Borga trasforma la solidità del metallo in emozione pura, in un dialogo tra arte e moda che celebra il desiderio come forza creativa e universale.
Abiti in mostra:
Fondazione Roberto Capucci abito in due pezzi di taffetas in seta plissettato
Alessandro Angelozzi abito rosso fuoco in mikado, scultoreo, collezione Love a Vampire
Chiara Boni abito realizzato nel tessuto iconico della designer, placcato e ricamato in argento scuro
Vittorio Camaiani abito della collezione “Magico Labirinto, perdersi, ritrovarsi” del 2014 indossato per l’ultimo red carpet della Festa del Cinema di Roma da Marina Ripa di Meana
Franco Ciambella abito collezione “Venus closet”, Venere imperiale del 2024 in crepe rossa e ricamo filo oro su base di tulle presentato a Piazza del Campidoglio nel 2024
Raffaella Curiel abito realizzato da un disegno di Gigliola Curiel negli Anni Cinquanta e rielaborato da Raffaella Curiel nel 2015 per AltaRoma
Anton Giulio Grande abito della collezione Frida presentato a Lineapelle durante la Milano Fashion Week 2025, omaggio a Frida Kahlo, iper ricamato con perle, swarovski e jais
LodenTal creazione che omaggia le antiche amazzoni, dall’eleganza regale, per un femminile che non teme la forza, ma la indossa con grazia
Sartoria Litrico abito con mantella realizzata con un’antica seta imperiale giapponese, con pantalone in velluto di raso liscio, gilet doppio petto in velluto raso di seta, camicia e cravatta
Luluredgrove abito della collezione Fall/Winter 2026 Heritage Collection in seta satin ricamato con perle
Gianni Molaro abito scultura, dipinto a mano ispirato a Salvador Dalì e realizzato con tessuto di fibra in metallo, presentato ad AltaRoma nel 2000
Morfosis abito in nero profondo con riflessi argentei, bustier, costruito con anelli di tessuto di diverse dimensioni, realizzato in chiffon di seta
Jamal Taslaq abito “Sensualità d’amore”, collezione “Occirentale” 2025, omaggio alla cultura Occidentale e Orientale, creazione manifesto che mescola il design italiano alla calligrafia araba
In occasione della mostra di Andrea Borga, venerdì 14 novembre alle ore 18,30 si terrà la presentazione del libro di Chiara Boni “Io che nasco immaginaria” edito da Baldini+Castoldi e sabato 15 novembre alle ore 18,30 ci sarà il petit defilè di Vittorio Camaiani con la presentazione della collezione Fall/Winter 25-26, collezione “La mia strada”. Entrambi gli eventi saranno presentati da Elena Parmegiani.
Nota biografica Andrea Borga
Andrea Borga (Trento, 1985) vive e lavora a Coredo di Predaia, piccola località turistica tra le Dolomiti del nord Italia. Si avvicina ai metalli giovanissimo, quando appena diciassettenne entra come apprendista nel laboratorio di un fabbro del suo paese natale. Affina negli anni le abilità artistiche sperimentando autonomamente varie tecniche di lavorazione del metallo, che mette in pratica confrontandosi con diverse realtà artigianali del posto. L’esperienza e le conoscenze apprese si concretizzano in manufatti di alto artigianato che lo portano a lavorare sia in Italia che all’estero.
Da diverso tempo porta avanti una sua personale ricerca nei confronti del metallo che applica in modo particolare alla scultura.
Nel 2023 collabora alla mostra collettiva “Echi. La montagna tra fotografia e pittura” allestita nelle sale del Palazzo della Regione di Trento. Nell’estate dello stesso anno inaugura la sua prima mostra personale a Coredo di Predaia. Le sue opere sono presenti a Paratissima (Torino) e BAF – Bergamo Arte Fiera. Una sua opera “Royal Rooster” fa parte della prestigiosa collezione privata di Palazzo Colonna a Roma. Nel 2024 la Regione Trentino Alto-Adige gli dedica una mostra personale a Palazzo della Regione di Trento. Negli ultimi anni le sue opere sono state esposte oltreoceano, partecipando ad importanti eventi d’arte contemporanea, tra i quali: Miami Art Week (2024), Hamptons Art Fair (New York, 2024), Clio Art Fair (New York Art week 2024 e 2025), San Francisco Art Fair (2025), Affordable Art Fair Singapore (2025).
Informazioni mostra
Coffee House, Palazzo Colonna, Piazza SS. Apostoli, 67, Roma
Venerdì 14, sabato 15 e domenica 16 novembre ore 11,00-19.00
Ingresso libero senza prenotazione
Contatti: elenaparmegiani@coffeehousecolonna.it
Partner dell’iniziativa: All Com allestimenti audio/video, Vignuolo, Otri del Salento, Sebastiano Spagnoletti Zeuli, Antonio Giaimis, Michele Crocitto

Lasciami Cadere
2025-11-14 18:00 - 2026-01-24 19:30
Lasciami cadere è un progetto di Daniele Spanò (Roma 1979) che indaga l’ambiguità delle immagini nell’epoca dell’ipertrofia digitale. Il progetto raccoglie ricerche e suggestioni degli ultimi due anni, focalizzandosi sull’immagine della caduta e sulla conseguente ricerca di fragili equilibri. L’artista mette in scena un percorso multimediale fatto di installazioni precarie: schermi, sculture e altri sistemi
effimeri si mostrano allo spettatore nella propria vulnerabilità, celando, come nel caso dei dispositivi emanatori di immagini, il loro contenuto principale. Le immagini non più visibili allo sguardo si tramutano in tracce luminose; sono – nelle parole dell’artista – “fantasmi che stentano a svelarsi, luci emanate da un corpo che non possiamo vedere”. Qui lo spettatore, privato della possibilità di riconoscere il contenuto della trasmissione, è costretto a fare affidamento su qualcosa che non conosce e non può esperire. Tale circostanza non differisce molto dal rapporto che intratteniamo quotidianamente con le immagini mediali: anche laddove i contenuti si mostrano nella loro apparente oggettività, siamo chiamati a interrogarci sulla loro veridicità e sugli effetti che la loro diffusione provoca su di noi. Le immagini odierne sono infatti spesso definite “operazionali”, contenuti concepiti da macchine per altre macchine, e come tali manipolabili tanto nei fatti quanto nelle intenzioni. La realtà diviene dunque un dispositivo instabile così come appaiono le delicate installazioni di Spanò. L’artista invoca l’azione della caduta come tentativo ultimo di sottrarsi alle complesse condizioni in cui versano le odierne narrazioni. Lasciami cadere è un invito a far cadere il velo delle certezze surrogate e a muoverci come funamboli tra gli intricati strati del reale.

UnderGRAund II. Inaugurazione mostra fotografica collettiva
2025-11-15 19:00 - 2025-11-27 21:00
WSP Photography, è lieta di presentare “UnderGRAund II” la mostra fotografica collettiva che inaugurerà sabato 15 novembre alle ore 19 presso la nostra sede in Via Costanzo Cloro 58, Roma.
La mostra fotografica “UnderGRAund II” è il risultato finale della edizione 2025 dell’omonimo laboratorio a cura di Daniela Silvestri e Massimiliano Tempesta che ha stimolato i partecipanti ad indagare il paesaggio urbano “modificato” lungo le Grandi Strade che attraversano città, paesi e Regioni.
Le fotografie spaziano dal paesaggio urbanizzato di un’autostrada olandese che ricorda Mondrian più che Van Gogh alle atmosfere rarefatte lungo il Naviglio grande; dalle tante sfaccettature delle grandi vie d’accesso di una Milano non solo da bere alla stratificazione del paesaggio lungo una piccola porzione di strada del territorio valdostano che attraversa il capoluogo. Per arrivare infine a Roma e ai non luoghi che affollano una realtà metropolitana caotica come quella a ridosso del Grande Raccordo Anulare di Roma: dalle forme e i colori che ridisegnano le periferie, con quartieri più simili a set cinematografici che posti da abitare, fino all’onnipresente e a volte ingrato verde urbano, che lotta per riconquistare i suoi spazi.
Ciascun partecipante ha intrapreso un piccolo viaggio individuale alla (ri)scoperta di strade e luoghi a volte ostili a volte più familiari, per concedersi, attraverso il mezzo fotografico, il lusso di poter provare a scorgere l’inaspettato nel più banale (e trafficato) dei paesaggi quotidiani.
Gli autori e autrici delle fotografie esposte sono: Gianluca Angeletti, Elena Calonego, Alessandra Cancedda, Maria Castronuovo, Corrado Karuc, Ilaria Palatta, Alessandro Pintucci, Mauro Scarfone e Franco Zanin.
L’evento è gratuito e aperto a tutti.
La mostra sarà esposta fino al 27 novembre 2025 e visitabile dal lunedì al giovedì dalle 18 alle 19.
Per maggiori informazioni
www.collettivowsp.org – info@collettivowsp.org – tel. 371 6900192

Traces of the Invisible
2025-11-20 17:30 - 2025-11-26 19:30
Verrà inaugurata giovedì 20 novembre alle ore 17:30 la mostra personale di pittura dell’artista Nada Kelemen “Traces of the Invisible” presso Borgo Pio Art Gallery in via degli Ombrellari 2 a Roma con performance musicale di Siryo Black. L’evento è curato dal critico d’arte Monica Ferrarini.
“ .. Nel lavoro di Nada Kelemen il quadro si trasforma in uno spazio visivo vibrante, esso non è mai semplice superficie ma un campo energetico in cui le cromie si dilatano, si stratificano e si accendono in una dinamica che richiama forze naturali e movimenti interiori. Le forme astratte evocano stati dell’essere, emozioni primarie, tensioni cosmiche e spirituali. È una pittura che rivela verità nascoste legate ad una profonda spiritualità e soprattutto all’animo nobile, raffinato e sensibile di un’artista che sa analizzare nel profondo, scavando la superfice. La sua cifra stilistica rimanda alla tradizione espressionista ma è prettamente personale e contemporanea. Il gesto pittorico è libero e vibrante ed ogni sovrapposizione materica sembra nascere da una intenzione profonda. La tela si fa spazio visivo aperto, all’interno del quale l’occhio dello spettatore può perdersi, ritrovarsi, lasciarsi trasportare: Nada Kelemen è capace di guidarci verso una contemplazione esteriore ed interiore del creato nell’infinita spettacolarità del suo essere. La forza espressiva dell’uso della tavolozza emerge sospinta da segni appassionati dai quali prorompe una struttura compositiva viva che non rimane fine a sé stessa o chiusa nella propria veemenza estetica ma è portavoce di un messaggio e/ o di un sentimento e racchiude un contenuto. La dimensione meditativa ci avvicina e ci mette in contatto sia con la dimensione sottesa e nascosta del mondo naturale sia con la nostra intimità. Ogni dipinto trasuda spiritualità e svela i segreti della Natura così come quelli dell’animo umano. La materia diventa forma astratta, vivida nel brillare delle cromie intense…”
Dal 18 al 26 novembre 2025
Orari mostra: lunedì:15-20 / dal martedì al sabato 11-14; 15-19:30 / domenica: 11-14

Mostra d'arte "La materia dei sogni" di Giuseppe Mastro Battista
2025-11-21 00:00 - 2025-11-28 00:00
Si espone al locale The Forum una mostra d’arte intitolata ” La materia dei sogni” di Giuseppe Mastro Battista dal 21/11/2025 al 28/11/2025.

Transfer - An A-Wibaa performance
2025-11-23 17:30 - 19:00
ROMA ARTE IN NUVOLA 2025 – ROMA
Performance “TRANSFER” di A-Wibaa
Domenica 23 novembre, ore 17.30
Craving Art – Art Gallery – Secondo Piano, stand n. E 43
TRANSFER, un gesto silenzioso di connessione, in cui A-Wibaa porta l’arte fuori dall’oggetto e dentro la relazione.
In un contesto come quello di Arte in Nuvola, dove l’opera d’arte è spesso percepita come oggetto, prodotto, esito finale, A-Wibaa decide di invertire la logica abituale e riportare l’attenzione sulla dimensione originaria dell’arte: la presenza, il contatto umano, la trasformazione interiore. TRANSFER non mette in scena un gesto, ma una condizione: quella dell’artista che si offre come punto di risonanza tra sé e l’altro, tra ciò che siamo disposti a vedere e ciò che siamo pronti a riconoscere.
La performance introduce nel flusso ordinato della fiera una frattura poetica, una soglia di silenzio dentro cui lo spettatore è invitato a percepire l’arte non come distanza, ma come esperienza che si trasmette. A-Wibaa diventa così un catalizzatore emotivo: non espone un’opera, ma espone la possibilità della relazione, il momento fragile in cui un’identità incontra un’altra identità e lascia che accada qualcosa.
TRANSFER invita a interrogarsi su cosa significhi davvero partecipare all’arte: non osservare, non interpretare, ma lasciarsi attraversare. Non si tratta di una forma di spettacolo, né di un gesto dimostrativo, ma di un processo interiore che accade nello spazio condiviso tra l’artista e il pubblico. In questo senso, la performance trasforma la fiera in un territorio psicologico: un luogo in cui i confini tra chi crea e chi guarda non sono più barriere, ma membrane permeabili attraverso cui un significato può fluire, trasformarsi, essere trasferito.
La realizzazione di TRANSFER è resa possibile grazie al supporto di Craving Art – Art Gallery, la cui missione, centrata sulla valorizzazione dell’esperienza, della ricerca umana e del dialogo autentico, trova in questa performance una piena continuità e un naturale prolungamento del proprio sguardo curatoriale.
Scheda artista – A-Wibaa
A-Wibaa è un artista contemporaneo la cui ricerca si concentra sui temi dell’identità, dell’introspezione e della trasformazione personale. Attraverso pittura, installazioni e pratiche performative, esplora il rapporto tra interiorità e mondo esterno, lavorando sulla soglia tra ciò che si rivela e ciò che resta invisibile. La sua poetica si fonda sull’idea che l’arte non sia un oggetto, ma un processo che coinvolge corpo, percezione e relazione. Le sue opere e performance sono state presentate in mostre e fiere nazionali e internazionali.
Craving Art – Art Gallery è una galleria con sede a Roma diretta da Alessia Dei, dedicata alla promozione di artisti contemporanei e di pratiche sperimentali che mettono al centro il dialogo, la ricerca interiore e l’esperienza. La galleria sostiene progetti multidisciplinari, performance e interventi site-specific, valorizzando visioni artistiche capaci di connettere pubblico e opera in modo autentico e immediato. La partecipazione ad Arte in Nuvola 2025 conferma l’impegno di Craving Art – Art Gallery nel presentare un’arte viva, capace di interrogare e trasformare.

Feel Rouge
2025-11-25 18:00 - 2025-12-04 15:00
Feel Rouge di Gemma R. Gonçalves da Silva a cura di Simona Micheli
Martedì 25 novembre 2025 alle ore 18.00 presso AgorArt Clivo Rutario 53 Roma
In occasione della Giornata Internazionale contro la Violenza sulle Donne, martedì 25 novembre 2025 ore 18.00, lo spazio espositivo AgorArt in Clivo Rutario 53 in Roma, ospiterà l’inaugurazione della mostra fotografica personale “Feel Rouge” dell’artista Gemma R. Gonçalves da Silva, curata da Simona Micheli direttrice creativa di FramLab.
La mostra, che durerà fino al 4 dicembre, fa parte delle iniziative ed eventi all’interno del Festival Eredità delle Donne ideato da Serena Dandini, che si svolgerà dal 21 al 25 novembre 2025.
Il festival è dedicato all’empowerment femminile che vuole raccontare la contemporaneità attraverso le sue protagoniste, per riscoprire il ruolo che le donne hanno avuto e continuano ad avere nei diversi campi del sapere e della società, e contribuire così al progresso e all’eredità che lasceremo alle generazioni future. Feel Rouge è una serie fotografica intensa e simbolica che mette in scena la tensione invisibile ma costante tra costrizione e connessione, tra prigionia e possibilità di liberazione. Protagoniste degli scatti sono donne di età e provenienze diverse, ritratte mentre interagiscono con corde rosse: segni tangibili di costrizione e silenzi imposti, ma anche fili che legano esperienze differenti in una rete di forza condivisa. Le corde escono dai fotogrammi per invadere lo spazio espositivo, trasformando l’allestimento in un intreccio fisico e metaforico che racconta la resistenza e la possibilità di riscatto. Ogni ritratto esplora una relazione diversa con la corda — chi la subisce, chi tenta di scioglierla, chi la trasforma — restituendo la complessità della resilienza femminile. La rete che si crea può imprigionare, ma se reinterpretata diventa alleanza, ascolto, presenza. Durante la mostra, le corde reali si estendono dalle immagini alle pareti e al soffitto, creando un ambiente immersivo che avvolge il pubblico in una rete visibile di connessioni, memorie e solidarietà. Feel Rouge è un invito a riflettere, sentire e agire, trasformando ciò che lega in ciò che libera. Il progetto nasce dalla collaborazione tra due donne che si sono incontrate per caso e riconosciute in una stessa visione: Gemma R. Gonçalves da Silva, fotografa, e Simona Micheli, direttrice dell’associazione culturale FramLab.
Alla realizzazione della mostra ha contribuito un gruppo di donne creative e motivate – Patty Volpe, Lucia Romolo e Daniela Zijno – che con passione e sensibilità ha intrecciato idee, energie e prospettive, dando vita a un progetto corale che celebra la forza della collaborazione e del sostegno reciproco.
Gemma R. Gonçalves da Silva Fotografa
Fotografa autodidatta con radici portoghesi, dal 2017 Gemma R. Gonçalves da Silva si dedica alla fotografia sociale, con una ricerca centrata sulle storie delle donne, l’identità e la resilienza. Dopo un percorso nella fotografia di viaggio e di performance, ha sviluppato progetti a forte impatto umano come Caradonna, La versione di Eva, Parola di Donna e Radici.
Le sue immagini, pubblicate su riviste internazionali come Ellements, Éclair, Shuba e Imirage, uniscono delicatezza e intensità, restituendo voce a ciò che spesso resta invisibile.
Simona Micheli direttrice di FramLab e curatrice d’arte
Simona, appassionata d’arte fin da giovane, ha fondato l’Associazione FramLab, nel luglio del 2019. FramLab è un’associazione culturale che nasce e opera sul territorio romano. L’obiettivo dell’associazione è quello di sensibilizzare gli “spettatori” a temi molto attuali, attraverso eventi, mostre, spettacoli culturali e momenti di aggregazione dove l’Arte in ogni sua forma è l’ospite d’onore.

CONEXIO - ceramiche raku di Mariagrazia Giustizieri
2025-11-27 18:30 - 2025-12-07 19:00
ART MARGINEM CONCEPT ROOM – Via Tobagi 13, Milano
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CONEXIO
Mostra di Ceramica Raku di MARIAGRAZIA GIUSTIZIERI
A cura di Luciano Bolzoni
27 novembre – 7 dicembre
Inaugurazione: 27 novembre, ore 18.30
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ART MARGINEM CONCEPT ROOM presenta *CONEXIO*, nuova tappa del ciclo “I Giovedì d’Arte”, una serie di appuntamenti dedicati alla valorizzazione della ricerca artistica contemporanea. L’iniziativa si inserisce nelle attività culturali di Art Marginem, associazione di artisti che, oltre al lavoro laboratoriale, promuove mostre, incontri e progetti capaci di generare connessioni tra creatività, territorio e comunità.
Le ceramiche raku di Mariagrazia Giustizieri uniscono gesto artistico e trasformazione naturale: il fuoco, l’aria e l’acqua modellano superfici vive, segnate da crepe, iridescenze e stratificazioni organiche. La sua esperienza di floriterapista introduce un’attenzione particolare ai processi di armonizzazione e metamorfosi, rendendo ogni opera un equilibrio tra fragilità e rigenerazione.
Ogni pezzo è unico, risultato di un dialogo aperto con la materia, e si presenta come un frammento di microcosmo capace di risuonare emotivamente con chi osserva.
Scrive Luciano Bolzoni nella presentazione:
La mostra propone un percorso immersivo nella materia raku, dove forma, energia e trasformazione dialogano con l’esperienza sensibile dell’osservatore.
Art Marginem conferma così la propria vocazione a essere luogo di sperimentazione, confronto e crescita condivisa.
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MARIAGRAZIA GIUSTIZIERI – CONEXIO
Mostra di Ceramica Raku
ART MARGINEM CONCEPT ROOM
Via Tobagi 13 (angolo via Olgiati) – Milano
27 novembre – 7 dicembre – ingresso libero
Inaugurazione: 27 novembre, ore 18.30
Interverrà: Luciano Bolzoni
Orari di apertura:
Lunedì – venerdì: 10:00–13:00 / 16:00–19:00
Sabato e domenica: su appuntamento
Contatti
Art Marginem: 329 2061102 – [artmarginem@hotmail.com]
Artista: 340 0676341 – [g85671368@gmail.com]

Notte Bianca a Villa Medici 2025
2025-11-27 19:00 - 23:00
Un appuntamento notturno per la creazione contemporanea, la Nuit Blanche torna a Villa Medici giovedì 27 novembre per presentare il lavoro dei sedici residenti in residenza presso l’Académie de France a Roma, oltre a residenti e artisti ospiti.
Concepita come una passeggiata gratuita attraverso l’edificio e i giardini storici di Villa Medici, la Nuit Blanche svela alcuni spazi privati. Nell’oscurità del giardino, nella curva di un vicolo o dietro una porta del palazzo, i visitatori sono invitati a incontrare le opere che hanno abitato i locali per secoli o per una notte, in uno spirito di dialogo tra patrimonio secolare e creazione contemporanea.

L’Académie de France a Roma – Villa Medici è una residenza per artisti, un centro artistico multidisciplinare e un patrimonio ereditato dal Rinascimento. Ogni anno accoglie più di 70 artisti, creatori, autori e ricercatori per soggiorni di varia durata, tra cui 16 residenti per un anno.
Selezionati per concorso, i residenti per l’anno 2025-2026 rappresentano otto discipline artistiche e otto nazionalità. Sono stati selezionati da una giuria attraverso un concorso annuale aperto ad artisti, autori e ricercatori affermati di lingua francese, indipendentemente dalla loro nazionalità. La loro residenza a Villa Médicis è iniziata nel settembre 2025 e terminerà nell’agosto 2026.

Informazioni pratiche
Giovedì 27 novembre dalle 18:00 a mezzanotte (ultimo ingresso alle 23:30)

Ingresso gratuito su prenotazione
Accesso a letture e spettacoli in base alla disponibilità
Accesso alla mostra Eva Jospin
Cibo e bevande disponibili in loco

I biglietti seguiranno

Mostra collettiva “From Pawn to Queen”
2025-11-28 18:00 - 2025-12-04 18:00
Dal 28 Novembre al 4 Dicembre 2025 Medina Art Gallery presenta la Mostra Collettiva “From Pawn to Queen” a cura di Ada Ferrandes, Melania Fusaro e Federica Guida, nella galleria di Via Angelo Poliziano 4-6 a Roma.
Opening event Venerdì 28 Novembre alle ore 18:00
Ferrandes Fusaro e Guida. Le tre curatrici sviluppano un racconto visivo e concettuale sull’ascesa, sulla strategia e sulla forza interiore di chi nasce ai margini ma rifiuta di restare una pedina.
“From Pawn to Queen” prende forma da una delle trasformazioni più radicali del gioco degli scacchi: il passaggio da pedone a regina. Un gesto che non è magia, non è privilegio, non è fortuna. È avanzamento, scelta, resistenza. È il movimento di chi cresce in spazi stretti, dove il cemento si fa pelle e il quartiere detta le regole prima ancora che si possa immaginare un futuro. È il passo di chi impara a muoversi non per restare nello stesso punto, ma per cambiare le condizioni stesse del gioco.…un inno alle strategie invisibili, ai sacrifici che ribaltano il destino, agli alleati che diventano parte del tuo regno, ai percorsi impossibili che da “P” conducono a “Q”, contro ogni pronostico. Perché chi viene dai margini non cerca un trono: lo costruisce. In mostra, opere che incarnano questa tensione: forme che avanzano, si spezzano, ricompongono traiettorie nuove; superfici che raccontano il peso dei confini e la forza di chi li attraversa. Ogni lavoro diventa mappa di un’evoluzione: da ruolo imposto a ruolo scelto, da pedina sacrificabile a regina che detta il proprio raggio d’azione.
“From Pawn to Queen” è più di un titolo: è una dichiarazione sulla potenza del movimento, sulla dignità dell’origine e sulla lucidità di chi impara a stare al mondo come in una scacchiera, attenta, strategica, disposta a perdere per avanzare, pronta a costruire il proprio impero un passo dopo l’altro.
Artisti in mostra: Mirko Argento |Ardo Borsari |Bosska |Silvia Cassetta| Angelica Sonia Cosi| Francesco Cristarella | Raffaele D’Anna | Valerio De Marco |Adriano De Simone |Noémie De Yturbe |Simona Dileo |Luana Di Sarno | Emerson | Laura Escobar |Mariam Fadlallah |Chiara Filardi |Valeria Frontone |Alexandru Ghindaoanu |Elijah Grannis |Ludovico Graziano |Carey Jeffries |Barbara Lelli |Veronica Manta |Pio Mars |Alessia Notarbartolo |Carlos Alberto Ruiz Valle| John Schonert| Tomás Salazar Suaza |Giovanna Serpico |Mariaconsiglia Stile |Bianca Stinchi
Informazioni pratiche:
Titolo: “From Pawn to Queen”
Dove: Medina Art Gallery, Via Angelo Poliziano 4-6,, Roma
Quando: Lun – Dom 10:00–13:00 / 15:00–19:00
Opening: venerdì 28 novembre 2025, ore 18:00

Roma Mineral Show 2025: mostra di Minerali, Fossili e Conchiglie di Roma
2025-11-29 08:00 - 2025-11-30 17:00
Il GMR organizza dal 1979 il Roma Mineral Show – Mostra di Minerali, Fossili e Conchiglie di Roma, una delle più importanti manifestazioni del settore in Italia. Un evento sempre ricco di visitatori, che raccoglie espositori da tutto il mondo, mostre tematiche, istituzioni ed enti di prestigio, in un ampio spazio espositivo.
L’evento si svolgerà sabato 29 e domenica 30 novembre 2025, dalle ore 9 alle ore 19, presso l’Ergife Palace Hotel – Piano B, Via Aurelia 619 (Largo L. Mossa). L’ingresso per il pubblico è gratuito.
Giunta alla 45a edizione, la mostra raccoglierà tantissimi espositori da tutto il mondo, che porteranno splendidi campioni di minerali, rocce, gemme, fossili e conchiglie.
È prevista un’ampia area didattica e divulgativa con tante attività. Sono inoltre in programma una serie di conferenze che si svolgeranno nell’arco dei due giorni.
▶ BROCHURE E PROGRAMMA
COMPLETO

Soglie del visibile: Gaia Adducchio, Luisa Briganti, Simona Caprioli
2025-11-29 16:30 - 2026-01-10 19:30
Il giorno 29 novembre 2025 alle ore 16.30, la Galleria Zema presenta la mostra Soglie del visibile / Thresholds of the Visible con le opere fotografiche di Gaia Adducchio, Luisa Briganti, Simona Caprioli, a cura di Emanuela Zamparelli: tre ricerche che – scrive la curatrice – condividono una stessa tensione, riconnettere l’immagine al corpo, alla materia e al tempo, restituendo alla fotografia la sua essenza più profonda – quella di essere atto percettivo, forma di contatto, esperienza sensibile del mondo.
«C’è un punto fragile e luminoso in cui la fotografia smette di essere mera rappresentazione e diventa esperienza. È in questo spazio interiore che si incontrano i percorsi di Gaia Adducchio, Luisa Briganti e Simona Caprioli: tre sguardi che, attraverso linguaggi differenti, esplorano la possibilità di rendere visibile la propria visione e di restituire al corpo e alla materia la loro voce silenziosa. Le loro opere non descrivono il mondo: lo attraversano con sensibilità. Ogni immagine è una soglia in cui la realtà si trasforma in percezione, il corpo in linguaggio, la luce in materia viva. È in questa partecipazione profonda che si collocano i loro sguardi, nella capacità di far emergere ciò che vibra sotto la superficie, di toccare attraverso lo sguardo.
Nelle polaroid di Gaia Adducchio, la fotografia si libera dalla rappresentazione e diventa gesto, colore, respiro. L’emulsione si muove come sostanza organica, generando forme che sembrano affiorare da una memoria ancestrale. È un atto di fiducia nella materia e nel suo potere trasformativo.
Le immagini di Luisa Briganti sono attraversate dal ritmo del corpo. La danza infrange la staticità e apre un varco nel tempo. Il desiderio si fa movimento, la pelle diventa linguaggio. Nei suoi scatti, la fotografia non congela: prolunga, trattiene, fa vibrare l’attimo fino a renderlo eterno.
Con Simona Caprioli, lo sguardo si fa passo lento e contemplazione. Le sue immagini in bianco e nero si muovono tra luce e ombra, presenza e dissolvenza. È un cammino visivo che esplora la soglia tra reale e immaginato, tra spazio e memoria, fino a trasformare il paesaggio in eco interiore.»  (dal testo critico di Emanuela Zamparelli)
BIOGRAFIE
Gaia Adducchio è nata nel 1979 a Roma, dove vive e lavora. Dopo aver studiato regia alla Scuola Nazionale di Cinema di Praga (FAMU) e aver conseguito premi e finanziamenti per lavori di finzione e documentaristici, dal 2015 si dedica alla fotografia, vincendo una residenza artistica presso il prestigioso CSF Adams di Roma dove realizza il suo primo progetto fotografico analogico, Ritratti di famiglia, che debutta al Prague Photo 2016. Da allora i suoi lavori, caratterizzati dalla continua sperimentazione tecnica e poetica, sono coinvolti in numerose mostre personali e collettive e riscuotono notevole apprezzamento a livello nazionale e internazionale. Da aprile 2023 è Membre Sociétaire de la Société du Salon d’Automne di Parigi.
Luisa Briganti è fotografa, curatrice e direttrice didattica del Centro Sperimentale di Fotografia Adams (CSF Adams); opera nel campo della fotografia da oltre trent’anni. Ha esposto in Italia e all’estero; tra le principali esposizioni: la mostra Assolo metropolitano (Università di Pechino, 2004) e I luoghi della memoria – omaggio a Pier Paolo Pasolini (Festival Internazionale di Fotografia di Roma, 2006). Ha curato per dieci anni cascinafarsettiArt – fotografia e non solo e, dal 2016, collabora con il festival Prague Photo. Nel 2019 ha presentato la prima personale internazionale presso la Ph21 Gallery di Budapest. È stata photo editor per reWriter (2021–2024) e tra gli ideatori di Cosmo Photo Fest (2023).
Simona Caprioli, classe 1984, pugliese di origine, si trasferisce a Torino per studiare Economia Aziendale. Si appassiona alla fotografa in età già adulta e frequenta una scuola di fotografia, il centro sperimentale di fotografia con sede a Roma dal 2019 al 2022. Inizia ad esporre in Italia e successivamente in Europa. Lavora con diverse gallerie. I suoi lavori sono esposti nella Galleria “Ira Leonis”, ad Arles, in Francia, che vanta tra gli altri, prestigiose opere di Nan Goldin, Sarah Moon e Man Ray.
Galleria Zema. Fondata a Roma il 6 marzo del 2025 da Emanuela Zamparelli, la Galleria ZEMA è uno spazio indipendente dedicato esclusivamente all’esposizione e promozione dei lavori di artiste donne, e in particolare della fotografia contemporanea femminile. La galleria rappresenta fotografe italiane e internazionali, accomunate da uno sguardo autonomo, critico e consapevole sul presente, e diverso da altri sguardi. Attraverso un programma espositivo che intreccia ricerca artistica, impegno sociale e riflessione culturale, la galleria si propone come luogo di visibilità e ascolto, dove il corpo, l’identità, la memoria e il conflitto diventano temi da indagare per dare nuova forma e contenuto al vissuto e alla memoria, alla ribellione e all’intimità. ZEMA non è solo una galleria, ma un progetto curatoriale, uno spazio vivo in cui la fotografia si fa linguaggio, relazione e resistenza
