ROME INTERNATIONAL ART FAIR 2025 - 15TH EDITION
2025-07-11 10:00 - 2025-07-24 19:00 (Europe/Rome) | RM
ITSLIQUID Group è lieta di annunciare l’apertura della 15a edizione di ROME INTERNATIONAL ART FAIR 2025, esposizione internazionale di fotografia, pittura, videoarte, installazioni/scultura e performance art. L’inaugurazione si terrà l’11 luglio 2025 alle ore 18:00 presso la Medina Art Gallery di Roma e la mostra sarà aperta al pubblico fino al 24 luglio 2025.
ROME INTERNATIONAL ART FAIR 2025 indaga il rapporto tra corpo e spazio, e la ibridazione tra identità e contesti culturali/fisici/sociali/urbani contemporanei, attraverso due sezioni principali: MIXING IDENTITIES e FUTURE LANDSCAPES.
La sezione MIXING IDENTITIES esplora le parti nascoste delle nostre identità, attraverso un’esperienza immersiva nell’affascinante universo dei complessi labirinti della coscienza. Il corpo umano è un sistema in continuo mutamento che ci collega ad altri corpi e spazi per percepire la realtà circostante; un forte sistema di comunicazione con un proprio linguaggio e infinite modalità espressive.
FUTURE LANDSCAPES è un concetto astratto ed infinito, associato a un senso di libertà e di estensione illimitata. Vissuti principalmente con la mente, gli spazi ridefiniscono i loro limiti e confini, trasformando le superfici in un flusso aperto di pure idee.
MIXING IDENTITIES esplora la complessità delle identità umane, immaginando il corpo non solo come un mezzo, ma come un vero e proprio spazio di comunicazione, dove si riflette la molteplicità dell’essere.
Il lavoro di Elisa Pollien si muove tra tensione e armonia, indagando la dualità con un linguaggio figurativo audace, profondamente ancorato alla forma umana. Le sue opere oscillano tra luce e ombra, realtà e immaginazione, svelando quel delicato equilibrio che modella i nostri paesaggi interiori. La sua tecnica fonde una solida formazione nelle belle arti con influenze urbane, sovrapponendo pennellate precise a texture che richiamano la street art. Elisa dipinge su superfici insolite – tele, muri, persino pelle – trattandole come organismi vivi, lasciando libera la sua espressione sia tecnica sia concettuale. Il suo messaggio è chiaro: l’arte non ha confini fissi, è un continuo divenire, un territorio fluido e aperto a tutti, eppure a nessuno in particolare.
Lyne Bourgeois condivide questa fascinazione per i confini fragili delle emozioni interiori, unendo inchiostro e acrilico su carta per dar vita a composizioni complesse e meditate. Le sue opere sono diari visivi, esplorazioni intime che sfidano con delicatezza i limiti dell’interiorità, mescolando quiete e trasformazione. I suoi gesti fluidi e le forme organiche invitano a una riflessione profonda, in cui vulnerabilità e forza si intrecciano, rivelando storie di crescita, resilienza e chiarezza silenziosa che emergono nel processo creativo.
“Stormy Sea” di Jenni Tan cattura la potenza selvaggia della natura come metafora delle tempeste interiori e della trasformazione personale. Attraverso una palette intensa e cupa, la sua pittura richiama l’imprevedibilità dell’oceano, riflettendo le maree emotive della vita. La sua tecnica mescola spontaneità, segni e texture, creando un’atmosfera onirica dove si intrecciano chiarezza e ambiguità, libertà infantile e energia consapevole. L’opera diventa un dialogo con i ritmi naturali, in cui colore e movimento cercano quella calma interiore che spesso si nasconde nel caos. Con “Origem de Vida”, Simone Cosac Naify indaga i legami profondi tra memoria, maternità, dolore, libertà e violenza, usando un linguaggio pittorico multimediale che fonde figurazione e astrazione. Il suo lavoro trasforma esperienze personali in riflessioni universali sulla complessità della vita, invitando lo spettatore a una lettura intima e potente.
Per Lana Kuperman, l’arte è uno spazio di liberazione, dove l’istinto guida ogni gesto e ogni opera si trasforma in un atto personale di rinascita. In “Baltic Tan” si ritrovano le tracce del suo percorso multidisciplinare tra musica, teatro e arti visive: un dialogo tra profondità emotiva e libertà tecnica, che rompe gli schemi rigidi lasciando che ogni pennellata abbia voce e movimento. Ispirata dai paesaggi baltici e da una vita nomade tra Russia, Israele e Lituania, la sua pittura è al contempo luogo fisico e stato d’animo in trasformazione, con tonalità calde e solari che evocano nostalgia e un gesto libero che respinge ogni forma di conformismo.
La fotografa italiana Arianna Trigiante attinge al linguaggio cinematografico per creare immagini stratificate, cariche di tensione simbolica e sfumature filosofiche. Le sue fotografie, permeate da un senso pittorico, utilizzano chiaroscuro, doppie esposizioni e manipolazioni digitali per esplorare temi di dualità e trascendenza. Ogni scatto è un racconto visivo, uno specchio psicologico che invita lo spettatore a fermarsi, interpretare e sentire, facendo della bellezza un mezzo per una profonda rivelazione interiore.
Questo approccio si intreccia con l’indagine concettuale di Rihab Alghathami, che in “Soul” approfondisce le dimensioni filosofiche della coscienza e della spiritualità attraverso un linguaggio estetico raffinato, sondando gli spazi interiori della mente umana. Analogamente, Oad Siebensee si confronta con il metafisico da una prospettiva spirituale. In “Die Sonne der Trauer der Welt” trasparenze meticolose rivelano anime umane come veicoli di comunicazione cosmica e chiarezza interiore. Le sue opere sono interrogazioni filosofiche e rivelazioni visive che invitano a contemplare l’unità eterna dell’essere e il dolore luminoso che unisce il mondo.
FUTURE LANDSCAPES ridefinisce i confini dello spazio, della mente e dell’identità, offrendo visioni speculative che superano il visibile e mescolano tecnologia, immaginazione e azione umana per dare forma a nuovi modi di essere. In “Baroque & Jet Hieroglyphs”, Imanuel Ellyien fonde la precisione dell’ingegneria aeronautica con la ricchezza espressiva dell’estetica barocca. Attraverso carboncino e penna traduce la logica della navigazione IFR (Instrument Flying Rules) in simboli astratti – i suoi “geroglifici a getto” – che mappano rotte invisibili, mettendo in scena la tensione tra controllo e caos, e offrendo una riflessione sul movimento, l’ordine e la percezione nello spazio contemporaneo.
Questa visione ampliata di paesaggio, dove sistemi complessi diventano tangibili e incarnati, trova eco nell’installazione interattiva di Threshold Lab, “Sweat for Generation – Experiencing the Labor Unseen”. Qui, lo sforzo fisico necessario a sostenere una singola query di intelligenza artificiale trasforma il calcolo astratto in fatica concreta e visibile. Integrando sensori, meccanismi e codice, l’opera crea un’interfaccia diretta tra lavoro umano e intelligenza artificiale, smascherando l’illusione della tecnologia immateriale e mettendo in luce le infrastrutture nascoste dietro le nostre vite digitali. Con questa sintesi di interazione, design e critica, Threshold Lab ripensa il nostro rapporto con energia, conoscenza e le invisibili architetture del potere.

Mostra Dolce&Gabbana, speciale sconto
2025-08-13 10:00 - 18:30
SCONTO FUNWEEK MOSTRA DOLCE&GABBANA
Offerta esclusiva con Funweek: sconto del 20%
Grazie a Funweek, puoi usufruire di uno sconto del 20% sul biglietto d’ingresso alla mostra “Dal Cuore alle Mani – Dolce&Gabbana”, in programma a Palazzo delle Esposizioni a Roma.
Per ottenere lo sconto, segui questi passaggi:
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Lo sconto del 20% verrà applicato automaticamente al totale.
Collegati al sito ufficiale della mostra:
https://mostradolcegabbana.eventim-inhouse.it/webshop/webticket/timeslot
Scegli il giorno e la fascia oraria in cui desideri visitare la mostra.
Seleziona il numero di biglietti desiderati e clicca su “Carrello”.
Una volta visualizzato l’importo totale, clicca su “Avanti”.
A questo punto ti verrà chiesto:
se desideri aggiungere l’audioguida;
di accettare le condizioni generali di contratto (spuntando la relativa casella).
Procedi con l’accesso:
se sei già registrato, inserisci username e password;
se non sei registrato, crea un account compilando i dati richiesti.
Dopo aver completato i dati di registrazione o accesso, comparirà la possibilità di inserire un codice sconto.
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Fino al 13 agosto 2025, la mostra Dal Cuore Alle Mani: Dolce&Gabbana è visitabile a Palazzo Esposizioni Roma. Dopo le tappe di Milano e Parigi, l’esposizione ha aperto un nuovo e atteso capitolo nella storica sede progettata da Pio Piacentini e inaugurata nel 1883: un luogo simbolico per la cultura visiva contemporanea e il patrimonio condiviso, nonché il più grande spazio espositivo e culturale del centro di Roma.
Non un semplice riallestimento, ma una narrazione ripensata per il contesto, dove le creazioni di Domenico Dolce e Stefano Gabbana entrano in dialogo con l’impianto architettonico neoclassico, scenografia unica per un viaggio non solo nella moda, ma nel tempo, nell’arte, nella memoria e nella materia.
Leggi anche: — Il Colosseo in movimento: Dolce&Gabbana celebrano Roma con un abito da sogno
La mostra, promossa da Assessorato alla Cultura di Roma Capitale e Azienda Speciale Palaexpo, con il patrocinio di Roma Capitale, prodotta e organizzata da Azienda Speciale Palaexpo con IMG e curata da Florence Müller con le scenografie di Agence Galuchat, raccoglie oltre 200 creazioni uniche di Dolce&Gabbana, simbolo dello stile italiano dell’Alta Moda.
Una vetrina dell’impareggiabile maestria e dell’artigianalità espresse dal marchio, Dal Cuore Alle Mani: Dolce&Gabbana è una lettera d’amore aperta alla cultura italiana, da sempre ispirazione e musa delle creazioni di Domenico Dolce e Stefano Gabbana, dei quali ripercorre lo straordinario processo creativo – dal cuore, da cui scaturiscono le idee, alle mani, attraverso cui le stesse prendono forma. L’esposizione, inoltre, include il lavoro di selezionati artisti visivi in dialogo con la creatività di Dolce&Gabbana.
Il percorso espositivo si sviluppa in un susseguirsi di grandi sale immersive su una superficie di circa 1.500 mq, esplorando il pensiero creativo e non convenzionale del brand nel mondo del lusso – elegante, sensuale e unico, ma anche ironico, irriverente e rivoluzionario.
Le creazioni sono raccontate attraverso una serie di temi che evidenziano le molteplici influenze culturali italiane alle radici di Dolce&Gabbana: dall’arte all’architettura, dall’artigianato d’eccellenza al folklore, dalla musica all’Opera, il Balletto, il teatro e, naturalmente, le suggestioni della “dolce vita”.
Biglietti disponibili su mostradolcegabbana.com
Indirizzo: Palazzo Esposizioni Roma, via Nazionale, 194 palazzoesposizioniroma.it

Quando:
14 maggio – 13 agosto 2025
Orari
da domenica a mercoledì 10.00-20.00
da giovedì a sabato 10.00-22.30
Ultimo ingresso 45 minuti prima della chiusura
Biglietti
Intero € 17 – ridotto € 15 – ragazzi dai 7 ai 18 anni € 10
Accessibilità
Palazzo Esposizioni Roma è accessibile alle persone con ridotta capacità motoria o sensoriale da tre ingressi privi di barriere architettoniche.
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Mostra collettiva "Affacciati alla finestra" - Arte argentina contemporanea a Roma
2025-09-03 18:00 - 20:00
Nell’ambito della celebrazione del 60º Anniversario di Casa Argentina, ti invitiamo a partecipare alla prossima esposizione collettiva in collaborazione con Natural Bio Art Gallery.
La mostra, curata da Patricia González, direttrice della Natural Bio Art Gallery, costituisce una sintesi del lavoro espositivo che la galleria sviluppa tra Argentina e Italia, e un’opportunità unica per apprezzare il talento e la potenza espressiva dell’arte argentina attuale.
Artisti partecipanti:
Enriqueta Gahan, Mona Suárez Lai, Mariana Donadío, Isabel De La Torre, María Perazzo, Paola Piombino, Soledad Majdalani, Mimi Portugal, Maná Gattoni, Violeta Gibelli, Inés White, Beta Nobile, Pablo Fasoli, Verónica Iriarte, Marcela López, Stella Redruello, Romina Ferrer, Gabriela Villanueva, Geraldine Penn, Cristina Faggionato, Claudia Ocanto, Verónica Cubero.
Dal 1 al 12 settembre
Ti aspettiamo a Casa Argentina dal lunedì al venerdì dalle 13:00 alle 19:00.
Vernissage:3 settembre alle ore 18
Ingresso libero e gratuito

Rome Open Art Exhibition
2025-09-12 00:00 - 2025-09-18 00:00
Dal 12 al 18 Settembre 2025, Medina Roma Gallery ospiterà una mostra collettiva di artisti
internazionali organizzata da Art Number 23, presso la sua sede nella Medina Roma Gallery,
Via Angelo Poliziano 32-34, 00184 Roma, Italia.
L’evento inaugurale si terrà venerdì 12 Settembre 2025 alle ore 18:00 presso la Medina
Roma Gallery, Via Angelo Poliziano 32-34, 00184 Roma, Italia.
I visitatori avranno l’opportunità di ammirare una vasta selezione di opere d’arte
contemporanea, che spaziano tra diversi stili e tecniche espressive. Ogni artista porta la
propria visione unica, offrendo un’esperienza immersiva che stimola la creatività e il dialogo
culturale. Questa mostra è un’occasione speciale per esplorare il mondo dell’arte attraverso
prospettive diverse e innovative. Vi aspettiamo per un’esperienza artistica ispiratrice nella
Città Eterna!
Artisti partecipanti: AKIRANENA (akiraNena) | Morena De Francesco | Efstathia
Papageorgopoulou | Ana Marta Araújo (AMA) | Marco Giangolini | Lorenzo Buggio | Maria
Ermiliou-m.e.artstudio | Patricia RAIN Gianneschi | Sanad Khoury – Plazuli | Valerio Barbetti
| Cristina Ruiz Gomez | Valentina Prünster | Deeya Bhattacharjee | Lucie Guyot | Elena
Martínez Ramos | Andreea Bănica | Maria Harris-Sutton | Talea Richards | Elena-Papp Botta
| Marija Jankovié | Luana Sallustio | Siham Boubaker | Bela Kali | Steit Slings | Sofia
Busquets | Nelli Kamaeva | Elisa Sofia | “Art by the C'” | Kristina Kaspi | Katrin Soul | Patrícia
Cardoso | Keyra | Spiridoula Stamati | Angela Cela | Vinia Kontaxaki | Milica Stojakovic |
Irina Ciobanu Cociasu | MAR | kameleon | Manuela Strasser | Angela Czaja | Paolo Maschio
| Laurentiu STROE | Acacia Diana | Isabel Melluso | Bilge Ugursu | Bruce S. Dilenschneider |
Tiziana Menichelli | Myriam Véjus | Marcos Enrique Hernandez Falcone | Andriana Milioti |
Venia Voumvaki | Stefan Doppelbauer | Agnes Misurda (Misurdart) | Brankica Vujadinov |
Svetla Dzhelepova | Robert Myladoor | lan Wolter | Laura Ecsiova | Anna Nikolaou | Xuamba
| Lian Far | Milica Cobanov | Natalia Zghurska | Alessandra Federico | Sophie Olive-Kuipers |
Joanna Wojtal-Kalinowska

I Nuovi Invisibili
2025-09-18 10:00 - 2025-09-19 18:00
I Nuovi Invisibili
MARCO CURATOLO
Mostra personale di pittura
La mostra fa parte del programma di Rome Future Week, il grande evento che nella settimana dal 15 al 21 settembre propone molteplici iniziative su cultura, innovazione e tecnologia, sostenibilità e inclusione.
In luogo unico a Roma: la Casa Internazionale delle Donne, un centro con finalità sociali e culturali, con particolare riguardo alla cittadinanza femminile.
I Nuovi Invisibili è un viaggio nell’animo umano, una forma di percorso introspettivo. Una strada intrapresa attraverso la realizzazione di questi dipinti che vengono accompagnati da versi e musiche create dal pittore, il quale rappresenta gli emarginati dalla collettività.
La civiltà sempre più velocemente in trasformazione e per molti aspetti in decadenza, crea un divario profondo tra gli individui. Nelle opere il corpo non si vede, ma viene delineato dalla postura che chiarisce lo spirito del soggetto ritratto.
I Nuovi Invisibili è un cammino che invita alla comprensione del disagio sociale e di conseguenza all’emancipazione dell’individuo.
Giovedì 18, venerdì 19 settembre ingresso gratuito
orario 10:00 – 18:00
Casa Internazionale delle Donne
Via della Lungara 19
Biografia:
Marco Curatolo nasce come autodidatta, per poi intraprendere un percorso formativo, dedicando tre anni alla scuola d’Arte e Mestieri di Roma. Qui ha affinato le sue tecniche e coltivato la sua visione incentrata sulle connessioni emotive e sull’esperienze della nostra vita moderna. Vincitore del concorso Arte per i diritti umani 2024, ha creato un manifesto per il RIF- Museo delle Periferie di Roma e ha avviato una serie di progetti personali che hanno dato vita alla sua espressione unica: una collana di dipinti dal titolo “Utopia Dell’empatia”, una serie intitolata “I nuovi invisibili” e la realizzazione di manifesti che seguono l’idea del Nonluogo di Marc Augé.
I nuovi invisibili

I Nuovi Invisibili

INFORMAZIONI DI CONTATTO; Tel. 3924545974 Email: mcura75@gmail.com

Tempĕstas
2025-09-18 17:00 - 2025-09-20 20:00
Nell’ambito del progetto Umanità?!
col patrocinio di Women Visual Artists Database e WindMill ART POWER PLANT
a cura e con un testo critico di Giulia Del Papa
Mesia Space – Largo Mesia, 3 / Via Vulci, 32 – Roma
dal 18 al 20 settembre 2025
Inaugurazione Giovedì 18 Settembre dalle 17.00 alle 20.00
Tempĕstas è un progetto d’arte condivisa ideato e realizzato da Roberta Maola che si terrà il 18, 19 e 20 settembre 2025 presso Mesia Space, a cura di Giulia Del Papa.
Il titolo di questo progetto, ideato come insieme di azione d’arte condivisa, performance ed esposizione, si riferisce all’Effetto Farfalla: la teoria secondo cui anche fattori di minima entità possono avere influenze nel modificare il corso degli eventi.
Per questo motivo Tempĕstas inizia molto prima delle giornate presso Mesia Space. L’artista, infatti, nei mesi precedenti, avrà realizzato e diffuso circa 300 farfalle realizzate ad Origami, per avviare un’azione collettiva di partecipazione attiva dello spettatore, attraverso un lavoro di divulgazione e invito alla ricerca sui propri canali social, con l’obiettivo di promuovere una consapevolezza più profonda dell’effetto che ha ogni scelta o comportamento individuale nel generare piccoli o grandi cambiamenti. In questo modo diventa possibile costruire ciò che il progetto Umanità?! definisce il “nucleo affettivo della speranza” che permette di trasformare la rabbia distruttiva in voglia di fare, dando senso e valore all’esistenza.
Alla base di questo progetto di Roberta Maola è il concetto di trasformazione, che si lega sia all’immagine della Farfalla, in cui la crisalide contiene la potenzialità dell’essere che diverrà, sia all’antica arte dell’Origami che consente di trasformare, piega dopo piega, l’una necessaria all’altra, un foglio di carta in una piccola scultura.
Il fil rouge che attraversa l’intera esperienza, è il completamento dal vivo dell’opera a matita su tavola “Il tutto è più della somma delle parti”. Essa utilizza la rappresentazione figurativa dell’origami a forma di farfalla per veicolare, a coloro che parteciperanno, un messaggio esplicito di empowerment, che mira a spostare da esterno a interno quello che in gergo tecnico si chiama locus of control.
Chi avrà, infatti, partecipato alla ricerca delle farfalle ad origami potrà prendere parte al completamento dell’opera attraverso un momento di intima condivisione con l’artista che disegnerà dal vivo, solo ed esclusivamente in quell’istante di osservazione.
“Lontano da tutto, dal mondo reale e virtuale che invade l’intimo di ciascuno di noi, l’esperienza che qui Maola chiede di condividere vive nell’unicità di un tempo concluso e due persone, di un silenzio necessario e della lontananza dall’esterno. Poter entrare con lo sguardo nello spazio della creazione artistica, esperire quella profondità di sentimento ed emozione che l’arte consente di toccare e portare con sé il ricordo della vista e dello spirito.”
L’opera, dapprima esposta scomposta nelle ottantuno formelle che la compongono, sarà ricomposta e visibile a tutti solo l’ultimo giorno, e a conclusione di tutto, tre formelle saranno donate a tre partecipanti in segno di restituzione e riunificazione delle parti con il tutto che ha contribuito a crearle.
Mantenendo saldo quello spirito di condivisione che permea il progetto, all’inaugurazione è prevista la partecipazione di Laura Cianca, che leggerà la poesia “O me, o vita!” di W. Whitman e l’intervento di Laura V.d.B. Facchini insieme all’artista e alla curatrice. Inoltre, nelle tre giornate saranno previsti l’azione trasformativa condivisa “Io sogno farfalle e tu?” di Silvia Stucky e il reading di Poesia “IlluminatE” a cura di Patrizia Chianese con la partecipazione di Lucianna Argentino, Candy Candy, Antonella Maria Carfora, Laura Colombo, Rossana Coratella, Stefania Di Lino, Laura VdB Facchini, Raffaella Lanzetta, Maria Teresa Laudenzi, Carolina Lombardi, Camelia Mirescu, Maria Grazia Savino.
“Alla luce di questo, di tutte le parti e le fasi che si intrecciano e compongono “Tempĕstas”, l’ultimo filo rosso che appare è quello che collega passato e presente. Quel che l’artista sembra dirci, in conclusione, è che arti antiche come l’origami e il disegno a matita su carta trovano significato e vita attiva nel contemporaneo, usando reti virtuali per diffondere l’azione e allontanandole per riconnettersi allo spirito, invitando gli osservatori ad una live action art experience per portarli poi nel proprio studio artistico.”

ROME INTERNATIONAL ART FAIR 2025-16TH EDITION_ITSLIQUID
2025-09-19 18:00 - 2025-10-02 18:00
ROME INTERNATIONAL ART FAIR 2025 – 16TH EDITION
19 Settembre – 02 Ottobre 2025
Medina Art Gallery, Roma
ITSLIQUID Group è lieta di annunciare l’inaugurazione della 16ª edizione di ROME INTERNATIONAL ART FAIR 2025, mostra internazionale di fotografia, pittura, video arte, installazione/scultura e performance art. La mostra aprirà al pubblico il 19 settembre 2025 alle ore 18:00 presso Medina Art Gallery a Roma e sarà visitabile fino al 2 ottobre 2025.
Con i contributi di oltre 50 artisti internazionali e più di 100 opere esposte, questa edizione riunisce un ricco spettro di prospettive per esplorare identità, trasformazione e intersezione culturale.
ROME INTERNATIONAL ART FAIR 2025 analizza la relazione tra corpo e spazio, e l’ibridazione tra identità e contesti culturali/fisici/sociali/urbani nella contemporaneità, attraverso due sezioni principali: MIXING IDENTITIES e FUTURE LANDSCAPES.
MIXING IDENTITIES analizza le parti nascoste delle nostre identità, attraverso un’esperienza immersiva dentro l’affascinante universo dei complessi labirinti della nostra coscienza. Il corpo umano è un sistema in continua trasformazione che ci connette con altri corpi e spazi per percepire la realtà circostante; un forte sistema di comunicazione con un proprio linguaggio e infinite modalità di espressione.
FUTURE LANDSCAPES sono paesaggi astratti, infiniti e concettuali, associati a un senso di libertà ed estensione senza limiti. Sperimentati principalmente con la mente, gli spazi ridefiniscono i propri confini e limiti, trasformando le superfici in un flusso aperto di idee pure. Questa sezione si concentra sul concetto di confini e strutture tra corpo, mente e anima, identità umana e città, spazio e terreno.
OPENING
September 19, 2025 | 06:00 PM
Medina Art Gallery | Rome, Italy
Via Angelo Poliziano 32-34, 4-6
Opening hours | Monday – Sunday . 10:00 AM – 01:00 PM and 03:00 PM – 07:00 PM
RSVP
info@itsliquid.com
Click here to register for the event (free entry)
supported by NEUFELD

Segni smarriti
2025-09-19 18:30 - 20:30
Segni smarriti Venerdì 19 settembre ore 18.30
Sferocromia
via Ippolito Pindemonte 30b Roma
a cura di Simona Micheli dell’Associazione FramLab.
Si terrà venerdì 19 settembre alle ore 18.30 presso l’atelier dell’artista Sferocromia in via Ippolito Pindemonte 30b a Roma la mostra personale:” Segni smarriti” di Umberto Ippoliti per la curatela di Simona Micheli, direttrice dell’Associazione culturale FramLab. L’esposizione, che potrà essere visitata anche nei giorni seguenti con un appuntamento con l’artista, fa parte delle iniziative all’interno della Rome Future Week, settimana di eventi, diffusi sul territorio romano dal 15 al 21 settembre, dedicati nell’edizione 2025 alle “mutazioni”.
FramLab, un’associazione culturale che opera a Roma da circa 6 anni, attraverso la sua direttrice Simona Micheli sempre attenta alle trasformazioni che l’arte propone, presenta questa nuova mostra, che interpreta al meglio il tema della manifestazione: mutazioni=trasformazioni a 360°. Infatti, la location in cui si svolge la mostra è un ex garage-officina meccanica che si è trasformata nell’atelier dell’artista che prende le sembianze di una grande galleria d’arte personale ed intima; ed il pittore Umberto Ippoliti da sempre trasforma tanti materiali, provenienti da numerosi luoghi, in opere d’arte. “Segni smarriti” è un ciclo a cui l’artista sta lavorando da circa due anni, nato come cordone ombelicale dalle “strutture amorfe” un ciclo a cui l’artista ha lavorato nel corso del 2022. L’artista dopo aver lavorato dal 2020 al 2022 al ciclo del minimalismo strutturale in omaggio al grande artista statunitense Lawrence Carroll ha iniziato questo percorso, e ad od oggi i segni smarriti è l’ennesima sperimentazione che tende a dimostrare la volontà di ricerca, cambiamento e il non essere legato a nessuno stile o firma che potesse far capire allo spettatore che si trattava di una sua opera. Questo modo di fare arte rende l’artista capace di essere qualcun altro.
Segni smarriti è una linea, un graffio, una zona di colore geometrico o caotico su cui una pennellata di colore taglia e lacera, un supporto di per se già colore. Nel caos prendono forma elementi floreali, rami, foglie, fiori fluttuanti che omaggiano il caos del cromatismo astratto, infondono una garbata leggerezza ad un racconto complesso. Spesso si ha la sensazione di guardare attraverso una vecchia persiana scrostata. Lo sguardo filtra verso un cortile anonimo, un giardino abitato da erba e piante silenziose, tra pollini leggiadri dalle forme sferiche, o tra i semi simbolo di costante rinascita e speranza.
FramLab l’associazione culturale che presenta questa mostra, nasce sei anni fa a Roma dall’incontro di persone con caratteristiche, esperienze e competenze diverse, ma unite dalla voglia di esprimere la propria creatività e passione per il mondo dell’arte in tutte le sue forme.

AMICI DEI BIMBI ETS A BASTOGI
2025-09-20 15:00 - 22:00
Roma, 20 settembre 2025
A Bastogi con Amici dei Bimbi ETS
Mostra fotografica, premiazioni e aperitivo sociale
Sabato 20 settembre, dalle 15 alle 22, Bastogi ospiterà una grande festa organizzata da Amici dei
Bimbi ETS (per il ventennale dell’associazione) presso il Doposcuola che da cinque anni accoglie
bambini e ragazzi del territorio.
In programma:
• Dalle 15.00 alle 22.00 Visita alla Mostra fotografica che conclude il progetto “Young
People Programme” realizzato in collaborazione con Canon. Dal 2015 l’azienda
promuove la creatività giovanile attraverso laboratori di fotografia per raccontare le sfide
sociali delle nuove generazioni. Le opere esposte sono state realizzate nell’ultimo anno dai
bambini e ragazzi di Bastogi, guidati dalla fotografa Erica Fava;
• Alle 17.00 Premiazione dei ragazzi che hanno frequentato il doposcuola;
• Dalle 18.00 Aperitivo sociale e festa di comunità aperta a tutti.
“Vogliamo dare luce a un luogo troppo spesso dimenticato e mostrare le storie e la creatività dei
ragazzi che qui crescono ogni giorno”, dichiara l’associazione.
Bastogi
Sorto negli anni ’80 come Residence di Alitalia, comprato poi dal Comune per adibirlo a casa di
prima accoglienza, divenuta residenza di quelle famiglie da OLTRE 40 ANNI, oggi Bastogi è una
delle zone più marginalizzate della capitale, segnata da povertà, disoccupazione ed
emarginazione sociale. Qui Amici dei Bimbi ETS lavora quotidianamente per offrire istruzione,
laboratori creativi e opportunità di riscatto.
Info e donazioni
amicideibimbionlus.eu
info@amicideibimbionlus.eu
+39 3517987464
IBAN: [REDACTED]
PayPal: @amicideibimbiets

La trama umana
2025-09-25 18:00 - 2025-10-30 18:00
Rocky Cervini presenta “La trama humana”
La trama umana esprime la fragilità delle persone nelle loro relazioni affettive e la profonda connessione che esiste tra il dolore emotivo e fisico. Ritrae la complessità dei legami umani e i segni che questi lasciano sui corpi, divenuti portatori di storie non raccontate.
Inaugurazione: 25 settembre alle ore 18
Artista partecipante alla Rome Art Week (RAW) dal 20 al 24 ottobre 2025.
Vi aspettiamo a Casa Argentina dal lunedì al venerdì dalle 13.00 alle 18.30.
Entrata libera e gratuita.

Cuore Quadri e non solo...
2025-09-27 17:00 - 2025-10-05 20:00
Dal 27 settembre al 5 ottobre 2025 Medina Art Gallery Castelli Romani presenta la mostra
personale di Cristian Ciprari intitolata “CUORI E QUADRI E NON SOLO” a cura di Valeria
Rufini Ferranti.
L’evento di opening è previsto sabato 27 settembre alle ore 17:00 presso la sede di Medina Art
Gallery Castelli Romani, in Piazza del Mercato 9 a Monte Porzio Catone (RM).
Per secoli il cuore ha accompagnato simbolicamente l’essere umano in ogni cultura: da organo
vitale che incessantemente “porta la vita” a sede metaforica di ogni nostra emozione. Cristian
Ciprari, artista originario dei Castelli Romani, ex orafo, ha sempre vissuto con un principio
chiaro e semplice: testa e cuore. Dopo la pandemia Covid-19, è iniziata la sua ricerca artistica per
riavvicinare le persone in un periodo di distanze relazionali, facendo del cuore rosso stilizzato il
fulcro della sua poetica visiva. L’artista fonde una serie di tecniche miste, dalla stampante 3D, a
strutture di ferro che rendono le sue opere anche degli oggetti di design a tecniche più
tradizionali per trasmettere il messaggio più potente del mondo. Con le sue esplosioni di colore
che richiamano il dripping e le scritte che rimandano alla Pop Art, Ciprari tratta la materia in
modo consapevole invitandoci a riscoprire il valore dell’amore per sé stessi in un periodo nel
quale i mass media cercano di distrarci da una visione più solidale della vita. La sua arte è una
continua esortazione tanto semplice quanto profonda: AMA-TI, per accoglierci con rispetto e
tenerezza l’uno verso l’altro.
Comunicato stampa a cura di Livia Brunelli

ITALIANI BY SALVATORE CATALANO
2025-10-01 18:00 - 2025-10-30 19:00
NYC Culture Club è lieto di presentare ITALIANI, una mostra personale dell’artista americano di origini italiane Salvatore Catalano, a cura di Clayton Calvert, organizzata con la collaborazione di ITSLIQUID Group e con il sostegno di Goldman Sachs Gives, in programma dal 1 al 30 ottobre 2025 presso Palazzo Velli, nel cuore di Trastevere a Roma.
Attraverso una serie di ritratti finemente dettagliati, Catalano celebra con ITALIANI le storie e l’eredità di personaggi del Bel Paese il cui impegno nell’arte, nella scienza, nella politica e nella letteratura continua ancora oggi a ispirare il mondo. Dai grandi maestri come Leonardo, Michelangelo e Raffaello alle icone della musica e del cinema come Verdi, Pavarotti, Bocelli, Sophia Loren e Federico Fellini; dalle voci della letteratura come Italo Calvino e Pirandello fino alle protagoniste della scienza e della politica come Margherita Hack, Rita Levi Montalcini, Samantha Cristoforetti e Giorgia Meloni. Il profondo legame tra l’artista e le sue origini italiane è la base da cui è nato il progetto espositivo. Dopo anni di studio della letteratura e della storia italiana, Catalano ha evidenziato uno squilibrio nella rappresentazione iconografica dei suoi protagonisti – in particolare delle donne, spesso lasciate ai margini delle narrazioni ufficiali. Nata con l’intento di valorizzare queste figure femminili dimenticate, ITALIANI si è progressivamente ampliata fino a diventare un omaggio corale a chi, al di là del genere, incarna lo spirito creativo, tenace e visionario dell’Italia.
Attraverso una tecnica che fonde l’equilibrio classico con una sensibilità contemporanea, l’artista dà vita a una galleria di ritratti che include scienziati, politici, imprenditori,
umanitari, artisti e scrittori. I tratti ritmici, i raffinati giochi di luce e ombra e la profondità psicologica con cui Catalano racconta i suoi soggetti restituiscono storie di coraggio, innovazione e orgoglio culturale. Storie che aiutano a costruire una visione più inclusiva e ricca dell’identità italiana.
Con ITALIANI, Salvatore Catalano invita lo spettatore a riflettere su come la memoria individuale e collettiva possa essere preservata attraverso il ritratto, non solo come documento, ma come celebrazione. I suoi lavori si fanno specchio del passato e del presente, ricordandoci che la storia appartiene anche a chi, solo ora, viene finalmente riconosciuto e visto.

ULTRAFISICA, Mostra personale di Mauro Reggio
2025-10-02 12:00 - 2025-11-02 19:00
Palazzo Merulana presenta la mostra Ultrafisica di Mauro Reggio, a cura di Valeria Rufini Ferranti, con l’organizzazione di Medina Art Gallery e la sponsorship di Marziali Caffè
Importante protagonista della scena contemporanea, negli ultimi anni Mauro Reggio ha seguito un trend continuo di crescita che lo ha portato a consolidare il suo contributo di ricerca e la sua ricca produzione nel settore.
Le sue opere metafisiche si concentrano su paesaggi urbani noti che riesce a trasfigurare e che rievocano le atmosfere del fotorealismo americano, attraverso l’impiego di elementi pop come la scelta dei colori distopici, specialmente per la caratterizzazione dei cieli e degli sfondi. Pittura, scultura e architettura – le tre forme d’arte canoniche – sono intimamente connesse nell’estetica del pittore: in particolare, la prima e l’ultima sono evidentemente complementari, ben oltre le apparenze, a cavallo tra archeologia classica e post-razionalismo.

Georgina Spengler. Pandaisía
2025-10-02 18:00 - 2025-11-08 19:00
“Pandaisía” – dal greco pan (tutto) e daisía (banchetto sacro) – evoca un’idea di abbondanza e condivisione, di festa rituale e generosa celebrazione della vita. È questo lo spirito che anima i quindici inediti dipinti su tela di Georgina Spengler, che in mostra compongono un universo in cui il sogno prende forma e la visione si fa desiderio: un’utopia del pieno, un altare laico dell’immaginazione che accoglie lo spettatore nel cuore di una creazione fertile, luminosa e insieme inquieta.
Nelle tele di Spengler l’opulenza vegetale si dispiega con una ricchezza ornamentale che richiama, per costruzione e ritmo, i motivi floreali e intrecciati di William Morris. Tra foreste rigogliose, fitte di girali e fogliami sontuosi, l’artista innesta presenze più silenziose e fragili: specie botaniche e animali minacciati che affiorano come apparizioni preziose. Non è un caso che molti titoli delle opere rimandino a queste forme di vita a rischio, trasformando ogni dipinto in un archivio poetico e insieme scientifico.
“Una pittura che costruisce mondi, nei quali il suggerimento etico e la citazione colta si contrappongono e si mescolano, confluendo in un insieme armonico […]” – scrive Maria Arcidiacono. “È come se l’artista volesse generosamente nutrirci di grazia, per poi condurci alla constatazione della ineluttabile realtà – talvolta anche mostruosa – che inesorabilmente vi si annida, minacciandola.”
Il risultato è un equilibrio sottile tra incanto e allarme: l’eleganza seducente dei motivi ornamentali convive con la consapevolezza di una possibile perdita, mentre lo sguardo dello spettatore oscilla tra fascinazione e consapevolezza critica. È in questo spazio che la pittura di Spengler vibra, trasformando le ombre in tensione vitale.
“Pandaisía” è dunque celebrazione e monito, festa visiva e meditazione etica: un banchetto pittorico che intreccia denuncia e “joie de vivre”, invitandoci a desiderare con forza la sopravvivenza di ciò che nutre l’umanità e dà senso al nostro abitare il mondo.
NOTE BIOGRAFICHE
Georgina Spengler nasce ad Atene (Grecia) nel 1959. All’età di otto anni si trasferisce con la famiglia negli Stati Uniti e successivamente in Olanda, dove nasce il suo interesse per la pittura. A Parigi frequenta per un anno l’École des Beaux-Arts. Tornata negli Stati Uniti studia presso la School of Fine Arts della Boston University (Boston, MA) e la Corcoran School of Art di Washington D.C., dove completa la sua formazione accademica. Nel 1982 si trasferisce stabilmente a Roma, città in cui tuttora vive e lavora. Da allora espone con continuità, prendendo parte a mostre personali e collettive in Italia e all’estero.
Ha partecipato a due residenze d’artista: “Artist at Work”, organizzata da Artbellwald.ch e dal Canton Vallese (Bellwald, Svizzera, 2021), e “Atelier”, “MacroAsilo” presso il MACRO – Museo d’Arte Contemporanea di Roma (2019).
Nel 2023 ha ricevuto il “Contemporary Art Creation Award”, conferito dalla Casa Internazionale delle Donne di Roma.
Del suo lavoro hanno scritto, tra gli altri: Enrico Gallian, Roberto Gramiccia, Irmela Heimbacher, Tiziana Musi, Anna Maria Panzera, Lorenzo Pavolini, Rosa Pierno, Ian Rosenfeld, Edith Schloss, Rachel Spence, Enrica Torelli Landini, Shara Wasserman.

PERSONA -Foto Paolo Pellegrin
2025-10-03 18:00 - 2025-10-31 19:00
In occasione del 25° anniversario di Officine Fotografiche, siamo lieti di presentare “Persona”, una mostra
fotografica di Paolo Pellegrin, uno dei maestri indiscussi della fotografia contemporanea.**
Curata da Annalisa D’Angelo, l’esposizione rappresenta un’occasione unica per esplorare un aspetto
intimo e poco conosciuto della produzione dell’autore: il ritratto come forma di indagine, relazione e
memoria.

Giornata del Contemporaneo 2025, programma Roma
2025-10-04 10:00 - 17:00
Sabato 4 ottobre 2025 si celebra la ventunesima edizione della Giornata del Contemporaneo, la grande manifestazione annuale promossa da AMACI con il sostegno della Direzione Generale Creatività Contemporanea del Ministero della Cultura e in collaborazione con la Direzione Generale per la diplomazia pubblica e culturale del Ministero degli Affari Esteri e della Cooperazione Internazionale.
Per il ventunesimo anno consecutivo, i 26 musei associati ad AMACI, insieme a oltre mille realtà pubbliche e private in tutta Italia, apriranno gratuitamente le loro porte al pubblico, con una programmazione speciale di mostre, eventi, laboratori e iniziative, in presenza e online, pensate per avvicinare l’arte contemporanea a un pubblico sempre più ampio e trasversale.
Il tema conduttore dell’edizione 2025 è quello della formazione, intesa come processo ampio e plurale che attraversa educazione, ricerca, scambio di esperienze e saperi. Una riflessione condivisa dalle direttrici e dai direttori dei musei AMACI, in continuità con la giornata di studi organizzata dall’associazione nel marzo scorso.
Prosegue inoltre la tradizione che, dal 2006, affida a una o un artista di rilievo la realizzazione dell’immagine guida della manifestazione: l’edizione 2025 vede protagonista il collettivo Atelier dell’Errore (AdE).
Per il programma dettaglio si rimanda al sito https://www.amaci.org/gdc21

MAXXI ingresso gratuito alla mostra The Large Glass
2025-10-04 11:00 - 19:00
In occasione della Giornata del Contemporaneo 2025, il Museo MAXXI offre ingresso gratuito alla mostra The Large Glass.
Anche quest’anno il MAXXI partecipa al grande evento annuale promosso da AMACI – Associazione dei Musei d’Arte Contemporanea Italiani che coinvolge musei, fondazioni, istituzioni pubbliche e private, gallerie, studi e spazi d’artista per raccontare la vitalità dell’arte contemporanea nel nostro Paese. Appuntamento sabato 4 ottobre al MAXXI per vivere insieme e gratuitamente l’arte contemporanea.
in programma:
galleria 4 ore 11>19
aperta gratuitamente la mostra The Large Glass
il nuovo allestimento della Collezione MAXXI a cura dell’artista Alex Da Corte, che vede in mostra opere di Alighiero Boetti, DEMOGO, Luigi Ghirri, Marisa Merz, Giuseppe Penone, Michelangelo Pistoletto, Kara Walker e tanti altri.
PRENOTA IL TUO BIGLIETTO

Katarzyna Bak - Frammentazione
2025-10-04 18:00 - 2025-10-12 21:00
Con la mostra “Frammentazione” il percorso di ricerca di Katarzyna Bak, che nei cicli pittorici degli ultimi anni ha esplorato i miti della creazione, la relazione tra l’uomo e le forze della natura, il concetto di identità, l’automatismo psichico e l’inconscio, approda al tema delle guerre che stanno drammaticamente segnando il nostro presente. In “Frammentazione” l’artista continua a rivolgere un duplice sguardo alla materia trattata: da un lato riflettendo sul suo significato nella contemporaneità, dall’altro scavando nei significati ancestrali e forme archetipiche.
Le immagini dolorose che scorrono quotidianamente davanti ai nostri occhi sono il punto di partenza di questo nuovo ciclo di opere: la sensazione di impotenza e di solitudine che ne deriva si traduce sulla tela in un “urlo senza parole”, in cui i segni e i diversi materiali assemblati raccontano visivamente la frammentazione che i conflitti producono su più livelli. Sono frammentate le notizie che riceviamo sui nostri dispositivi, tra notifiche e aggiornamenti in tempo reale che ci sottopongono frammenti isolati di eventi, rendendo difficile ricostruire un quadro unitario e coerente; è frammentata la memoria in ricordi isolati e, insieme a essa, la storia personale e l’identità delle persone che ne sono colpite direttamente: private dei propri punti di riferimento e della continuità narrativa della propria esistenza, sono ridotte a numeri nei calcoli statistici.
Le macerie fisiche generate dai bombardamenti sono tracce di una dissoluzione che è anche umana e psicologica, dove delle vite, dei ricordi e dell’essenza stessa delle persone restano dei frammenti sparsi.
Nel corso della storia, l’esperienza della guerra ha lasciato un segno profondo nell’immaginario individuale e collettivo: artisti, scrittori, poeti e testimoni diretti hanno sempre avvertito la necessità di dare forma al dramma vissuto, trasformandolo in opere che permettessero di comprenderlo, raccontarlo o esorcizzarlo. Questa urgenza si rivela in molteplici forme: dalla “letteratura di guerra” alle testimonianze dei soldati attraverso lettere e diari, dalle poesie nate dall’esperienza diretta dei poeti al fronte agli artisti, che hanno tradotto il dolore in immagini, materia e simboli indelebili. L’arte e la letteratura prodotte durante i conflitti o negli anni immediatamente successivi rappresentano le più potenti e incisive forme di denuncia, di conservazione della memoria e di elaborazione del dolore e del trauma subito.
Alcune opere sono diventate esse stesse simboli universali dell’orrore bellico: basti pensare alla serie degli Otages di Jean Fautrier, in cui la materia grumosa e stratificata evoca ferite e lacerazioni; alle opere prodotte da Burri dopo la guerra e la prigionia, in cui i materiali assemblati, “costretti” o bruciati, si fanno linguaggio del trauma; alle deformazioni e scomposizioni di Picasso nella sua celebre Guernica.
Bak in questo ciclo di opere accoglie le suggestioni del Cubismo, dell’Arte Informale e dalla tecnica del montaggio intellettuale teorizzato da Sergej Ejzenstein per narrare la condizione attuale: l’artista interviene sulla tela unendo elementi spezzati e decontestualizzati, assemblando sezioni dipinte singolarmente e separatamente a materiali frammentati, i quali attraverso questa unione generano nuovi significati e connessioni. Le campiture irregolari di colore sulla tela assumono senso simbolico, i cui riferimenti derivano dall’iconografia sacra: sono ricorrenti nelle opere presenti in mostra il blu, il rosso, il bianco e l’oro, colori che nelle icone sacre simboleggiano umanità, purezza, sacrificio e spiritualità, valori universali che vengono recuperati dall’artista e immersi in uno scenario in cui domina il caos e il dolore, come un tentativo di riconnessione con una dimensione di ordine, sacralità, dedizione e unione. Si sovrappongono ad essi simboli, parole, armi, numeri che costituiscono la traccia frammentata delle immagini delle guerre, residui che sono sedimentati nella memoria e che portano con sé una parte della storia, da cui può nascere una nuova narrazione.
Bak utilizza il frammento e la ricomposizione come possibilità di creare una nuova condizione e cercare così di arrivare a un significato più profondo, a una visione più complessa che fornisca nuove prospettive, aperta a nuove interpretazioni. L’artista crea così un nuovo ordine in cui passato e presente, dolore e speranza si fondono, offrendo la speranza di una nuova unione, come testimoniano le sue stesse parole: “l’opera finita non è la somma delle sue parti, ma una nuova realtà che supera i frammenti che la compongono”.

True To Nature | Von Buren Contemporary
2025-10-11 18:00 - 2025-10-12 19:30
Von Buren Contemporary è lieta di presentare True to Nature, una mostra collettiva che riunisce i lavori di Anastasia Norenko, Sofia Podestà e Vera Rossi, tre artiste legate dall’osservazione e dalla rappresentazione della natura.
True to nature è in questo contesto un titolo emblematico, poiché il suo duplice significato, “fedele alla natura” e “fedele a sé stesso”, rispecchia pienamente l’itinerario intrapreso negli anni dalle artiste in mostra. Tutte e tre, in effetti, lavorano su una serie di soggetti che si ripetono nel tempo, rimanendo, appunto, fedeli a sé stesse e alla natura, che rappresenta per loro una fonte di ispirazione inesauribile.
Sofia Podestà e Vera Rossi si servono dell’obiettivo fotografico per comunicare con gli elementi naturali, mentre Anastasia Norenko dipinge dal vero, concentrandosi sulla riproduzione dei paesaggi en plein air. Centrale in questi lavori non è dunque la natura in sé, quanto il rapporto che viene instaurato con essa.

Mutsuo Hirano e Thomas Lange - La Morte e La Fanciulla
2025-10-12 12:00 - 20:00
La Fondazione VOLUME! inaugura La morte e la fanciulla, un progetto espositivo che intreccia arte visiva, poesia e musica, ispirato alla celebre poesia di Matthias Claudius e alla composizione di Schubert. In mostra, il dialogo tra i disegni di Mutsuo Hirano e le opere in bianco e nero di Thomas Lange guida il visitatore in un percorso tra ombra e luce, culminando nelle ceramiche luminose di Hirano. Unica presenza cromatica: la figura della fanciulla, che svela il volto di Rosalia, la “santa bambina” di Palermo. Un’esperienza immersiva che riflette sul confine tra vita e morte.

Luminis, ultimi giorni
2025-10-14 08:00 - 2025-10-15 21:30
Fino al 15.10.2025
Dove:
Piazza Tevere (banchina del lungotevere, riva destra, tra Ponte Sisto e Ponte Mazzini)
Luminis è un’installazione monumentale luminosa, che si dispiega per 500 metri sul muraglione della riva destra del Tevere, composta da una sequenza di cornici rettangolari luminose di varie dimensioni. La luce è la vera protagonista del progetto. È grazie alla luce, infatti, che la cornice vuota non è semplicemente un apparato di assenza. È la luce a guidare l’attenzione di chi osserva per invitarlo a soffermarsi laddove il suo sguardo si era mosso distratto e fuggevole. Le cornici potrebbero anche sparire, per lasciare spazio alla luce che rivela, che si fa intermediaria tra passato e presente, in un dialogo tra vuoto e pieno, tipico della ricerca dell’artista. Questo spazio interstiziale, definito ma non riempito, offre a ogni passante la possibilità di confrontarsi non solo con le tensioni stratificate nella storia di una città come Roma, ma anche con quelle più ampie e urgenti che attraversano il tempo presente.
Un’opera site-specific che illumina la sponda del fiume, trasformandola in una scenografia urbana e offrendo una doppia modalità di fruizione: una visione panoramica e suggestiva dalla riva opposta o dai ponti vicini e una ravvicinata dalla banchina di Piazza Tevere, dove gli spettatori sono invitati a osservare l’opera con lentezza, per riscoprirne i dettagli più minuti e sorprendenti, inscritti in ciascuna cornice luminosa.
In continuità e in un ideale dialogo con l’intervento di William Kentridge – che nel 2016 realizzò negli stessi spazi il fregio Triumphs and Laments, una narrazione visiva di oltre 500 metri sulla storia di Roma – Mario Carlo Iusi con Luminis intende riproporre e rinnovare il legame tra arte contemporanea, memoria storica e paesaggio urbano.

Al via la mostra Vision, omaggio all’Urbe eterna
2025-10-17 11:00 - 2025-10-19 19:00
La mostra «Vision, Roma Ti Amo» è un omaggio all’Urbe eterna, nata dall’amore profondo che gli artisti nutrono per Roma, città il cui respiro millenario attraversa ogni opera e ne ispira l’essenza. L’esposizione, curata dall’art manager Michele Crocitto, si terrà venerdì 17, sabato 18 e domenica 19 ottobre 2025 presso la Coffee House di Palazzo Colonna, Piazza SS. Apostoli 67, a Roma dalle ore 11,00 alle 19,00 con accesso libero e gratuito. Il progetto prevede una serie di mostre personali, che segnerà l’inizio di un cammino artistico destinato a proseguire nella primavera del 2026: un dialogo vivo tra passato, presente e spettatore. L’esposizione darà voce a temi universali: l’amore, la bellezza, il tempo, l’infinito e a tutto ciò che abita le profondità più intime dell’animo umano. Un percorso artistico che diventa riflessione e sguardo interiore, in cui ogni opera racconta un frammento dell’eterno. In esposizione, nei saloni nobiliari, le mostre personali di Anfissa Vassè, Irina Glazunova, Swetlana Tissen, Pierluigi Leggeri e Imma Lavorato. Anfissa Vassè, giovane artista, che attraverso le sue iconiche e riconoscibili opere “Baci” racconta il sentimento più importante e potente al mondo: l’amore, ciò che tutto accoglie, tutto trasforma, tutto rende eterno. Irina Glazunova, artista innamorata del mare, capace di trasformare la tela in un abisso incantato, animato da creature meravigliose e dalla bellezza segreta del mondo sommerso. Swetlana Tissen dipinge finestre come varchi dell’anima, e in ogni vetro si riflette un viaggio interiore. Pierluigi Leggeri fotografa il mondo marino in bianco e nero con accenti di color rame. Un’arte che celebra la profondità e il mistero dell’oceano, dove ogni movimento è lento e maestoso. Imma Lavorato, plasmando argilla e stagno, dà voce al tempo sospeso, all’eternità nascosta e alla fragile essenza della materia, trasformando ogni sua opera in un viaggio tra memoria e metamorfosi. Tra gli artisti presenti inoltre: Armsx, Bil-Nabil Arab, Amedeo Curatolo, Aigul Gabdrakhmanova, Pietro Gottuso, Stephanie Leontiev, Ekaterina Kicz. In mostra anche l’opera Colosseo eterno di Marco Vinci e le opere di Massimo Bomba, stilista, astrologo e studioso di segni e simboli. Nelle tre giornate di esposizione interverrà anche Angela Oliva con il suo volume “ Lasciate in pace Venere e Saturno: è tutta colpa di Mercurio”, edito da Chiaraceleste edizioni, romanzo autobiografico, guida astrologica semiseria alla scoperta dell’errore sentimentale persistente. Sponsor dell’iniziativa: Otri del Salento, Vignuolo, Le 4 Contrade, Eccellenze del mondo enogastronomico della Puglia presentate dal Cavalier Antonio Giaimis e ML Solution di Luca Moretti. Special guest il Maestro Giuliano Grittini con l’opera “ Roma Ti Amo” che farà parte di una mostra curata in esclusiva da Michele Crocitto.

PENTIMENTO E SPERANZA. TESTIMONIANZE DI PIETRO GEOMETRA SULLA FAME
2025-10-18 17:00 - 18:00
Chiesa di Sant’Ignazio
Roma | Piazza di Sant’Ignazio
Mostra personale di Yona
“Pentimento e Speranza. Testimonianze di Pietro Geometra sulla fame”
Nello spirito del Giubileo, tra orrori e speranze
Dal 18 ottobre 2025 al 10 gennaio 2026
Sabato 18 ottobre alle ore 17:00, nella Cappella dell’Immacolata della Chiesa di Sant’Ignazio di Loyola
si inaugura la mostra personale dell’artista Yona, dal titolo “Pentimento e Speranza. Testimonianze di Pietro Geometra sulla fame”, a cura del Prof. Claudio Strinati.
La mostra è realizzata con l’autorizzazione del Fondo Edifici di Culto e della Soprintendenza Speciale di Roma.
La Chiesa di Sant’Ignazio, caratterizzata dall’arte barocca dei gesuiti, incontra e “dialoga” con un’Artista contemporanea. Un confronto stimolante tra messaggi e linguaggi estetici accomunati da una prospettiva di fede che invita alla considerazione, alla presa di coscienza, alla ricerca.

VERDI VISIONI - per vivere green
2025-10-18 17:00 - 2025-10-25 19:00
ROMA – Sabato 18 ottobre 2025 alle ore 17:00, in via Gaetano Casati 27 verrà inaugurato l’evento artistico VERDI VISIONI – per vivere green che potrà essere visitato fino a sabato 25 ottobre dalle 17:00 alle 19:00 (festivi esclusi).
Preoccupati dell’attuale lento e costante cambiamento climatico, Tutti gli Artisti aderenti a questo evento vorrebbero fare un appello alla sensibilità dell’animo umano, esortando il Visitatore a riflettere sui gravi problemi del nostro pianeta e promuovendo la personale iniziativa positiva green. Tutte le opere legate dal tema “verde” (pittura, scultura, fotografia e poesia) saranno un corale invito a salvaguardare l’ambiente attraverso il rispetto di ciò che già esiste e promuoveranno azioni che ne favoriscano la vita futura.
Salvaguardare la terra per prenderci cura di noi stessi
Mauro Rubini
Artisti partecipanti:
Alfonsi Francesca – Ariosto Antonella – Bandinelli Bernardo – Bartolini Tiziana – Bracaglia Paola – Chiappetta Alessandra – Gentile Maria Gabriella – Kalos – Kefa – Lunghi Maria Grazia – Monaldi Gloria – Palmarocchi Laura – Partis Barbara – Picciolo Elena – Pisani Mirta – Porrega Mauro – Rubini Mauro – Simonetti Eugenia – Smeraldi Cristina – Volpicella Patrizia – Zanarella Doriano – Zanarella Michela – Zaytseva Tatyana.
La mostra potrà essere visitata dal 18 al 25 ottobre dalle ore 17 alle ore 19 (festivi esclusi) nella sede di Via Gaetano Casati 27 – Roma
INFORMAZIONI GENERALI
Dove:
Spazio I.De.A.
Via Gaetano Casati, 27 – Roma
Inaugurazione:
Sabato 18 ottobre 2025 – ore 17
Quando:
Dal 18 al 25 ottobre 2025
Tutti i giorni dalle ore 17 alle ore 19
Ingresso libero

Angeli&Demoni - RAW 2025
2025-10-23 10:00 - 2025-10-31 19:00
ANGELI E DEMONI – RAW 2025
Sabato 25 Ottobre s’inaugura una nuova mostra collettiva, dal titolo “Angeli e Demoni”, presso la galleria “IL Leone” di via Aleardo Aleardi 12, Roma.
La gallerista e curatrice Claudia Bevilacqua, ha puntato stavolta su uno dei temi più affascinanti e intriganti della storia umana, per offrirne una rilettura in chiave artistica…
La tradizione ebraico-cristiana sostiene da sempre l’esistenza di esseri intermedi tra Dio e l’uomo. Essi sono posti come incarnazione del bene, gli angeli, o del male, i demoni.
Per conoscerne più a fondo la funzione occorre risalire all’origine dei due termini…
La parola “greca” “Anghelos” significa messaggero, annunciatore, portatore di notizie, sempre benefiche secondo la tradizione.
L’altro termine, Demoni deriva anch’esso dal greco e precisamente da “Daimon”, che indicava genericamente un essere a metà strada tra dei e uomini: il cristianesimo lo connotò, con accezione negativa, come entità malvagia, associandolo agli angeli caduti insieme a Lucifero.
Le due categorie di esseri cui fanno riferimento sono diventate, inevitabilmente, fonte d’ispirazione perenne per innumerevoli generazioni d’artisti che, nel rappresentarli, ovviamente hanno fatto riferimento alla loro iconografia originale.
Più recentemente però i due termini, penetrati profondamente nella cultura secolare, hanno subito una visibile trasformazione da parte dell’immaginario collettivo, decisivo nell’attribuirgli specificatamente il generico significato di “bene” e “male”. Così facendo si è determinata l’estensione della nomenclatura originaria agli esseri umani, focalizzandosi su comportamento, personalità, azioni, espressioni, financo pensieri…
Di questo nuovo status ideale hanno tratto alimento tutte le arti, nessuna esclusa, ma in particolare l’arte figurativa, in altre parole pittura e scultura.
Sì sono, infatti, moltiplicate le interpretazioni sul tema, ampliando enormemente, di conseguenza, la gamma espressiva, dilatata all’inverosimile.
Ne è un chiarissimo esempio, la mostra in oggetto, costituita quasi interamente da opere che si spingono ben oltre le rappresentazioni dei maestri della pittura dei secoli scorsi, in cui entrambe le creature si presentavano nelle forme legate alla consuetudine cristiana.
Se, ad esempio, esaminiamo Preziosa Censori, troviamo l’accento sulla dualità tra luce e ombra; Miro Frei ritrae solo la mano dell’Angelo, posata sulla spalla di un disperato malato di AIDS; Max Guarini offre una potente suggestione, tutta contemporanea, attribuendo la “patente angelica” a madre e figlio abbracciati (l’amore, bene supremo) e quella demonica alla folla indifferente intorno a loro; Giacomo Minella preferisce due figure, dagli inequivocabili e antichi tratti distintivi, che si disputano un essere umano che ambisce alla conoscenza universale grazie all’AI; per Antea Pirondini l’angelo diviene “musa ispiratrice”, mentre un, insolitamente umano, Lucifero rivolge lo sguardo dolente al cielo dal quale è stato cacciato; Sara Caracciolo invece attribuisce alla figura dell’angelo una visione salvifica, impersonificata dalla bianca fune con la quale incoraggia l’umanità all’ascesa verso il cielo…
Questi pochi esempi sono esplicativi della ricchezza ispirativa che la mostra contiene, divenendo insieme spunto e supporto a una riflessione che travalica potentemente gli ordinari confini del tema.
Eccoli tutti gli artisti che si sono cimentati in questa impegnativa prova:
Nana (Anna Aslanidi), Marika Nelly Belotti, Loredana Burac, Vincenzo Cali’, Isabel Carafi, Remo Carradori, Monica Catto, Elena Cella, Preziosa Censori, Umberto Falvo, Giusy Foresta, Miro Frei, Debora Gentile, Sandro Gentilini, Max Guarini, Lidia Iuzzolino, Davide Leocata, Maria Cristina Lucidi, Giacomo Minella, Maria Teresa Molnar, Antea Pirondini, Sara Caracciolo, Teodora Ricciardi, Fabiola Rocchi.
La presentazione critica è affidata al regista Domenico Briguglio, sempre pronto, da par suo, a incantare la platea del pubblico che vorrà partecipare a questo evento imperdibile.

Fragments of the future
2025-10-23 17:00 - 2025-10-30 19:00
Verrà inaugurata giovedì 23 ottobre alle ore 17:00 la mostra collettiva di arte contemporanea “Fragments of the future” presso la Galleria La Pigna -Palazzo Maffei Marescotti- via della Pigna 13 -Roma.
L’evento è curato dal critico d’arte Monica Ferrarini. In occasione del vernissage ci sarà una performance musicale a cura di Siryo Black e del soprano Ilde Consales.
“In un tempo segnato dall’instabilità, dalla perdita di senso e da una crescente disconnessione, l’arte resta uno degli ultimi gesti di resistenza, uno spazio in cui è ancora possibile cercare salvezza. L’opera d’arte non offre risposte definitive ma piuttosto tracce e frammenti di un tempo che travalica i confini. L’arte non è fuga ma fondamento, non è decorazione ma salvezza.
“Fragments of the future” ci invita a ripensare il futuro come ad uno spazio dell’anima e nasce dal desiderio di raccogliere e dare forma a ciò che resta, a ciò che potrebbe ancora nascere e merita di essere custodito. Tutte le opere esposte hanno un comune filo conduttore: esaltare l’arte come spazio di resistenza spirituale, come gesto che attraversa la precarietà e si fa memoria.
In un’epoca storica che tende a consumare convulsamente tutto quanto – immagini, emozioni, sentimenti…- l’arte continua ad offrire un tempo altro in cui riconoscersi e forse salvarsi. Essa ci offre frammenti che non danno soluzioni ma ci invitano a rallentare, a connetterci con la parte più profonda di noi, a meditare, a immaginare ancora, nonostante tutto.”
La mostra rientra negli eventi della decima edizione della Rome Art Week, evento annuale che intende creare una rete tra artisti, strutture espositive, critici, curatori e tutti coloro che lavorano nel settore artistico, così come un ampio pubblico di amanti e interessati all’arte. Una grande opportunità per gli artisti di far conoscere la loro arte ad un vasto pubblico.
Artisti partecipanti: Natali Alkoser, Leon Amemiya Ph.D., Aseum, Darius Biegaj, Kaitlin Bouleau, Petrana Bozukova, Agata Cicio, Elizabeth Colazo, Ekaterina Chorina, Teresa Decinti, Petra Dippold – Goetz, Bettina Eicher, Lis Engel, Mar Enriquez, Juliana Ferreyros, Petra Forman, Elisa Friman, Marussa Giovinazzo, Megan Harmer, Tina Hellblom – Thibblin, Zanna Hurkina Sysina, Julia Kohane, Kirsten Kohrt, Alexandra Kordas, Michael Korshøj Owino, Tamara Kostochko, Matthew Mark, Jurgen Marke. Eva Michalikova, Karoliina Myllymaki, Elizabeth Ida Novotná, Eva Okrslar, Ewelina Palka, Pilbri, David Francois Rabie, Natalya Radünz, Pari Ravan, Carmen Rieger, Senayt S., ArtbySuza, Rebecca Volkman, Mariëlle Vroemen, Regina Wuschek.
Dal 23-30 ottobre. Apertura dal lunedì al venerdì 15:30 – 19. Sabato: 10:30-12:30

Leggerezza infinita
2025-10-24 18:00 - 19:30
Leggerezza Infinita di Federica Giglio a cura di Simona Micheli
Venerdì 24 ottobre 2025 ore 18.00
Atelier d’Artista Via di San Pancrazio 17E Roma
Si terrà venerdì 24 ottobre 2025 ore 18.00, presso l’atelier dell’artista, in Via di San Pancrazio 17E in Roma, l’inaugurazione della mostra personale “Leggerezza infinita” dell’artista Federica Giglio, curata da Simona Micheli, direttrice creativa di FramLab. L’esposizione, che durerà un solo giorno, fa parte delle iniziative all’interno della Rome Art Week, la manifestazione artistico-culturale dedicata all’arte contemporanea, che presenta a un pubblico di appassionati e collezionisti e una rassegna della proposta di arte contemporanea a Roma, attraverso centinaia di eventi in spazi espositivi e open studio che si terrà dal 20 al 25 ottobre 2025.
Tante opere realizzate nel corso degli anni che verranno esposte negli spazi dell’atelier dell’artista, un luogo dove si fonde arte e vita vissuta. Federica Giglio si avvicina all’arte da giovanissima, dopo il liceo artistico frequenta l’Accademia di Brera, ove frequenta i corsi di Maurizio Bottarelli con cui affina l’uso della stratificazione della materia pittorica.
Le opere di Federica Giglio mescolano sapientemente e con straordinaria armonia realtà e visione. La sua è una pittura sospesa, come se, per essere completa, avesse bisogno di comunicare e integrarsi con lo spettatore. Una pittura dell’essenziale, che si realizza nella semplificazione del tratto; che con la maturità si spoglia di inutili orpelli; opere di grandi dimensioni nelle quali l’artista utilizza il corpo per infondere energia, per accompagnare lo spettatore in ciò che è anche un viaggio nell’anima, nel profondo, nel non risolto che c’è in ognuno di noi.
Nelle sue opere Federica Giglio utilizza colori intensi; le figure e le forme geometriche sembrano volersi staccare dal fondo dell’opera comunicando una sensazione di movimento e creando con lo spettatore un sentimento di intimità, accentuato dall’utilizzo di tele di vaste dimensioni che portano osservatore e artista all’interno del quadro; delineando non un limite ma un nuovo orizzonte dove tutto è possibile. Le tele dell’artista comunicano gioia, passione e raccontano di un mondo tra realtà ed immaginazione.
FramLab l’associazione culturale che presenta questa mostra, nasce sei anni fa a Roma dall’incontro di persone con caratteristiche, esperienze e competenze diverse, ma unite dalla voglia di esprimere la propria creatività e passione per il mondo dell’arte in tutte le sue forme. L’obiettivo dell’associazione è quello di sensibilizzare gli “utenti” su temi molto attuali, attraverso eventi, mostre, spettacoli culturali e momenti di aggregazione dove l’Arte è al centro di ogni riflessione.

Leggerezza infinita
2025-10-24 18:00 - 19:30
Venerdì 24 ottobre 2025 ore 18.00
Atelier d’Artista Via di San Pancrazio 17E Roma
Si terrà venerdì 24 ottobre 2025 ore 18.00, presso l’atelier dell’artista, in Via di San Pancrazio 17E in Roma, l’inaugurazione della mostra personale “Leggerezza infinita” dell’artista Federica Giglio, curata da Simona Micheli, direttrice creativa di FramLab. L’esposizione, che durerà un solo giorno, fa parte delle iniziative all’interno della Rome Art Week, la manifestazione artistico-culturale dedicata all’arte contemporanea, che presenta a un pubblico di appassionati e collezionisti e una rassegna della proposta di arte contemporanea a Roma, attraverso centinaia di eventi in spazi espositivi e open studi,o che si terrà dal 20 al 25 ottobre 2025.
Tante opere realizzate nel corso degli anni che verranno esposte negli spazi dell’atelier dell’artista, un luogo dove si fonde arte e vita vissuta. Federica Giglio si avvicina all’arte da giovanissima, dopo il liceo artistico frequenta l’Accademia di Brera, ove frequenta i corsi di Maurizio Bottarelli con cui affina l’uso della stratificazione della materia pittorica.
Le opere di Federica Giglio mescolano sapientemente e con straordinaria armonia realtà e visione. La sua è una pittura sospesa, come se, per essere completa, avesse bisogno di comunicare e integrarsi con lo spettatore. Una pittura dell’essenziale, che si realizza nella semplificazione del tratto; che con la maturità si spoglia di inutili orpelli; opere di grandi dimensioni nelle quali l’artista utilizza il corpo per infondere energia, per accompagnare lo spettatore in ciò che è anche un viaggio nell’anima, nel profondo, nel non risolto che c’è in ognuno di noi.
Nelle sue opere Federica Giglio utilizza colori intensi; le figure e le forme geometriche sembrano volersi staccare dal fondo dell’opera comunicando una sensazione di movimento e creando con lo spettatore un sentimento di intimità, accentuato dall’utilizzo di tele di vaste dimensioni che portano osservatore e artista all’interno del quadro; delineando non un limite ma un nuovo orizzonte dove tutto è possibile. Le tele dell’artista comunicano gioia, passione e raccontano di un mondo tra realtà ed immaginazione.
Recentemente l’artista si è avvicinata ai gioielli a cera persa, avvalendosi anche della mano di sapienti artigiani specializzati nell’incastonatura delle pietre preziose. Pezzi unici realizzati in argento, bronzo e ottone che vogliono essere, nella concezione dell’artista, amuleti; originali talismani che accompagnano chi li indossa nel quotidiano. Questi gioielli verranno esposti insieme ai quadri nel corso della mostra.
FramLab l’associazione culturale che presenta questa mostra, nasce sei anni fa a Roma dall’incontro di persone con caratteristiche, esperienze e competenze diverse, ma unite dalla voglia di esprimere la propria creatività e passione per il mondo dell’arte in tutte le sue forme. L’obiettivo dell’associazione è quello di sensibilizzare gli “utenti” su temi molto attuali, attraverso eventi, mostre, spettacoli culturali e momenti di aggregazione dove l’Arte è al centro di ogni riflessione.

Metamorphose: tutto in cambio? Moatra personale di Monika Hartl
2025-10-24 18:00 - 2025-10-30 18:00
Dal 24 al 30 ottobre 2025 Roma ospita la mostra personale di Monika Hartl, “METAMORPHOSI–
tutto in cambio?”.
L’esposizione indaga il tema della metamorfosi come condizione costante dell’esistenza e del mondo,
attraverso opere che uniscono pittura, stratificazioni materiche e fotografia. Hartl trasforma volti,
forme e colori in metafore del cambiamento, restituendo allo spettatore la percezione di un flusso
ininterrotto di vita, evoluzione e rinascita.Dialogando idealmente con la ricerca di Alberto Giacometti,
l’artista rivela come ogni immagine sia un frammento di trasformazione, mai conclusa, ma parte di un
continuum evolutivo che riguarda tanto l’individuo quanto la società e la natura.La mostra diventa così
un invito a riconoscere la bellezza e la forza della metamorfosi, e a partecipare con lo sguardo e
l’anima a un universo in costante cambiamento.
La mostra fa parte del circuito RAW 2025 – Rome Art Week, una manifestazione diffusa dedicata
all’arte contemporanea che, ogni anno, apre gratuitamente al pubblico studi d’artista, gallerie, spazi
indipendenti e istituzioni culturali della città. RAW è una piattaforma partecipativa che mette in rete
artisti, curatori e appassionati, creando un dialogo vitale e condiviso sul presente dell’arte a Roma.

Abruzzo Istantaneo. Mostra fotografica di Massimiliano Tempesta per Rome Art Week 2025
2025-10-24 19:00 - 2025-11-13 21:00
In occasione della X edizione della Rome Art Week, WSP Photography è lieta di presentare “Abruzzo Istantaneo – Paesaggi a pellicola larga” la mostra fotografica di Massimiliano Tempesta che inaugurerà venerdì 24 ottobre alle ore 19 presso la nostra sede, in Via Costanzo Cloro 58 Roma.
Ci sono luoghi che sembrano aspettare. Paesi che resistono in silenzio, dove l’intonaco si sfalda piano e le insegne scolorite raccontano un tempo che non è mai andato via del tutto.
L’Abruzzo che ho attraversato con una Fujifilm Instax Wide 300 è fatto di questi spazi: fermi, vuoti, ma mai davvero deserti e mai veramente immobili.
La pellicola istantanea non concede ripensamenti. Scatti, e resta. Per questo ho scelto questa macchina: perché costringe alla semplicità. Come una frase secca, messa giù senza ornamenti.
Le fotografie sono istantanee larghe di piccole città, cortili abbandonati, serrande chiuse, paesaggi montani che si allargano sotto un cielo blu, spiagge che attendono.
Non ci sono persone nelle foto. Ma ci sono le loro tracce. Un portone socchiuso, una fila di panni stesi, i giochi nei giardinetti, i resti di una festa patronale, parcheggi vuoti fuori stagione. È un’assenza che racconta più della presenza. Una città è viva anche quando dorme.
Questo progetto è una raccolta di momenti immobili, scatti che non inseguono la perfezione ma la realtà. Quella che si trova se ci si ferma. Se si guarda. Ogni muro, ogni strada ha qualcosa di necessario, come certi periodi brevi e dritti, così sono le mie foto delle frasi breve per descrivere un viaggio personale.
Hemingway diceva “Il mondo spezza tutti, e poi molti sono forti nei punti spezzati.”
L’Abruzzo ha crepe ovunque. E proprio lì, spesso, è più bello.
Massimiliano Tempesta
Socio fondatore del WSP Photography, dopo 10 anni di attività fotografica da autodidatta decide di specializzarsi frequentando diversi corsi e workshop, dalla fotografia di reportage alla fotografia di architettura. Ha all’attivo diverse mostre e pubblicazioni. Da anni porta avanti un suo percorso di ricerca sui quartieri popolari e sulle nuove architetture in diverse città del mondo. Spazia dalla fotografia digitale a quella analogica di vario formato. Insieme a Daniela Silvestri ha ideato il format Itinerari Metropolitani, che dal 2020 si occupa di indagare il paesaggio urbano e non modificato dall’uomo, tra le periferie e la banalità del paesaggio quotidiano, a Roma e non solo.
La mostra sarà esposta fino al 13 novembre 2025 e visitabile dal lunedì al giovedì dalle 18 alle 19.
