Mostra MUCHA a Roma
2025-10-26 10:00 - 2026-03-08 18:30 (Europe/Rome)
Fino all’8 marzo 2025, Palazzo Bonaparte – sede ormai imprescindibile per le grandi mostre d’arte in Italia – si trasforma nel tempio dell’Art Nouveau presentando la più ampia retrospettiva mai dedicata ad Alphonse Mucha (Ivančice, 24 luglio 1860 – Praga, 14 luglio 1939), artista ceco, padre e maestro indiscusso di quello stile raffinato e sensuale che ha rivoluzionato l’immaginario visivo di ogni tempo.
La mostra, con una selezione di oltre 150 opere, è un viaggio nell’intera opera di Mucha attraverso l’esposizione di tutti i suoi capolavori (tra cui Gismonda, 1894; Médée, 1898; JOB, 1896; la serie The Stars del 1902 o quella sulle Pietre Preziose del 1900 o ancora gli studi sull’Epopea Slava) provenienti dal Mucha Museum di Praga, e allarga la visione all’importanza e alla centralità della bellezza nella storia dell’arte.
In mostra, infatti, anche straordinarie opere archeologiche e rinascimentali, passando a capolavori dell’Ottocento con l’eleganza de La contessa De Rasty (1879) di Boldini per giungere finalmente al Novecento con la sontuosa Semiramide (A Babilonia) del 1905 di Saccaggi.
Ad arricchire il percorso anche arredi, oggetti Art Nouveau e tantissimo altro: un dialogo inedito che illumina Mucha da prospettive nuove, rivelando la continuità dell’ideale di bellezza femminile nel tempo.
Ospite d’onore della mostra è la Venere di Botticelli (1485-1490), prestata in via del tutto eccezionale dai Musei Reali – Galleria Sabauda di Torino, perfetta sintesi del concetto di bellezza e seduzione.
La Venere, icona e testimonial mondiale del fascino senza tempo, stabilisce un ponte ideale tra l’arte rinascimentale e l’Art Nouveau. Il capolavoro quattrocentesco, recentemente oggetto di approfondite indagini diagnostiche, dialoga sorprendentemente con le figure femminili di Mucha, rivelando come l’ideale di bellezza attraversi i secoli con continuità straordinaria.
A Palazzo Bonaparte, Mucha viene raccontato attraverso i suoi celebri manifesti teatrali, pannelli decorativi, calendari e illustrazioni, testimoni di un’epoca in cui l’arte si fondeva con la vita quotidiana e ne impreziosiva ogni gesto.
Ma, su tutto, Mucha è colui che ha saputo reinventare l’immagine femminile nell’arte, trasformandola in icona di grazia e forza, protagonista indiscussa di un linguaggio decorativo – tra fiori, linee morbide e atmosfere oniriche – che ancora oggi ispira moda, grafica e design contemporaneo, fino ad influenzare il mondo dei più moderni tatuaggi dove i suoi soggetti sono diventati uno dei temi più ricorrenti e richiesti al mondo.
Mucha è stato molto più di un artista. È stato un innovatore, un comunicatore visivo capace di dare una forma seducente e riconoscibile all’immaginario della Belle Époque. I suoi celebri manifesti pubblicitari – come quelli dedicati a Sarah Bernhardt o ai profumi e ai liquori parigini – non solo resero popolare l’arte grafica, ma trasformarono il linguaggio visivo del suo tempo, anticipando i principi del design moderno.
La donna di Mucha, con le sue linee flessuose, i capelli fluenti, le vesti leggere e gli elementi naturali che la circondano, è diventata l’icona universale della femminilità Art Nouveau, movimento che ha rivoluzionato le arti applicate e la visione estetica tra fine Ottocento e inizio Novecento.
La mostra “Alphonse Mucha. Un trionfo di Bellezza e seduzione” non si limita a raccontare l’evoluzione dello stile di Mucha: invita il visitatore a entrare nel suo mondo, restituendo l’atmosfera vibrante della sua epoca.
L’allestimento sarà un’esperienza avvolgente, in cui ambienti, luci, profumi, musiche e cromie condurranno il pubblico in un vero e proprio passaggio temporale, riportandolo indietro nel tempo.
Accanto alle opere dell’artista, il pubblico potrà ammirare arredi, preziosi e oggetti di design, fotografie e materiali d’epoca, in un viaggio immersivo tra eleganza, natura e simbolismo, dove ogni dettaglio – visivo, sonoro, tattile – contribuirà a evocare l’incanto di un’epoca che ha reso l’arte parte integrante della vita.
“Nel celebrare il 25º anniversario di Arthemisia, sentivamo il dovere e il desiderio – dichiara Iole Siena, Presidente di Arthemisia – di rendere omaggio alle donne e alla bellezza femminile, temi che da sempre attraversano la storia dell’arte con grazia, forza e profondità. Abbiamo scelto di farlo in un luogo simbolico e ormai consacrato come il tempio delle grandi mostre d’arte, offrendo al pubblico un’esposizione inedita, intensa e ricca di emozione. Sono certa che questa mostra saprà toccare l’animo dei visitatori, lasciando un segno indelebile nei loro occhi e nei loro cuori.
E guardando al futuro, ci avviamo verso il 2026 che vedrà Palazzo Bonaparte teatro di due mostre straordinarie: in primavera – in occasione dei 160 anni delle relazioni diplomatiche tra Italia e Giappone – la più completa mostra mai dedicata in Italia ad Hokusai, il più grande pittore e incisore giapponese e, in autunno, una eccezionale esposizione su Kandinskij, padre fondatore dell’astrattismo.”
Palazzo Bonaparte, nel cuore di Roma, si conferma ancora una volta come uno dei luoghi simbolo dell’arte internazionale.
Dopo mostre di straordinario successo come quelle dedicate a Monet, Escher, Van Gogh, e Munch, che hanno realizzato numeri record di visitatori, ospita ora un evento imperdibile che celebra la grazia e la forza di un artista capace di parlare ancora oggi al nostro tempo.
Con il patrocinio del Ministero della Cultura, della Regione Lazio, del Comune di Roma – Assessorato alla Cultura, dell’Ambasciata della Repubblica Ceca e del Centro Ceco presso Ambasciata della Repubblica Ceca, la mostra è prodotta e organizzata da Arthemisia, in collaborazione con la Mucha Foundation e i Musei Reali di Torino. La curatela è di Elizabeth Brooke e Annamaria Bava, con la direzione scientifica di Francesca Villanti.
La mostra è in partnership con Generali Valore Cultura.
Main partner della mostra la Fondazione Terzo Pilastro – Internazionale e con Poema.
La mostra vede come special partner Ricola, radio partner Dimensione Suono Soft, media partner la Repubblica, hospitality partner Hotel de Russie e Hotel de la Ville, mobility partner Atac e Frecciarossa Treno Ufficiale, sponsor tecnico Ferrari Trento e con il supporto tecnico del Mucha Museum e di Prague City Tourism.
Il catalogo è edito da Moebius.

TAM TAM. Tempio, Azione, Movimento
2025-11-07 08:00 - 2025-12-08 17:00
Dal 7 novembre all’8 dicembre 2025, la Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea di Roma ospita TAM TAM. Tempio, Azione, Movimento, l’installazione firmata dallo studio Alvisi Kirimoto e realizzata con il supporto di COREPLA.
Presentata in anteprima al Fuorisalone 2025 di Milano, l’opera arriva nella Capitale trasformando il Cortile Centrale della Galleria in uno spazio aperto all’interazione, dove arte, design e architettura dialogano in un’esperienza condivisa e in continua trasformazione.
Un’opera che si muove con il pubblico
TAM TAM è composta da sei colonne bianche in plastica riciclata, che i visitatori possono muovere liberamente, modificando costantemente la configurazione dello spazio.Attraverso il gesto collettivo, l’installazione si anima, diventando un organismo vivo e mutevole che invita alla riflessione sul concetto di partecipazione, sostenibilità e comunità.
Il titolo dell’opera – Tempio, Azione, Movimento – sintetizza i tre elementi chiave del progetto: lo spazio come luogo simbolico di incontro (Tempio), la relazione fisica con il pubblico (Azione) e la trasformazione continua generata dal movimento (Movimento).
L’inaugurazione di TAM TAM coincide con la presentazione del numero speciale di Interni Magazine dedicato a Roma, intitolato “Roma, Eternal Change”.Il progetto editoriale riflette sull’identità cangiante della città e sul ruolo dell’arte e del design nel raccontarne le metamorfosi. In questo contesto, l’opera di Alvisi Kirimoto diventa metafora della vocazione internazionale e dinamica della Capitale, sempre più aperta alle contaminazioni creative e ai linguaggi contemporanei.
Informazioni
Titolo: TAM TAM. Tempio, Azione, MovimentoAutori: Alvisi KirimotoProduzione: COREPLASede: Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea, Cortile CentraleIndirizzo: Viale delle Belle Arti 131, RomaDate: 7 novembre – 8 dicembre 2025Ingresso: incluso nel biglietto della Galleria
Fotografie: Giuseppe Miotto / Marco Cappelletti – Courtesy of Alvisi Kirimoto

Geography of scrips
2025-11-08 18:00 - 2025-12-24 19:00
Geography of scrips
a cura e con un testo di Edoardo Marcenaro
Artisti: Alex Senna, Lula Goce, Iena Cruz, Laika, Marco Rèa, Jana & Js, Rnst,  Koz Dos, Daniele Tozzi, Pixel Pancho, Tabby, Vera Bugatti, Samina
Opening sabato 8 novembre 2025 ore 18.00
Rosso20sette arte contemporanea
Via del Sudario 39 – Roma
Fino al 24 dicembre 2025
Sabato 8 novembre 2025 alle ore 18.00, Rosso20sette arte contemporanea presenta Geography of scrips, a cura e con un testo di Edoardo Marcenaro. In mostra le opere di Alex Senna, Lula Goce, Iena Cruz, Laika, Marco Rèa, Jana & Js, Rnst, Koz Dos, Daniele Tozzi, Pixel Pancho, Tabby, Vera Bugatti, Samina: quattordici street artist raccontano l’odierno scenario internazionale, dalla situazione finanziaria a quella geopolitica, attraverso una serie di opere su scrip e carte geografiche.
Come scrive il curatore Edoardo Marcenaro: « Laika denuncia la speculazione dei grandi azionisti a danno dei piccoli investitori, ci ricorda che il capitalismo per sopravvivere ha bisogno della guerra e fa sciogliere i ghiacci sulla mappa degli Stati Uniti, il cui Presidente si mangia in un boccone la Groenlandia. Per Daniele Tozzi “i titoli bancari, certificati di possesso di azioni bancarie diventano il supporto delle azioni che compiamo tutti i giorni, azioni lodevoli e giuste contrapposte alle azioni bancarie simbolo del capitalismo sfrenato”. Marco Rea interpreta il pensiero di un immigrato in mezzo al mare, in quel momento fonte di un grande pericolo ma al contempo di una grande speranza. Vera Bugatti realizza un’opera sulla mappa e tre sui certificati azionari, ispirate alle parole che trova sui vari scrip per giocare sul parallelismo tra l’azione – titolo di credito e l’ azione – atto umano. Samina ci presenta la sua opera laddove lo scrip – un tempo segni di potere economico – grazie all’intervento dell’artista con collage e stencil diventa uno strumento per mettere in discussione l’idea di tempo, valore e verità, per rappresentare cosa scompare e cosa resiste con lo scorrere del tempo. I lavori di KOZ DOS cercano di esprimere la preoccupazione di come il commercio e il denaro ci hanno portato a essere dipendenti da cose futili e sempre più effimere e veloci, senza considerare il danno che stiamo arrecando a noi stessi, al nostro ambiente, ai nostri animali, alla nostra madre terra. Iena Cruz richiama quanto riportavano le prime banconote americane, un invito al rispetto, non all’indifferenza che oggi ritorna come monito tra confini, filo spinato e silenzi spezzati. rsnt sottolinea come i suoi stencil sullo scrip “restituiscono al pezzo di carta straccia la sua nobiltà essendo diventata opera d’arte e in quanto tale eterna”. Alex Senna porta su scrip e carta geografica la sua “linea essenziale e la sua sensibilità emotiva, tradotte in sempre nuove forme e contesti, confermando la forza narrativa e universale della sua poetica”. La sensazione di nostalgia e melancolia contraddistingue l’opera del duo Jana & JS ispirata dalla realtà urbana e dalle persone che ci vivono, con una serie di ritratti che si fondono con il dettaglio di architettura mettendo in discussione il posto dell’essere umano nelle città moderne. E Lula Goce con i suoi stencil rinnova il suo invito a guardarsi sempre intorno negli spazi urbani del proprio quartiere, dove lei potrebbe avere dipinto un muro che lascerà un segno indelebile nello spazio e nella mente di tutti noi. Tabby riproduce sugli scrip alcuni dei suoi murales realizzati in giro per il mondo per denunciare lo strapotere economico. E infine Pixel Pancho utilizza la denominazione sociale che trova sugli scrip per trasformarla in parole evocative come “slavery” o “raper”, con tanto di catene dorate che circondano robot fatti di monete.
Dalle bitcoin alle stablecoin, nuovo strumento finanziario emesso dal Governo degli Stati Uniti per sanare il debito americano. Ma il modello globale, almeno per il momento, resta quello della c.d. VUCA economy, caratterizzata da Vulnerability, Uncertainty, Complexity, Ambiguity, di cui gli scrip sono stati vittima sacrificale, riscattata dalla mostra di Rosso20Sette Arte Contemporanea “Geography of Scrips” dove la street art diventa scrip art».

Peter Flaccus. September Song
2025-11-13 18:00 - 2026-01-10 19:00
Maja Arte Contemporanea è lieta di presentare, da giovedì 13 novembre 2025 a sabato 10 gennaio 2026, “September Song”, terza personale in galleria dell’artista Peter Flaccus, con testo critico di Marco Di Capua.
La mostra prende il titolo dall’ultima opera che Flaccus ha portato a compimento nel settembre 2025 e che viene ora presentata per la prima volta al pubblico: un dittico di grande intensità cromatica, «di un giallo saturo attraversato da ramificazioni verdi e punteggiato da segni», che – come osserva Di Capua – «sembra voler parlare in una lingua magica ormai perduta, nel suo splendore muto».
Per Flaccus, la pittura è un organismo vivente. «A mio avviso, un dipinto è una sorta di fenomeno naturale, come un albero, che non ha bisogno di una teoria per alzarsi in piedi e sventolare i suoi rami al vento», afferma l’artista. In questa immagine si condensa la sua visione: il quadro cresce, respira, si nutre di materia (la cera), di luce e di tempo, trasformando il gesto pittorico in un processo vitale.
Realizzati a encausto – tecnica antichissima che mescola pigmenti e cera fusa – i lavori in mostra emanano un senso di equilibrio organico fra materia e luce. Ogni superficie vibra tra trasparenza e opacità, trattenendo l’energia del gesto e restituendola come respiro. Il colore, stratificato e inciso, si fa sostanza viva, attraversata da movimenti lenti, da tensioni e rilasci che evocano fenomeni naturali: flussi d’acqua, correnti d’aria, metamorfosi vegetali o cosmiche.
Scrive Di Capua: «[…] è come se questi quadri respirino. Nella dinamica di uno stile che si alleggerisce, questi non si mostrano più soltanto come insiemi formali, ma come accadimenti». Una pittura, dunque, che non rappresenta ma accade, in cui ogni opera conserva, in trasparenza, la memoria del proprio divenire.
Come una nota che si affievolisce, “September Song” lascia nello sguardo la traccia di un tempo interiore, un’eco di colore che sembra continuare oltre la superficie del quadro.
NOTE BIOGRAFICHE
Peter Flaccus nasce nel 1947 a Missoula, nello stato del Montana (USA). Dopo la laurea all’Amherst College, la frequentazione della Skowhegan School of Painting and Sculpture e il Master of Fine Arts presso l’Indiana University, negli anni Settanta si trasferisce a New York, dove espone in numerose gallerie (Zabriskie Gallery, Monique Knowlton Gallery, etc).
Vince varie borse di studio, tra cui la New York Foundation for the Arts, ed è invitato varie volte a lavorare nelle Residenze per Artisti, come la Yaddo Residency (New York) e la MacDowell Colony (New Hampshire).
Nel 1989 cura la mostra “Belief in Paint” al Museo del Bennington College, nel Vermont.
Trasferitosi a Roma all’inizio degli anni Novanta, Peter Flaccus si dedica prevalentemente alla tecnica dell’encausto, di cui è riconosciuto come uno dei maggiori esponenti.
È Professor Emeritus in Studio Art presso la John Cabot University di Roma.
Hanno scritto del suo lavoro: Alberto Abbruzzese, Brunella Antomarini, Marcello Barison, Carlo Alberto Bucci, Maria Ida Gaeta, Grace Glueck, Donald Kuspit, Tanja Lelgemann, Rosa Pierno, Jacqueline Risset, Annemarie Sauzeau, Gabriele Simongini, Alan Singer, Susan Stewart, Stephen Westfall, e molti altri.
Mostre personali
2023: “The Painting is a Place”, Palazzo Merulana, Roma; “Oasis”, Gallerie Riunite, Napoli.
2022: “The Flat Earth”, Maja Arte Contemporanea, Roma.
2021: “Combustions à froid”, Galerie L&C Tirelli, Vevey, Svizzera.
2019: “Inclusions”, Maja Arte Contemporanea, Roma.
2018: “Mondi. Peter Flaccus e Luca Padroni”, Intragallery, Napoli.
2017: “Light up paradise”, Art51 – Nizza Paradise, Lugano.
2015: “Peter Flaccus”, a cura di Tanja Lelgeman, Palazzo Cerio – Galleria Laetitia Cerio, Capri / Intragallery, Napoli.
2014: “Ritorno a Napoli”, a cura di Tanja Lelgeman, Intragallery, Napoli; “Peter Flaccus – Matteo Montani”, Otto Gallery, Bologna; “Peter Flaccus – Giuseppe Amalfi”, a cura di Serafino Amato, Galleria Monty&Co, Roma.
2013-’14: “Peter Flaccus: La terra cambia”, a cura di Cristian Stanescu, Galleria La Nube di Oort, Roma.
2009: Ninni Esposito Arte Contemporanea, Bari; “Peter Flaccus – Gilles Gally”, Galerie L’Agart, Amilly, Francia; “Milo De Angelis – Peter Flaccus. Opere inedite”, a cura di Maria Ida Gaeta, Casa delle Letterature, Roma.
2007: “Peter Flaccus al Frantoio di Capalbio”, Il Frantoio di Capalbio, Capalbio.
2005: “Enkaustik Bilder: Peter Flaccus und sein malerisches Werk”, a cura di Dorothee Plancherel, Stiftung Müllerhaus, Lenzburg, Svizzera.
2004: “Peter Flaccus: Encaustic Paintings”, Zabriskie Gallery, New York; “Punto di fusione”, a cura di Francesco Moschini e Gabriel Vaduva, Galleria A.A.M., Roma; Ninni Esposito Arte Contemporanea, Bari.
2002: Ninni Esposito Arte Contemporanea, Bari; Malans Teppich Fabrik, Malans, Svizzera.
2000: Ninni Esposito Arte Contemporanea, Bari.
1999: “Peter Flaccus – L’encausto”, Galleria Marcello Rumma, Roma; Monique Knowlton Gallery, New York.
1997: Galleria della Associazione Culturale Italo-Francese, Bologna.
1985: Monique Knowlton Gallery, New York; Traver Sutton Gallery, Seattle.
1979: Zabriskie Gallery, New York.
1977: Connecticut College, New London, Connecticut, USA; Zabriskie Gallery, New York.
ORARI MOSTRA
Martedì-Venerdì ore 15.30-19.30. Sabato ore 11-13 e 15-19
Altri orari su appuntamento

CINEFRAMED La Mostra
2025-11-14 00:00 - 2025-12-14 00:00
CINEFRAMED @TWM Factory – Roma Smistamento
Un progetto FIC – Federazione Italiana Cineforum, in collaborazione con TWM Factory; Special thanks: Studio Suq, PAPER Market Fair
Dal 14 novembre al 14 dicembre 2025, Roma Smistamento ospita per la prima volta CINEFRAMED, la mostra dedicata alle più iconiche copertine di Cineforum Rivista — 16 soggetti incorniciati che raccontano oltre sessant’anni di storia editoriale e cinematografica italiana. Un percorso visivo e d’archivio per riscoprire non solo l’evoluzione grafica e stilistica della rivista, ma anche la memoria collettiva di un immaginario cinematografico che ha segnato generazioni di spettatori. Fondata nel 1961, Cineforum Rivista è considerata tuttora una delle voci più autorevoli nella critica e nella cultura cinematografica di respiro internazionale.
La mostra
Cineframed ripercorre la storia di Cineforum Rivista dal 1961 al 2020 attraverso una selezione delle copertine più rappresentative della Serie Collezione: 16 soggetti suddivisi in quattro sezioni tematiche:
Icons – Volti e corpi diventati simbolo dell’immaginario cinematografico, da Gong Li a Isabella Rossellini.
Nani Tedeschi – Le celebri illustrazioni realizzate dall’artista emiliano tra il 1976 e il 1980, vere e proprie opere grafiche.
Milestones #1 – Irripetibili – Cover storiche in bianco e nero e a colori che raccontano il cinema classico e gli anni ’60.
Milestones #2 – Big – Ritratti di autori, attrici e film che hanno fatto la storia, da John Ford a Tarantino.
Le copertine esposte testimoniano i mutamenti nel linguaggio grafico, nei formati e nel gusto estetico, ma soprattutto raccontano la storia del cinema attraverso immagini destinate a rimanere nell’immaginario visivo di chi ama la settima arte. In mostra anche preziosi oggetti d’archivio della Federazione Italiana Cineforum, che per la prima volta apre al pubblico parte del suo ricchissimo archivio storico, rendendo visibile un patrimonio editoriale e culturale unico nel panorama italiano. Ad accompagnare la mostra, anche un percorso per immagini con un montaggio di alcuni frame tratti dai film più iconici raccontati sulle pagine della rivista, a testimoniare come grafica e cinema abbiano sempre dialogato in modo vivo e diretto.
Per tutta la durata della mostra sarà possibile acquistare presso il bookshop di Roma Smistamento i soggetti Cineframed (riproduzioni a stampa fine art con passepartout a folder), i numeri collezione della rivista e ospiterà anche un allestimento dedicato alla Nuova Serie della rivista — pubblicazione trimestrale rinata nel 2020 con una veste grafica completamente rinnovata a cura di Studio Suq.
Durante l’opening del 14 novembre, Federico Pedroni (redattore di Cineforum Rivista) e Matteo Mori (membro del direttivo FIC) racconteranno la storia della rivista, dal suo ruolo pionieristico come strumento per i circoli FIC all’attuale rilancio. A seguire, un DJ set a cura di Flavio Nuccitelli.
Eventi speciali
Opening Event | Venerdì 14 novembre, ore 18.00–22.00
Ore 19.00: talk con Federico Pedroni (Cineforum Rivista) — modera Matteo Mori (FIC)
Ore 20.00: DJ-set a cura di Flavio Nuccitelli (DJ, sceneggiatore, scrittore)
Closing Event | Domenica 14 dicembre, ore 10.00–13.00
Framing Cineforum: grafica per il cinema
Workshop a cura di Luigi Stanga (Studio Suq, Brescia / Torino) — durata 3 ore
L’evento si svolge nell’ambito di Pacchi Tuoi, il mercatino di Natale by Paper Market Fair, la fiera di grafica e piccola editoria di Roma.
Ingresso su prenotazione – Fee 40 € / ridotto 30 € (studenti e iscritti FIC)
Dove e quando
TWM Factory – Roma Smistamento
Via Arimondi 3, Roma
14 novembre – 14 dicembre 2025
Visitabile Lunedì, Mercoledì, Venerdì dalle 11.00 alle 18.00 + su prenotazione nel weekend
Ingresso libero
Prenotazioni: https://spazio-smistamento.twmfactory.it/evento/cineframed-la-mostra/

Lasciami Cadere
2025-11-14 18:00 - 2026-01-24 19:30
Lasciami cadere è un progetto di Daniele Spanò (Roma 1979) che indaga l’ambiguità delle immagini nell’epoca dell’ipertrofia digitale. Il progetto raccoglie ricerche e suggestioni degli ultimi due anni, focalizzandosi sull’immagine della caduta e sulla conseguente ricerca di fragili equilibri. L’artista mette in scena un percorso multimediale fatto di installazioni precarie: schermi, sculture e altri sistemi
effimeri si mostrano allo spettatore nella propria vulnerabilità, celando, come nel caso dei dispositivi emanatori di immagini, il loro contenuto principale. Le immagini non più visibili allo sguardo si tramutano in tracce luminose; sono – nelle parole dell’artista – “fantasmi che stentano a svelarsi, luci emanate da un corpo che non possiamo vedere”. Qui lo spettatore, privato della possibilità di riconoscere il contenuto della trasmissione, è costretto a fare affidamento su qualcosa che non conosce e non può esperire. Tale circostanza non differisce molto dal rapporto che intratteniamo quotidianamente con le immagini mediali: anche laddove i contenuti si mostrano nella loro apparente oggettività, siamo chiamati a interrogarci sulla loro veridicità e sugli effetti che la loro diffusione provoca su di noi. Le immagini odierne sono infatti spesso definite “operazionali”, contenuti concepiti da macchine per altre macchine, e come tali manipolabili tanto nei fatti quanto nelle intenzioni. La realtà diviene dunque un dispositivo instabile così come appaiono le delicate installazioni di Spanò. L’artista invoca l’azione della caduta come tentativo ultimo di sottrarsi alle complesse condizioni in cui versano le odierne narrazioni. Lasciami cadere è un invito a far cadere il velo delle certezze surrogate e a muoverci come funamboli tra gli intricati strati del reale.

Feel Rouge
2025-11-25 18:00 - 2025-12-04 15:00
Feel Rouge di Gemma R. Gonçalves da Silva a cura di Simona Micheli
Martedì 25 novembre 2025 alle ore 18.00 presso AgorArt Clivo Rutario 53 Roma
In occasione della Giornata Internazionale contro la Violenza sulle Donne, martedì 25 novembre 2025 ore 18.00, lo spazio espositivo AgorArt in Clivo Rutario 53 in Roma, ospiterà l’inaugurazione della mostra fotografica personale “Feel Rouge” dell’artista Gemma R. Gonçalves da Silva, curata da Simona Micheli direttrice creativa di FramLab.
La mostra, che durerà fino al 4 dicembre, fa parte delle iniziative ed eventi all’interno del Festival Eredità delle Donne ideato da Serena Dandini, che si svolgerà dal 21 al 25 novembre 2025.
Il festival è dedicato all’empowerment femminile che vuole raccontare la contemporaneità attraverso le sue protagoniste, per riscoprire il ruolo che le donne hanno avuto e continuano ad avere nei diversi campi del sapere e della società, e contribuire così al progresso e all’eredità che lasceremo alle generazioni future. Feel Rouge è una serie fotografica intensa e simbolica che mette in scena la tensione invisibile ma costante tra costrizione e connessione, tra prigionia e possibilità di liberazione. Protagoniste degli scatti sono donne di età e provenienze diverse, ritratte mentre interagiscono con corde rosse: segni tangibili di costrizione e silenzi imposti, ma anche fili che legano esperienze differenti in una rete di forza condivisa. Le corde escono dai fotogrammi per invadere lo spazio espositivo, trasformando l’allestimento in un intreccio fisico e metaforico che racconta la resistenza e la possibilità di riscatto. Ogni ritratto esplora una relazione diversa con la corda — chi la subisce, chi tenta di scioglierla, chi la trasforma — restituendo la complessità della resilienza femminile. La rete che si crea può imprigionare, ma se reinterpretata diventa alleanza, ascolto, presenza. Durante la mostra, le corde reali si estendono dalle immagini alle pareti e al soffitto, creando un ambiente immersivo che avvolge il pubblico in una rete visibile di connessioni, memorie e solidarietà. Feel Rouge è un invito a riflettere, sentire e agire, trasformando ciò che lega in ciò che libera. Il progetto nasce dalla collaborazione tra due donne che si sono incontrate per caso e riconosciute in una stessa visione: Gemma R. Gonçalves da Silva, fotografa, e Simona Micheli, direttrice dell’associazione culturale FramLab.
Alla realizzazione della mostra ha contribuito un gruppo di donne creative e motivate – Patty Volpe, Lucia Romolo e Daniela Zijno – che con passione e sensibilità ha intrecciato idee, energie e prospettive, dando vita a un progetto corale che celebra la forza della collaborazione e del sostegno reciproco.
Gemma R. Gonçalves da Silva Fotografa
Fotografa autodidatta con radici portoghesi, dal 2017 Gemma R. Gonçalves da Silva si dedica alla fotografia sociale, con una ricerca centrata sulle storie delle donne, l’identità e la resilienza. Dopo un percorso nella fotografia di viaggio e di performance, ha sviluppato progetti a forte impatto umano come Caradonna, La versione di Eva, Parola di Donna e Radici.
Le sue immagini, pubblicate su riviste internazionali come Ellements, Éclair, Shuba e Imirage, uniscono delicatezza e intensità, restituendo voce a ciò che spesso resta invisibile.
Simona Micheli direttrice di FramLab e curatrice d’arte
Simona, appassionata d’arte fin da giovane, ha fondato l’Associazione FramLab, nel luglio del 2019. FramLab è un’associazione culturale che nasce e opera sul territorio romano. L’obiettivo dell’associazione è quello di sensibilizzare gli “spettatori” a temi molto attuali, attraverso eventi, mostre, spettacoli culturali e momenti di aggregazione dove l’Arte in ogni sua forma è l’ospite d’onore.

CONEXIO - ceramiche raku di Mariagrazia Giustizieri
2025-11-27 18:30 - 2025-12-07 19:00
ART MARGINEM CONCEPT ROOM – Via Tobagi 13, Milano
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CONEXIO
Mostra di Ceramica Raku di MARIAGRAZIA GIUSTIZIERI
A cura di Luciano Bolzoni
27 novembre – 7 dicembre
Inaugurazione: 27 novembre, ore 18.30
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ART MARGINEM CONCEPT ROOM presenta *CONEXIO*, nuova tappa del ciclo “I Giovedì d’Arte”, una serie di appuntamenti dedicati alla valorizzazione della ricerca artistica contemporanea. L’iniziativa si inserisce nelle attività culturali di Art Marginem, associazione di artisti che, oltre al lavoro laboratoriale, promuove mostre, incontri e progetti capaci di generare connessioni tra creatività, territorio e comunità.
Le ceramiche raku di Mariagrazia Giustizieri uniscono gesto artistico e trasformazione naturale: il fuoco, l’aria e l’acqua modellano superfici vive, segnate da crepe, iridescenze e stratificazioni organiche. La sua esperienza di floriterapista introduce un’attenzione particolare ai processi di armonizzazione e metamorfosi, rendendo ogni opera un equilibrio tra fragilità e rigenerazione.
Ogni pezzo è unico, risultato di un dialogo aperto con la materia, e si presenta come un frammento di microcosmo capace di risuonare emotivamente con chi osserva.
Scrive Luciano Bolzoni nella presentazione:
La mostra propone un percorso immersivo nella materia raku, dove forma, energia e trasformazione dialogano con l’esperienza sensibile dell’osservatore.
Art Marginem conferma così la propria vocazione a essere luogo di sperimentazione, confronto e crescita condivisa.
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MARIAGRAZIA GIUSTIZIERI – CONEXIO
Mostra di Ceramica Raku
ART MARGINEM CONCEPT ROOM
Via Tobagi 13 (angolo via Olgiati) – Milano
27 novembre – 7 dicembre – ingresso libero
Inaugurazione: 27 novembre, ore 18.30
Interverrà: Luciano Bolzoni
Orari di apertura:
Lunedì – venerdì: 10:00–13:00 / 16:00–19:00
Sabato e domenica: su appuntamento
Contatti
Art Marginem: 329 2061102 – [artmarginem@hotmail.com]
Artista: 340 0676341 – [g85671368@gmail.com]

Mostra collettiva “From Pawn to Queen”
2025-11-28 18:00 - 2025-12-04 18:00
Dal 28 Novembre al 4 Dicembre 2025 Medina Art Gallery presenta la Mostra Collettiva “From Pawn to Queen” a cura di Ada Ferrandes, Melania Fusaro e Federica Guida, nella galleria di Via Angelo Poliziano 4-6 a Roma.
Opening event Venerdì 28 Novembre alle ore 18:00
Ferrandes Fusaro e Guida. Le tre curatrici sviluppano un racconto visivo e concettuale sull’ascesa, sulla strategia e sulla forza interiore di chi nasce ai margini ma rifiuta di restare una pedina.
“From Pawn to Queen” prende forma da una delle trasformazioni più radicali del gioco degli scacchi: il passaggio da pedone a regina. Un gesto che non è magia, non è privilegio, non è fortuna. È avanzamento, scelta, resistenza. È il movimento di chi cresce in spazi stretti, dove il cemento si fa pelle e il quartiere detta le regole prima ancora che si possa immaginare un futuro. È il passo di chi impara a muoversi non per restare nello stesso punto, ma per cambiare le condizioni stesse del gioco.…un inno alle strategie invisibili, ai sacrifici che ribaltano il destino, agli alleati che diventano parte del tuo regno, ai percorsi impossibili che da “P” conducono a “Q”, contro ogni pronostico. Perché chi viene dai margini non cerca un trono: lo costruisce. In mostra, opere che incarnano questa tensione: forme che avanzano, si spezzano, ricompongono traiettorie nuove; superfici che raccontano il peso dei confini e la forza di chi li attraversa. Ogni lavoro diventa mappa di un’evoluzione: da ruolo imposto a ruolo scelto, da pedina sacrificabile a regina che detta il proprio raggio d’azione.
“From Pawn to Queen” è più di un titolo: è una dichiarazione sulla potenza del movimento, sulla dignità dell’origine e sulla lucidità di chi impara a stare al mondo come in una scacchiera, attenta, strategica, disposta a perdere per avanzare, pronta a costruire il proprio impero un passo dopo l’altro.
Artisti in mostra: Mirko Argento |Ardo Borsari |Bosska |Silvia Cassetta| Angelica Sonia Cosi| Francesco Cristarella | Raffaele D’Anna | Valerio De Marco |Adriano De Simone |Noémie De Yturbe |Simona Dileo |Luana Di Sarno | Emerson | Laura Escobar |Mariam Fadlallah |Chiara Filardi |Valeria Frontone |Alexandru Ghindaoanu |Elijah Grannis |Ludovico Graziano |Carey Jeffries |Barbara Lelli |Veronica Manta |Pio Mars |Alessia Notarbartolo |Carlos Alberto Ruiz Valle| John Schonert| Tomás Salazar Suaza |Giovanna Serpico |Mariaconsiglia Stile |Bianca Stinchi
Informazioni pratiche:
Titolo: “From Pawn to Queen”
Dove: Medina Art Gallery, Via Angelo Poliziano 4-6,, Roma
Quando: Lun – Dom 10:00–13:00 / 15:00–19:00
Opening: venerdì 28 novembre 2025, ore 18:00

Soglie del visibile: Gaia Adducchio, Luisa Briganti, Simona Caprioli
2025-11-29 16:30 - 2026-01-10 19:30
Il giorno 29 novembre 2025 alle ore 16.30, la Galleria Zema presenta la mostra Soglie del visibile / Thresholds of the Visible con le opere fotografiche di Gaia Adducchio, Luisa Briganti, Simona Caprioli, a cura di Emanuela Zamparelli: tre ricerche che – scrive la curatrice – condividono una stessa tensione, riconnettere l’immagine al corpo, alla materia e al tempo, restituendo alla fotografia la sua essenza più profonda – quella di essere atto percettivo, forma di contatto, esperienza sensibile del mondo.
«C’è un punto fragile e luminoso in cui la fotografia smette di essere mera rappresentazione e diventa esperienza. È in questo spazio interiore che si incontrano i percorsi di Gaia Adducchio, Luisa Briganti e Simona Caprioli: tre sguardi che, attraverso linguaggi differenti, esplorano la possibilità di rendere visibile la propria visione e di restituire al corpo e alla materia la loro voce silenziosa. Le loro opere non descrivono il mondo: lo attraversano con sensibilità. Ogni immagine è una soglia in cui la realtà si trasforma in percezione, il corpo in linguaggio, la luce in materia viva. È in questa partecipazione profonda che si collocano i loro sguardi, nella capacità di far emergere ciò che vibra sotto la superficie, di toccare attraverso lo sguardo.
Nelle polaroid di Gaia Adducchio, la fotografia si libera dalla rappresentazione e diventa gesto, colore, respiro. L’emulsione si muove come sostanza organica, generando forme che sembrano affiorare da una memoria ancestrale. È un atto di fiducia nella materia e nel suo potere trasformativo.
Le immagini di Luisa Briganti sono attraversate dal ritmo del corpo. La danza infrange la staticità e apre un varco nel tempo. Il desiderio si fa movimento, la pelle diventa linguaggio. Nei suoi scatti, la fotografia non congela: prolunga, trattiene, fa vibrare l’attimo fino a renderlo eterno.
Con Simona Caprioli, lo sguardo si fa passo lento e contemplazione. Le sue immagini in bianco e nero si muovono tra luce e ombra, presenza e dissolvenza. È un cammino visivo che esplora la soglia tra reale e immaginato, tra spazio e memoria, fino a trasformare il paesaggio in eco interiore.»  (dal testo critico di Emanuela Zamparelli)
BIOGRAFIE
Gaia Adducchio è nata nel 1979 a Roma, dove vive e lavora. Dopo aver studiato regia alla Scuola Nazionale di Cinema di Praga (FAMU) e aver conseguito premi e finanziamenti per lavori di finzione e documentaristici, dal 2015 si dedica alla fotografia, vincendo una residenza artistica presso il prestigioso CSF Adams di Roma dove realizza il suo primo progetto fotografico analogico, Ritratti di famiglia, che debutta al Prague Photo 2016. Da allora i suoi lavori, caratterizzati dalla continua sperimentazione tecnica e poetica, sono coinvolti in numerose mostre personali e collettive e riscuotono notevole apprezzamento a livello nazionale e internazionale. Da aprile 2023 è Membre Sociétaire de la Société du Salon d’Automne di Parigi.
Luisa Briganti è fotografa, curatrice e direttrice didattica del Centro Sperimentale di Fotografia Adams (CSF Adams); opera nel campo della fotografia da oltre trent’anni. Ha esposto in Italia e all’estero; tra le principali esposizioni: la mostra Assolo metropolitano (Università di Pechino, 2004) e I luoghi della memoria – omaggio a Pier Paolo Pasolini (Festival Internazionale di Fotografia di Roma, 2006). Ha curato per dieci anni cascinafarsettiArt – fotografia e non solo e, dal 2016, collabora con il festival Prague Photo. Nel 2019 ha presentato la prima personale internazionale presso la Ph21 Gallery di Budapest. È stata photo editor per reWriter (2021–2024) e tra gli ideatori di Cosmo Photo Fest (2023).
Simona Caprioli, classe 1984, pugliese di origine, si trasferisce a Torino per studiare Economia Aziendale. Si appassiona alla fotografa in età già adulta e frequenta una scuola di fotografia, il centro sperimentale di fotografia con sede a Roma dal 2019 al 2022. Inizia ad esporre in Italia e successivamente in Europa. Lavora con diverse gallerie. I suoi lavori sono esposti nella Galleria “Ira Leonis”, ad Arles, in Francia, che vanta tra gli altri, prestigiose opere di Nan Goldin, Sarah Moon e Man Ray.
Galleria Zema. Fondata a Roma il 6 marzo del 2025 da Emanuela Zamparelli, la Galleria ZEMA è uno spazio indipendente dedicato esclusivamente all’esposizione e promozione dei lavori di artiste donne, e in particolare della fotografia contemporanea femminile. La galleria rappresenta fotografe italiane e internazionali, accomunate da uno sguardo autonomo, critico e consapevole sul presente, e diverso da altri sguardi. Attraverso un programma espositivo che intreccia ricerca artistica, impegno sociale e riflessione culturale, la galleria si propone come luogo di visibilità e ascolto, dove il corpo, l’identità, la memoria e il conflitto diventano temi da indagare per dare nuova forma e contenuto al vissuto e alla memoria, alla ribellione e all’intimità. ZEMA non è solo una galleria, ma un progetto curatoriale, uno spazio vivo in cui la fotografia si fa linguaggio, relazione e resistenza

Poesie da indossare
2025-11-29 18:00 - 2025-12-05 20:00
COMUNICATO STAMPA – SottoSopra Art Studio
“Poesie da indossare”
A cura di Mitra Bostani
Dal 29 novembre al 5 dicembre 2025
Vernissage: 29 novembre ore 18.00
Luogo: SottoSopra Art Studio – Via Ardea 10, Roma (San Giovanni)
Ingresso libero
Dalla poesia al tessuto: la mia narrazione della storia dei bottoni e delle cuciture
La mostra, ospitata presso SottoSopra Art Studio, è realizzata per l’occasione in collaborazione con Hamid Zare.
A cura di Mitra Bostani
Fin dall’infanzia, la letteratura e l’arte sono state parti inseparabili della vita di Mitra Bostani. Figlia di un appassionato di poesia e misticismo, spesso immerso nei versi di Hafez e di altri grandi poeti persiani, e di una madre stilista e sarta, Bostani è cresciuta in un universo in cui le parole si intrecciavano con i fili, e la poesia respirava accanto ai motivi e alle texture dei tessuti.
Il suo percorso artistico si è evoluto dal mondo della pittura al design di moda, fino ad abbracciare progetti interdisciplinari che uniscono arte visiva, tessile e letteratura.
Per Bostani, l’arte è sempre stata un ponte, un luogo d’incontro tra culture, linguaggi e discipline.
Il progetto “The History of Buttons and Stitches”
Dopo il trasferimento in Germania, Mitra Bostani ha dato vita a un laboratorio online per riunire artisti iraniani sparsi in tutto il mondo. Da questa esperienza è nato “The History of Buttons and Stitches”, un progetto durato un anno e ispirato alla poesia di Johann Wolfgang von Goethe e alla sua raccolta Divano Occidentale-Orientale — opera influenzata a sua volta dai versi di Hafez, il grande poeta persiano.
In questo dialogo poetico e culturale tra Oriente e Occidente, designer di moda, artisti tessili e creatori di gioielli hanno collaborato per realizzare cappotti unici, ognuno dei quali racconta una storia, intrecciando identità, memoria e arte.
Ogni capo è il frutto del lavoro di tre artisti: un designer, un artista tessile e un creatore di bottoni, la cui ricerca spazia tra sensibilità scultorea e orafa.
L’intero progetto è stato coordinato a distanza, attraverso incontri virtuali e scambi creativi, dimostrando come l’arte possa superare confini geografici e culturali per generare nuove forme di bellezza condivisa.
Collaborazioni e riconoscimenti
“Poesia da indossare” rappresenta il terzo progetto interdisciplinare di Mitra Bostani in Germania, realizzato in collaborazione con la Weser Art Gallery e con il prezioso supporto del suo direttore, Helmuth Gaber, il cui contributo è stato fondamentale per la visibilità e la crescita del progetto.
Le artiste e gli artisti coinvolti:
Ali Karimi · Banafsheh Izadi · Bita Fazli · Elham Kargar · Farnaz Taleblou · Fereshteh Montaseri · Golnaz Jafari · Hoda Molana · Houra Sanchouli · Maedeh Mohammadian Amiri · Fatemeh (Mahtab) Bahrami Bakhtiari · Mana Moshtaghian · Mandana Rouzkhosh · Maryam Azad · Marzieh (Mina) Zakerizadeh · Masoumeh Jahanbin Shalkouhi · Masood Vaziri · Mersedeh Heydari · Mina Sadat Rafati · Mitra Bostani · Moeinehossadat Hejazi · Mojdeh Mohammadi · Mozhgan Bostani · Mozhgan Navi · Najmeh Lameh Jouybari · Nazanin Farsian · Negar Fallahi · Niloofar Rastkhizsaroukolaei · Parand Chamanara · Parivash Riahi Moghaddam · Reihaneh Babaie · Reihane Ghazian · Rosetta Hosseinipour · Sedigheh Ghafourizadeh · Shiva Rezaee · Sima Seyedzadeh · Somaye Shojaei (Raya) · Tahere Ebrahimi Basab
Informazioni sulla mostra
■ Date: 29 novembre – 5 dicembre 2025
■ Orari di apertura:
Mercoledì – Domenica: 16.00 – 20.00 Domenica anche la mattina 10.30 – 13.30
Sabato: 18.00 – 21.00
■ Luogo: SottoSopra Art Studio
Via Ardea 10, Roma (San Giovanni)
■ Email: sottosopraartstudio@hotmail.com
■ Telefono: +39 351 757 2311
Ingresso libero

Mostra d'Arte del Piccolo Formato
2025-12-04 09:00 - 2025-12-11 15:00
Mostra del Piccolo Formato all’Hotel Morin a Roma
Il 6 Dicembre alle 18,00 all’Hotel Morin 10 Rome Exclusive Suites Prati, sito in Via Costantino Morin 10 a Roma, s’inaugura il consueto appuntamento con l’arte.
Numerosi Artisti hanno aderito all’invito della curatrice Maria Cristina Lucidi, nota anche con lo pseudonimo di Cristina Lucidi Art, dando vita ad una collettiva d’arte dedicata alle Opere dal piccolo formato dal 5 all’11 dicembre 2025. La mostra, dal titolo omonimo (Piccolo Formato) sarà allietata da un’altra tipologia di arte, ovvero quella della creazione vinicola, rappresentata dell’Azienda “CHESSA”, eccellenza del territorio sardo, pronta a solleticare gradevolmente il palato del pubblico: Maurizio Campaiola presenterà la nota Azienda Vitivinicola Sarda e ci delizierà con calici vellutati il giorno del Vernissage, presentando tre noti vitigni sardi tra Opere d’autore ed aromi avvolgenti, come accennato all’inizio, il giorno dell’inaugurazione, il 6 dicembre alle ore 18:00.
La mostra resterà aperta al pubblico tutti i giorni, con entrata libera, fino all’11 Dicembre 2025, tranne i festivi, dalle ore 9:00 alle ore 15:00.
Lungi dal rappresentare un fenomeno recente, il piccolo formato ha una lunghissima tradizione nell’arte: ad essa appartengono, ad esempio, capolavori come l’autoritratto di Raffaello, alcuni preziosi camei di Leonardo da Vinci ed ancora di Caravaggio, Canaletto, Monet, Goya, Van Gogh, Utrillo, De Chirico, Warhol e tantissimi altri famosi Artisti di ogni tempo.
La contenuta grandezza delle Opere si prestava a diversi scopi: di per sé era certamente una sfida tecnica allettante, mentre la dimensione diveniva altresì occasione per dimostrare, a committenti e pubblico, la straordinaria perizia di particolari di cui erano dotati senza dimenticare, in ultima istanza, la scelta di riservarla a temi più intimamente sentiti.
Ovviamente, dal punto di vista commerciale, Opere più piccole hanno l’innegabile vantaggio di poter divenire un regalo originale, (soprattutto in questo periodo) prezioso ed insieme perpetuo, fruibile con un esborso iniziale molto contenuto ma, nel contempo, passibile di trasformarsi in futuro in un bene il cui valore potrebbe notevolmente lievitare: un aspetto, quest’ultimo che può facilmente tramutarsi in realtà poiché le Opere, come ogni collettiva che si rispetti, non solo sono rappresentative di stili e correnti diverse, ma bensì appartengono ad autori estremamente validi nel panorama artistico contemporaneo, molto attivi nella fervente realtà artistica romana, con i quali Maria Cristina Lucidi condivide appieno passione per l’arte, impegno e partecipazione a diverse mostre a Roma.
Ventitre’ gli Artisti in mostra, sia italiani che esteri:
Julia Antsis
Valentina Barbera
Anna Maria Batignani
Francesca Bellini
Brida Germana Bruna
Andreina Ciaglia
Maria De Bartolis
Manuela De Perna
Feliciana Di Spirito
Stefano Donato
Sherry Farsad
Loredana Giannotti
Graziano Graziani
Enrico Irrera
Francesca Laganà
Maria Cristina Lucidi
Luigi Mignolli
Alena Panchishin
Angela Pietropaoli
Silvia Proietti
Salvatore Sapienza
Massimo Sette
Freddy Toledo
La presentazione dell’evento è stata assegnata ad un critico d’eccezione come Domenico Briguglio, regista, autore, referente culturale di testate giornalistiche, altro Artista noto per le originalissime performances critiche che “narrano” le Opere, ne evidenziano tratti per lo più invisibili agli spettatori, esplorando la visione del mondo, le motivazioni consce ed inconsce, pulsioni e speranze di chi le ha create: tutti elementi che soddisfano gli aneliti di chi esprime sé stesso ed il proprio messaggio in una creazione artistica.
Eccellenze dell’arte dunque che si coniugheranno all’arte del buon vino: come nei migliori auspici, il sodalizio così creato (artisti, proprietà, curatrice, critico e eccellenza vinicola) si ripropone, in tutta la sua valenza, come ulteriore tassello destinato a porre l’Hotel Morin 10 Rome Exclusive Suites Prati tra le più acclarate realtà di prestigio nell’ambito dell’arte contemporanea.
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Contatti: cristinalucidiart@gmail.com
Info: 339 3441472

Antonio Tropiano - Ad Vacuum
2025-12-04 18:00 - 2026-01-23 21:00
ANTONIO TROPIANO
AD VACUUM
A cura di Alberto Dambruoso
Inaugurazione 4 dicembre 2025 ore 18.00
PROSA_contemporanea
Via Marin Sanudo 24 – Roma
Fino al 23 gennaio 2026
Il giorno 4 dicembre 2025 alle ore 18.00 PROSA_contemporanea presenta la mostra personale Ad Vacuum di Antonio Tropiano a cura di Alberto Dambruoso: in esposizione 7 sculture che fondono etica ed estetica, pensieri e riflessioni profonde sull’uomo e sulla società in cui oggi viviamo.
Infatti, come scrive Alberto Dambruoso: «Le opere nascono tutte dal concetto greco di “symbolon” (che significa mettere insieme le cose, tenerle unite), e diventano metafore della condizione esistenziale dell’uomo e più in generale del mondo e della società in cui viviamo. Il ricorso ad una forma di linguaggio (simbolo) che unisce il visibile all’invisibile è quindi uno dei tratti caratteristici del suo modus operandi. Questo aspetto, legato al linguaggio metaforico, va messo in relazione anche ai trascorsi di Tropiano, che ha avuto una formazione da filologo medievale e rinascimentale, avvezzo quindi a scovare i significati più reconditi e finanche segreti, celati nei manoscritti antichi. Una delle chiavi d’accesso alle sue opere si trova nei titoli che Tropiano dà alle sue sculture. In principio è dunque il verbo, il punto di partenza dal quale muove la sua ricerca. È la curiosità di scoprire l’origine dei diversi lemmi, dei detti popolari, delle lingue antiche che hanno, fin dalla tenera età, interessato l’artista. “È dalle parole che parto” – afferma lo scultore – “quando do abbrivio ad una scultura: negli interstizi del termine rintraccio infatti quella modulazione dei significati, quel tessuto connettivo concettuale che informa la figura scelta”.
Ad Vacuum (Verso il vuoto) il titolo che Tropiano ha dato alla sua mostra, intende riflettere la sua concezione del fare scultura. Per millenni, sostiene l’artista, l’uomo si è domandato se in natura potesse esistere il vuoto e di cosa fosse non-composto. Secondo Tropiano il vuoto non è assenza di materia o mancanza di esistenza come sosteneva Aristotele ma, al contrario, è il luogo dove tutto è contenuto, dove ogni cosa ha la possibilità di incontrare qualsiasi altra e mutare assieme ad essa, divenendo così, secondo una felice locuzione trovata dall’artista, “il nascondiglio dell’eventuale”. Nell’immaginario comune, dice Tropiano, la vacuità è sinonimo di inutilità, di mancanza di significato e di funzione; e una cosa è “a vuoto” quando non corrisponde alla sua finalità o, peggio, non qualifica la sua esistenza. “Nella scultura” – afferma Tropiano – “le cose sono assai differenti: lavorando “per levare” la figura che rimane rappresenta senz’altro il pieno (statua/statuere= collocare, occupare uno spazio), mentre le schegge che cadono sotto i colpi dello scalpello sono la vera carne del vuoto: perché contengono in sé tutte le figure che non sono state scelte dall’artista (nelle quali sarebbero state invece il ‘pieno’ o come si dice in gergo il ‘buono’). Se ne deduce quindi che il vuoto per uno scultore è quel luogo delle cose in cui tutto esiste per compiere la libertà del suo gesto”.»
BIOGRAFIE
Antonio Tropiano. Nato in Calabria nel 1976, vive e lavora tra Roma e S. Caterina dello Ionio (CZ). Compie i suoi studi tra Bologna e Firenze, dove prosegue le sue ricerche nel campo della filologia medievale e rinascimentale. Collabora con una nota casa editrice come saggista nel campo della storia dell’arte e delle lettere umanistiche. Fin da ragazzo mostra una certa predilezione per la creazione plastica e per la naturale versatilità del legno, che proprio nella scultura sembrano trovare il giusto grado di conciliazione. Sotto l’impulso di un’assidua ricerca linguistica, mette a punto una cifra stilistica personale, capace di operare una sintesi tra l’ispirazione metaforica di matrice letteraria e la resa figurativa di una fenomenologia dell’agire umano. Ha avviato da tempo un’accorta attività espositiva, partecipando a numerose collettive e tenendo mostre personali con installazioni site-specific in diverse sedi italiane, come il Castello Estense di Ferrara, Spazio Mondadori a Venezia, il Milano Art Galley Pavilion sempre a Venezia o il Palazzo San Bernardino a Rossano (CS); oltre al Borgo Ferri e alla Torre S. Antonio di S. Caterina dello Ionio. Nel 2022 il Museo Marca di Catanzaro gli ha dedicato un’importante mostra personale curata da Alessandro Romanini; collabora, inoltre, con diverse gallerie d’arte contemporanea.
PROSA_contemporanea è un progetto di PROSA_studiolab ideato da Valeria Palermo, Amelia Roccatelli e Stefano Salvi. Nato dal recupero di una ex pasticceria, PROSA ospita uno studio di architettura, un luogo di lavoro condiviso, uno spazio espositivo con l’intenzione di aprirsi alla ricerca contemporanea sul confine tra arte e design.
INFO
ANTONIO TROPIANO
AD VACUUM A cura di Alberto Dambruoso
Inaugurazione 4 dicembre 2025 ore 18.00
Fino al 23 gennaio 2026
Orari: dal martedì al venerdì 16.00 – 19.00; sabato su appuntamento. Ingresso libero.
PROSA_contemporanea
Via Marin Sanudo 24 – Roma
prosa.studiolab@gmail.com instagram prosa_studiolab – prosa_contemporanea
tel. 338 4858 398
Ufficio Stampa
Roberta Melasecca Melasecca PressOffice – blowart
tel 3494945612 – roberta.melasecca@gmail.com
cartella stampa su www.melaseccapressoffice.it

SPERANZA
2025-12-05 18:00 - 2025-12-11 19:00
L’Associazione Culturale “Il Salotto di Diotima” ha organizzato la mostra collettiva di arte contemporanea dal titolo “SPERANZA”, che si terrà presso la Galleria Consorti, in Via Margutta 52/a, Roma dal 6 all’11 dicembre p.v. con orario di apertura 11.00/13.00 e 17.00/19.00.
SPERANZA, parola chiave. Un concetto che diventa immagine nelle opere di undici artisti. Pluralità di pensiero e di approcci in un variegato percorso visivo dove chi guarda potrà cogliere suggestioni e raccogliere il suo seme di speranza.
Il vernissage è previsto per il giorno venerdì 5 dicembre alle ore 18.00.
L’esposizione, che riunisce artisti provenienti da diverse esperienze e linguaggi espressivi, si propone di indagare e valorizzare il tema della speranza come forza creativa, come impulso alla rinascita e come motore di trasformazione individuale e collettiva. Le opere in mostra offriranno un percorso eterogeneo ma armonico, capace di stimolare riflessioni profonde attraverso le discipline artistiche.
Le opere esposte sono di:
– Anna Maria Bagnato
– Gabriella Cannata
– Giovanna Cataldo
– Patrizia De Giovanni
– Adele Ercolano
– Anahita Kousha
– Ruggero Lenci
– Matilde Mancini
– Alessandra Pediconi
– Lilli Rizzuto
– Carmen Tubío
Contestualmente è stata organizzata una serie di eventi come segue:
– Domenica 7 dicembre h 17.30 STORIE DI SPERANZA con Simona Anedda
– Mercoledì 10 dicembre h 17.30 STORIE DI SPERANZA con Eleanna Guglielmi
– Martedì 9 dicembre h. 17.30 STORIE DI SPERANZA con Angela Damiana Andrulli
– Giovedì 11 dicembre h 17.30 finissage con Maria Vittoria Marini Clarelli
info: ilsalottodidiotima@gmail.com

OPENING: ROME INTERNATIONAL ART FAIR 2025
2025-12-05 18:00 - 2025-12-18 19:00
ROME INTERNATIONAL ART FAIR 2025 – 17ª EDIZIONE
5 – 18 Dicembre, 2025
Medina Art Gallery, Roma
ITSLIQUID Group è lieta di annunciare l’inaugurazione della 17ª edizione di ROME INTERNATIONAL ART FAIR 2025, mostra internazionale dedicata alla fotografia, pittura, video arte, installazione/scultura e performance. L’esposizione aprirà al pubblico il 5 dicembre 2025 alle ore 18:00 presso la Medina Art Gallery di Roma e resterà visitabile fino al 18 dicembre 2025.
ROME INTERNATIONAL ART FAIR 2025 analizza il rapporto tra corpo e spazio e il processo di ibridazione tra identità e contesti culturali, fisici, sociali e urbani nella contemporaneità, attraverso due sezioni principali: MIXING IDENTITIES e FUTURE LANDSCAPES.
MIXING IDENTITIES indaga le parti nascoste delle nostre identità attraverso un’esperienza immersiva all’interno dell’affascinante universo dei complessi labirinti della coscienza. Il corpo umano è un sistema in continuo mutamento che ci connette ad altri corpi e spazi per percepire la realtà che ci circonda; un potente sistema di comunicazione dotato di un linguaggio proprio e di infinite possibilità espressive.
FUTURE LANDSCAPES si configurano come paesaggi astratti, infiniti e concettuali, associati a un senso di libertà e di estensione illimitata. Principalmente esperiti a livello mentale, gli spazi ridefiniscono i loro confini e le loro strutture, trasformando le superfici in un flusso aperto di idee pure. Questa sezione si concentra sul concetto di limite e sulle strutture tra corpo, mente e anima, tra identità umana e città, tra spazio e suolo.
Attraverso pratiche artistiche eterogenee, oltre quaranta artisti selezionati provenienti da tutto il mondo incarnano i temi centrali della ROME INTERNATIONAL ART FAIR 2025, offrendo ciascuno una prospettiva unica sull’evoluzione del rapporto tra corpo, identità e spazio.
Dalla Turchia, Cenk Akaltun attinge alla sua formazione nella serigrafia e nel graphic design per sviluppare un linguaggio pittorico organico e processuale, ispirato al simbolismo spirituale dell’acqua. La sua fluidità, la fusione cromatica e il duplice ruolo vitale e distruttivo generano composizioni che si comportano come organismi viventi, evocando ecosistemi che spaziano dal microscopico alla scala urbana. Ogni dipinto si configura come una struttura spirituale unitaria, in cui i singoli elementi acquisiscono significato solo attraverso la loro connessione con il tutto.
Con un percorso simile ma risultati differenti, Steffen Wagner, artista e graphic designer con base a Berlino, fonde la tipografia con un’estetica minimalista raffinata. Radicata nel disegno, la sua pratica si è evoluta in una profonda indagine sulle forme delle lettere e sul loro potenziale espressivo. Attraverso poster, schizzi e sistemi tipografici sperimentali, Wagner ricerca chiarezza, ritmo e impatto emotivo, trattando il design visivo come uno strumento di dialogo ed empowerment, affermando la creatività come forza senza confini.
La pratica fotografica di Xu Kangyi nasce come un modo istintivo per preservare momenti fugaci carichi di emozione silenziosa: muovendosi tra Macao e Boston, l’artista predilige silhouette, luce naturale e composizioni delicate in cui la quiete rivela la vulnerabilità umana. Spesso ritraendo figure solitarie o sottili interazioni tra sconosciuti, le sue immagini esplorano l’identità come entità fluida, modellata dalla memoria e dal luogo. Piuttosto che isolare i soggetti, li integra con ombre, riflessi e spazi architettonici, invitando lo spettatore a ritrovare echi delle proprie esperienze.
Guidata dalla convinzione che tutto nella vita sia interconnesso, Mirela Lesneanu indaga i parallelismi tra corpi umani e strutture organiche attraverso collage, incisione, inchiostro, acrilico e fotografia, riflettendo sul simbolismo arcaico della natura, sui cicli di morte e rinascita e sulla credenza nella sensibilità degli alberi. Le sue composizioni stratificate conducono il pubblico oltre l’apparenza, riscoprendo un legame primordiale con il mondo naturale e trasformando la riflessione personale in una meditazione universale sul senso di appartenenza.
In questo contesto, Roma si configura ancora una volta come interlocutore attivo tra le sue sale affrescate, ricche di secoli di memoria culturale, amplificando il potere narrativo delle opere contemporanee in mostra. In questa cornice, la pratica di Artur Mirzoyan risuona con particolare intensità, coniugando la rigorosa tecnica accademica con l’immediatezza di un fotogramma cinematografico, attraverso cui rielabora motivi simbolici dell’arte classica europea. Mediante silhouette precise, contorni morbidi e una palette cromatica profonda e articolata, spesso arricchita da dorature, le sue composizioni svelano il dramma racchiuso in un singolo istante, sospeso tra movimento e immobilità, espandendo il linguaggio della pittura classica e aprendo nuove vie alla narrazione visiva.
INAUGURAZIONE
5 dicembre 2025 | ore 18:00
Medina Art Gallery | Roma, Italia
Via Angelo Poliziano 32-34, 4-6
Orari di apertura | Lunedì – Domenica. 10:00 – 13:00 e 15:00 – 19:00

Natale In Arte, i Cento Pittori Via Margutta arrivano a Piazza Testaccio
2025-12-06 10:00 - 2025-12-08 20:00
La storica Associazione Cento Pittori Via Margutta debutta per la prima volta a Testaccio, con la mostra diffusa “Natale In Arte” dal 6 all’8 dicembre 2025, a Piazza Testaccio, in uno dei quartieri più caratteristici, storici e autentici di Roma.
Al classico “taglio del nastro della manifestazione” il 6 dicembre alle ore 16.00 saranno presenti, la Presidente dell’Assemblea Capitolina Svetlana Celli e il Presidente della Commissione VII Patrimonio e Politiche Abitative di Roma Capitale, Yuri Trombetti.
Conosciuto per la sua ricca tradizione popolare, il suo ambiente vivace e la forte identità legata alla storia e alla cultura romana, questo quartiere rappresenta un vero gioiello nascosto nel cuore della Città Eterna.
L’Associazione Cento Pittori Via Margutta ha scelto questo quartiere per onorare il cuore di Roma e la sua storia nel periodo natalizio. Dopo oltre 70 anni di attività, è stata organizzata una importante manifestazione artistica in Piazza Testaccio, cuore pulsante del quartiere. Una tre giorni di arte pubblica che ben si sposa con le caratteristiche uniche di questa Piazza e della sua comunità.
Passeggiando nella splendida piazza, il pubblico sarà accolto da un susseguirsi di opere d’arte che raccontano storie, emozioni e vissuti a tema Natale e non solo che potranno essere ammirate dal pubblico sulle classiche e storiche strutture espositive, costituite da un cavalletto sormontato da ombrellone.
I visitatori avranno l’opportunità di dialogare e confrontarsi con i protagonisti di questa manifestazione, nei tre giorni della manifestazione dalle 10 alle 20.

Testaccio è da sempre un quartiere di tradizione e gastronomia ma è anche un quartiere che si rinnova, al passo con i tempi, dove antico e moderno dialogano amabilmente. Il quartiere mantiene ancora il suo carattere originale con trattorie tipiche, pub accoglienti e locali storici frequentati dai romani e dai visitatori, alla ricerca di un’esperienza genuina e autentica. Le sue strade rappresentano un vero e proprio museo a cielo aperto, dove l’artigianato, la cucina e l’arte si intrecciano quotidianamente.
Testaccio è anche sede di grandi eventi, concerti e manifestazioni culturali, grazie alla sua viva atmosfera e alla forte comunità artistica.
Ed è per questo che i Cento Pittori Via Margutta hanno scelto Piazza Testaccio, per la sua valenza artistica e culturale, per la sua indubbia vitalità e veracità.
Tutto questo è stato reso possibile grazie al prezioso contributo del Presidente dei Cento Pittori Antonio Servillo, del Vice Presidente dei Paola Minissale, del segretario particolare Maurizio Baiocchini e dei Consiglieri Silvano Fabrizio, Angelo Colazingari, Roberto Fantini, Pino Tersigni e di Maria Cristina Lucidi.
Durante l’inaugurazione verrà conferito il Premio alla Carriera e la carica di Socio Onorario all’artista Alfiero De Dominicis, che con i suoi meriti artistici ha contribuito alla valorizzazione dell’Associazione.
Natale in Arte
I Cento Pittori Via Margutta a Piazza Testaccio
Piazza Testaccio
6-7-8 dicembre 2025 dalle 10 alle 20

Angels, la mostra personale di Cinzia Cotellessa
2025-12-10 18:00 - 2026-01-07 19:00
La Galleria d’Arte Studio CiCo è lieta di annunciare l’inaugurazione della mostra “ANGELS”, personale di Cinzia Cotellessa, che aprirà al pubblico mercoledì 10 dicembre 2025 alle ore 18.00 e sarà visitabile fino al 7 gennaio 2026. La presentazione sarà affidata al critico d’arte Piero Zanetov, mentre la curatela è della stessa artista.
Gli angeli, tema della mostra
La mostra affonda le sue radici in una riflessione sul ruolo universale degli Angeli nella storia delle religioni e dell’immaginario umano. Queste figure, spesso relegate nella tradizione iconografica a semplici comparse nelle scene sacre, acquistano qui una piena centralità, tornando a essere messaggeri del Divino e ponte tra cielo e terra. L’obiettivo dell’esposizione è quello di riportare in luce un retaggio ancestrale condiviso, sottolineando un tema che appartiene a tutta l’umanità e che in questo momento storico richiama con forza valori come pace, unione e armonia.
Un cerchio che inizia e torna a Roma
L’immagine guida della mostra – due putti immersi in un paesaggio sospeso tra sogno e luce – anticipa l’atmosfera che caratterizza l’intero percorso espositivo, popolato da angeli, cherubini e figure impalpabili che evocano dimensioni eteree, oniriche, spirituali. Come ha ricordato lo storico dell’arte e conduttore televisivo italiano
Claudio Strinati, già presentatore dell’artista nella storica esposizione a Castel Sant’Angelo:
«Una sorta di quintessenza promanante dalla figura angelica per diventare simbolo di qualcosa che va oltre l’apparenza immediata, assumendo le sembianze di una metafora di pace, bellezza e benessere sospesa in una dimensione onirica».
La mostra, già presentata in diverse sedi internazionali, ritorna simbolicamente a Roma, dove ebbe origine anni fa presso Castel Sant’Angelo. L’esposizione comprende circa 100 opere, tra sanguigne e dipinti a olio, in cui la figura angelica viene esplorata nelle sue declinazioni più intime e potenti.
Cinzia Cotellessa: l’artista in mostra e il suo percorso
Nel percorso espositivo anche le opere della gallerista e artista Cinzia Cotellessa, da decenni attiva a Roma, dove ha compiuto gli studi artistici al Liceo S. Orsola e all’Accademia di Moda e Costume. La sua carriera inizia precocemente: a soli 13 anni espone le prime opere e nel 1981 partecipa con le sue chine al Festival dei Due Mondi di Spoleto. Il suo stile figurativo simbolico è influenzato dai preraffaelliti, alternando nudi sensuali a figure angeliche eteree, realizzate attraverso tecniche antiche come la sanguigna e la tempera. Cotellessa ha esposto in Europa, Nord e Sud America, Medio Oriente e in Vaticano. Tra le tappe più significative della sua carriera si ricorda la mostra del 2008 a Castel Sant’Angelo, presentata dal Prof. Strinati. Dal 2004 l’artista affianca alla pittura un percorso di sperimentazione contemporanea legato alla Cracking Art e all’ecologia, per poi tornare nel 2011 al figurativo con una serie dedicata ai pet, in una mostra pionieristica «in cui – ricorda l’artista – gli animali furono ospiti d’onore»
Le altre opere e gli altri artisti in mostra
Accanto alle opere di Cotellessa, la mostra ospiterà lavori di artisti che hanno voluto omaggiarne la personale: Bacci, Borrelli, Gallegati, Maresti, Natale, Pietrangeli e Virgili.
Saranno inoltre presentate palle di Natale dipinte a mano da artisti amici dell’autrice, proposte come oggetti unici e preziosi per le festività imminenti.
L’inaugurazione, con apericena alle ore 18.00, si terrà presso la sede della Galleria d’Arte Studio CiCo in via Gallese a Roma.

Luci e colori nell’arte. La pittura europea tra ‘800 e ‘900
2025-12-11 18:00 - 2026-01-30 18:00
La galleria Antonacci Lapiccirella Fine Art presenta “Luci e colori nell’arte. La pittura europea tra ’800 e ’900”, un percorso espositivo che inaugura giovedì 11 dicembre e sarà visitabile fino al 30 gennaio.
La mostra propone una riflessione sul ruolo fondativo che luce e colore hanno assunto nella pittura europea tra la metà dell’Ottocento e i primi decenni del Novecento, un periodo in cui la visione dell’artista muta radicalmente sotto la spinta di nuove poetiche, ricerche scientifiche e dal mutare dell’ambiente sociale.
È un racconto per immagini, in cui la luce incontra il colore dando forma a un dialogo continuo fatto di suggestioni e visioni sempre nuove. Il percorso espositivo attraversa sensibilità diverse: dalla luce sublime di Jean Achille Benouville alla radicale sintesi cromatica in un’alba astratta di Guido Marussig insieme alle sofisticate declinazioni simboliste di un chiaro di luna di Gustaf Fjaestad; dalle ricerche cromatiche di primo Novecento in un tramonto di Walter Gasch a un crepuscolo nordico di Oskar Bergman che rivela come il colore possa farsi misura dell’interiorità.
In questo itinerario, le opere selezionate dialogano tra loro come tappe di una stessa, ampia meditazione sulla percezione della luce e del colore, che ora smettono di essere meri strumenti descrittivi per assumere un ruolo concettuale, emotivo e spesso persino simbolico.
Sulle tele si susseguono armonie e bagliori, tonalità e sfumature, rivelando come ogni artista abbia saputo cogliere la vibrazione unica che nasce dal loro incontro.

ECCHECAZZO (rispettiamo almeno la Madonna)
2025-12-14 12:00 - 20:00
Fondazione VOLUME! presenta ECCHECCAZZO (rispettiamo almeno la Madonna), il nuovo progetto di Carlo De Meo, che inaugura domenica 14 dicembre 2025, segnando simbolicamente la chiusura del 2025 e l’apertura del 2026 con un’opera di forte impatto visivo e concettuale. L’origine del lavoro nasce da una visione urbana: una piccola edicola sacra con la Madonna, dissacrata da alcuni scarabocchi e sotto una frase incisa su una targhetta – rispettiamo almeno la Madonna. Una scritta a pennarello aggiunta in seguito che urla ECCHECCAZZO, un’immagine che diventa contraddizione e cortocircuito morale nel momento cui viene cancellata. Un perfetto politicamente scorretto che tenta di difendere un’idea di purezza ormai svuotata. Una denuncia sincera della perdita di rispetto, empatia e potere simbolico delle figure. Carlo De Meo (Maranola, 1966) realizza più di 300 figure in fiamme: personaggi noti e anonimi, idoli di bambini e adulti, santi e martiri, tutti accomunati da un’autocombustione che nasce dalla loro stessa materia. Come stelle polari disorientate, svuotate della loro funzione originale, non irradiano più e l’energia si accumula, la pressione aumenta, la valvola di sfogo è interrotta e tutto, come nelle peggiori delle ipotesi, salta in aria, prorompe, divampa. Lo spazio della Fondazione VOLUME! viene così attraversato da piccole figure in autocombustione, dislocate come un corpo pulsante. Ogni soggetto è
trovato, raccolto, rielaborato nella pratica dell’artista, dando forma a un insieme collettivo e catartico, dove “l’infiammarsi” diventa atto unico, sublime e necessario. ECCHECCAZZO non è solo un titolo, ma un’esclamazione primaria, un gesto di resistenza e insieme di resa. Un lavoro che mette in scena il collasso dei simboli, la perdita di orientamento, ma anche la possibilità di una reazione: bruciare per tornare a esistere.

Inaugurazione Mostra Fotografica "Sarajevo"
2025-12-17 18:00 - 21:00
La mostra “Sarajevo” è un mosaico di sguardi e visioni: 22 autori hanno attraversato la città, dal centro ottomano di Baščaršija alla periferia di Alipašino Polje, e ne hanno raccontato le ferite, la bellezza, il rumore e il silenzio.
Una straordinaria costellazione di fotografie in cui il passato sfiora il presente, e il ricordo si intreccia con la memoria.
Dal bianco e nero al colore, le immagini rivelano frammenti di vita: una ruga sul volto di un’anziana donna che parla di lacrime e speranze, una granata sulla facciata di un palazzo di cui si sente ancora il frastuono, una rosa rossa che compare all’improvviso, fragile e indelebile.
Per tutte le Info
Itinerari di Luce
Doralisa D’Urso
doralisa.durso@gmail.com
328.36.37.805
www.itineraridiluce.com

PUNKCORE
2026-01-08 18:00 - 2026-01-10 21:00
Da Aprile 2023 ad Aprile 2024, Siren Deti lavora a una serie ritratto sulla scena punk hardcore romana che scrive i testi in Italiano. La sua ricerca punta dritto al cuore del punk per andare al di là e oltre l’immaginario a cui è circoscritto e ridotto. Il risultato è un racconto estimo, erotico e romantico sull’altra faccia del punk, quella che fa a meno dei personaggi per lasciare invece il posto all’intimità creativa di artisti alle prese con il femminile.

Anatomie Spontanee
2026-01-09 18:00 - 21:30
ANATOMIE SPONTANEE
Il 9 gennaio negli spazi di Parentesi, lo spazio espositivo di TWM Factory, inaugura Anatomie Spontanee, una mostra che riunisce opere e ricerche sviluppate nel 2025 all’interno dei percorsi Anatomie del Nutrimento, promosso da Cities Art Projects, e Roots and Routes, realizzato da Latitudo Art Projects nell’ambito della piattaforma europea Magic Carpets.
Roma Smistamento è il Centro Culturale di TWM Factory situato al primo piano dell’Arimondi District, ex edificio industriale che da anni accoglie studi d’artista, residenze, gallerie e spazi creativi.
Le curatrici Paola Farfaglio e Benedetta Carpi De Resmini intrecciano indagini che guardano al cibo come atto culturale, simbolo identitario e spazio di relazione: un territorio in cui immaginazione, memoria e vita quotidiana si incontrano. Il titolo allude a ciò che cresce ai margini, all’imprevisto, alla forza spontanea delle trasformazioni della materia.
La mostra riunisce opere che esplorano il cibo come gesto quotidiano, simbolo identitario e spazio di relazione.
In ESCULENTA, Caretto–Spagna realizzano un tavolo-dispositivo che rende visibile il ciclo di consumo, rigenerazione e ricrescita dei cavoli, invitando a riflettere su biodiversità e relazioni interspecie. I lavori di Gaia e Greta Scaramella: Milk di Gaia affronta il latte come nutrimento primario e la sua assenza nei contesti di guerra, mentre Il latte come nutrimento, cura, racconto di Greta propone favole simboliche per bambini, in cui il latte diventa origine e protezione. Con Ricette memorabili, Ombretta Gamberale costruisce un ricettario collettivo che intreccia memorie culinarie e storie di vita, trasformando il cibo in archivio affettivo. Camille Orlandini, con Faire Pain Commun e la video-installazione Impastare da una sponda all’altra del Tevere, indaga il pane come gesto universale che unisce acqua, territorio e cultura. Infine, Ex-voto against war di Nordine Sajot riflette sul nutrirsi come atto fragile e politico, mettendo in luce il ruolo del cibo nei contesti di conflitto.
Opening 9 gennaio ore 18:00–21:30
Parentesi – TWM Factory, Via Giuseppe Arimondi 3, Roma
Mostra visitabile dal 10 al 23 gennaio

Mostra d'arte di Badacan Dumitru
2026-01-10 00:00 - 2026-01-18 00:00
LA MOSTRA RAPPRESENTA UN NUOVO CAPITOLO DEL PERCORSO DELL’ARTISTA: UN INVITO AD ENTRARE IN UN PAESAGGIO INTERIORE DOVE MEMORIA E INTUIZIONE SI FONDONO.

STARMAN - L'universo di David Bowie
2026-01-10 17:00 - 20:00
STARMAN – L’UNIVERSO DI DAVID BOWIE
La Galleria Il Leone inaugura il nuovo anno con la mostra collettiva internazionale STARMAN – L’UNIVERSO DI DAVID BOWIE . Vi invita al vernissage che si terrà Sabato 10 Gennaio alle ore 17:00 in Via Aleardo Aleardi, 12, Roma
A dieci anni dalla sua scomparsa, una mostra collettiva rende omaggio a David Bowie – artista totale, pioniere della musica e dell’identità, figura che ha rivoluzionato l’immaginario culturale contemporaneo.
Un omaggio visivo e concettuale a una delle icone più rivoluzionarie della cultura contemporanea: David Bowie, artista camaleontico, poeta intergalattico, esploratore dell’identità e del suono.
All’interno della Galleria Il Leone, spazio che storicamente accoglie pratiche attente al dialogo tra contemporaneità e ricerca, la mostra collettiva dedicata a David Bowie, artista rivoluzionario che ha sovvertito i canoni non solo musicali, ma anche estetici, si configura come un atlante aperto. Non una narrazione lineare, ma una costellazione di punti di vista che riflettono la natura polifonica di Bowie stesso.
L’esposizione si propone come un percorso che esplora l’eredità artistica, estetica e simbolica di Bowie, andando oltre la dimensione musicale per indagarne l’impatto sull’arte, sull’identità e sull’immaginario collettivo. Ogni opera rappresenta una interpretazione personale, un omaggio o una rilettura critica che testimonia quanto la sua figura continui a ispirare nuove generazioni di artisti.
La mostra presenta 25 opere di 19 artisti contemporanei, ognuna ispirata a un aspetto dell’universo bowiano: metamorfosi, alter ego, viaggio interiore, spazio, sperimentazione, libertà.
PAMELA ALFIERI – ELENA ANSALONI – VALENTINA BUSSI – CAMILLA CAPPONI – TAMARA DONATI – VINCENZO GIULIANI – GABRIELLE HAWKINS – LAURA LIBERATI – IGNACIO MIARANDA – LUCIE MONNIER – NATALIE MORGAN – MARIA PRIMOLAN – JEROME SALIOU – SLATER SNOOK – FRANK STASSAR – ANGELINA VOSKOPOULOU – RAYMOND WOCHNER – DONATELLO ZACCARIA – LANXI ZHANG
Un’esposizione che non è solo celebrazione, ma anche riflessione sul cambiamento, il desiderio di libertà e la visione del futuro, elementi centrali nell’opera di Bowie e nella ricerca artistica contemporanea.
“Starman – L’universo di David Bowie” sarà visitabile dall’8 al 15 gennaio 2026, in una settimana ricca di significati:
– 8 gennaio, giorno della nascita di Bowie
– 10 gennaio, 10° anniversario della sua scomparsa
– 10° anniversario di “Blackstar”, suo ultimo album
– 50° anniversario del film “The Man Who Fell to Earth”, in cui interpretò l’alieno Newton
Il vernissage, in programma per sabato 10 gennaio alle ore 17:00, sarà anche un’occasione di celebrazione collettiva e riflessione sull’impatto culturale di Bowie, tra arte, musica e
Ingresso libero.
Apertura: 08/01/2026
Conclusione: 15/01/2026
Inaugurazione: SABATO 10 GENNAIO ORE 17
Curatore: Claudia Bevilacqua
Testo critico: Giulia Cascià
Luogo: Roma, Galleria Il Leone Via Aleardo Aleardi, 12 00185 Roma
Ingresso gratuito
Orari: da lunedì a sabato 10-13 e 15-18

Intrecci
2026-01-10 17:30 - 2026-01-15 19:00
Intrecci: la mostra tripersonale riunisce tre artiste accomunate da una ricerca sensibile sulle forme e sui materiali, ognuna con un linguaggio espressivo distinto.
Rosanna D’Urso presenta composizioni ad acquerello caratterizzate da un delicato equilibrio di tonalità calde e tratti sfumati. Nei dipinti su seta, la trasparenza e la leggerezza del tessuto diventano elementi centrali, capaci di amplificare la vibrazione dei colori e l’intensità delle emozioni.
Teresa Polimei esplora la dimensione del sentire attraverso la fotografia e il collage. I suoi scatti catturano emozioni e dettagli sottili, mentre le composizioni materiche ricompongono visioni interiori mediante la frammentazione e la stratificazione delle immagini, oltre il limite dell’apparenza.
Anna Rebecchi indaga la relazione con la natura attraverso lavori realizzati con tecniche miste. Le sue sperimentazioni restituiscono frammenti di paesaggi marini e boschivi, evocando un invito poetico a riscoprire il legame profondo con l’ambiente che ci circonda.

Elisa Abela. La belva che sei
2026-01-15 18:00 - 2026-02-28 19:00
Con “La belva che sei”, Maja Arte Contemporanea inaugura la prima collaborazione con Elisa Abela, presentando una mostra personale che riunisce circa trenta opere – una selezione di lavori su carta datati 2020–2022 e un nucleo inedito di dipinti su tela del 2025.
Protagonisti assoluti sono gli animali: un piccolo bestiario che spazia dal domestico al selvatico, dall’aria all’acqua, fino alle creature più inattese. Figure autonome e solitarie, portatrici di una presenza irriducibile, emergono dalla superficie del dipinto come alter ego, specchi e controcanti del nostro umano.
La scelta di lavorare sul soggetto animale attraversa questo ciclo di opere come un terreno di ricerca specifico, non simbolico in senso stretto. Gli animali di Abela non rappresentano tipi né allegorie stabilite, ma presenze singolari, sottratte a dinamiche di gruppo e a qualsiasi gerarchia narrativa. In questa condizione di isolamento e sospensione di ruoli e funzioni, l’artista individua uno spazio di prossimità: una possibilità di osservazione non mediata, in cui l’animale non è chiamato a “dire” qualcosa, ma semplicemente a essere.
Il titolo della mostra riprende una delle frasi che accompagnano le opere, “La belva che sei”, e rimanda a una pratica ricorrente in questa serie: l’inserimento di brevi testi che affiancano o attraversano le immagini. Non si tratta di didascalie né di commenti esplicativi, ma di enunciati essenziali, talvolta formulati in seconda persona, che entrano in relazione con la figura senza chiuderne il senso. Le parole non spiegano l’immagine né la guidano, ma ne costituiscono un ulteriore livello, una soglia di risonanza che resta aperta all’esperienza dello sguardo.
“La belva che sei” non indica un’identità da svelare, ma una molteplicità da attraversare, un campo di presenze in continua trasformazione.
NOTE BIOGRAFICHE
Elisa Abela (Catania, 1980) vive e lavora in Francia, dove affianca alla ricerca visiva un’attività musicale costante. Il suo lavoro si sviluppa attraverso disegno, pittura, libro d’artista e pratiche performative e video, spesso in dialogo con il collettivo canecapovolto, con cui ha realizzato numerosi progetti espositivi e audiovisivi.
Ha tenuto mostre personali e partecipato a esposizioni in diverse sedi in Italia, tra cui s.t. foto libreria galleria (Roma), Bocs (Catania), AOC F58 – Galleria Bruno Lisi (Roma) e Interzone Galleria (Roma). Parallelamente ha sviluppato una ricerca articolata sul libro d’artista, presentata in mostre e pubblicazioni dedicate.
Nel 2017 e 2018 alcune sue opere sono entrate nella Collezione Donata Pizzi e sono state successivamente esposte nella mostra “L’ALTRO SGUARDO. Fotografe italiane 1965–2018”, a cura di Raffaella Perna, presso il Palazzo delle Esposizioni di Roma. Nel 2021 una parte significativa della sua produzione di libri d’artista è stata acquisita nella collezione di Tiane Doan na Champassak.
Nel 2024 ha partecipato al programma di residenza artistica dell’Associazione Lizières (Épaux-Bézu, Francia), sviluppando il progetto mostra-atelier “Enjoy Panic” e collaborando con scuole e realtà locali per progetti di arti visive e musicali.

From Pop to Eternity alla Vaccheria
2026-01-18 10:00 - 2026-03-29 18:00
FROM POP TO ETERNITY | 12 settembre 2025 – 29 marzo 2026
La Vaccheria “Casa della Pop Art” – Via Giovanni L’Eltore, 35 (Municipio IX)
Ingresso gratuito
Orari: dal martedì al giovedì dalle 9 alle 13. Venerdì, sabato e domenica dalle 9 alle 19. Chiusura il lunedì.
Info: tel. 06 69612221 | www.lavaccheriaroma.it
Fino al 29 marzo 2026 negli spazi della Vaccheria dell’EUR “Casa della Pop Art”, è possibile visitare la mostra antologica FROM POP TO ETERNITY, dedicata a uno degli artisti più innovativi e rappresentativi della Pop Art: lo statunitense MARK KOSTABI.
Realizzata dal Municipio IX Roma EUR con il supporto organizzativo di Roma Capitale e la collaborazione di Zètema Progetto Cultura, l’esposizione a ingresso gratuito mette insieme più di 100 opere, tra sculture, oli su tela, tecniche miste e disegni, lungo un percorso curato da Gianfranco Rosini e organizzato da IconArs con le ambientazioni artistiche ideate e realizzate da Francesco Mazzei e Giuliano Gasparotti per Kif Italia. Il catalogo è edito da RG – Collezione Rosini Gutman.
L’importante mostra evento conferma ancora una volta il ruolo centrale nella diffusione dell’arte moderna e contemporanea ricoperto dalla Ex Vaccheria dell’Eur

Mostra collettiva Signal & Silence by The Almanac Management
2026-01-23 18:00 - 2026-01-29 19:00
Dal 23 al 29 Gennaio 2026 Medina Art Gallery presenta “Signal & Silence”, la mostra collettiva del progetto curatoriale internazionale The Almanac Management di Danielle Sher con artisti da tutto il mondo che presenteranno pittura ad olio e scultura nella gallery di Via Angelo Poliziano 32-34 a Roma.
L’inaugurazione si terrà venerdì 23 gennaio alle ore 18.00 presso la galleria di via Angelo Poliziano 32-34.
This isn’t just an art show, it’s a signal. Il progetto curatoriale internazionale The Almanac Management lancia così la prima mostra europea.
Le opere in mostra, realizzate da 13 artisti provenienti da 7 Paesi, esplorano il potente dialogo tra connessione e assenza nell’era digitale. In un tempo caratterizzato da frammentazione e sovraccarico informativo, “Signal & Silence” mette in relazione lavori che danno voce a ciò che viene espresso, a ciò che resta inespresso e a ciò che si manifesta nello spazio intermedio dell’esperienza emotiva.
“Signal & Silence” è una mostra collettiva curata che indaga le sfumature della comunicazione umana: le sue distorsioni, le fratture, le riconnessioni e le possibilità di redenzione. L’arte diventa il mezzo attraverso cui la riconnessione si rende possibile: tra individui, culture e dimensioni interiori. Attraverso le opere esposte, gli artisti propongono una riflessione su ciò che accade quando la comunicazione fallisce, muta o si trasforma in assenza.
Durante il periodo espositivo sono previsti talk, incontri, workshop e momenti di riflessione
condivisa.
Artisti in mostra:
Anastasia Krivolapova
Avraham Vofsi
Danielle Sher
Dominika Sikora
Emma Garay
Gaia Yoel
Mindy Paskil
Pablo Rojas Pittaluga
Ralph Lee
Ruth Feurstein
Urška Lončar
Yonatan Ron
Zane Shersher

Francesca Cao - On Becoming A Wolf
2026-01-24 17:30 - 2026-03-07 19:30
Francesca Cao
On Becoming A Wolf
Inaugurazione 24 gennaio 2026 ore 17.30
Galleria Zema
Via Giulia 201 – Roma
Fino al 7 marzo 2026
Il giorno 24 gennaio 2026 alle ore 17.30 la Galleria Zema presenta la mostra On Becoming A Wolf di Francesca Cao, un progetto fotografico sviluppato e curato dall’artista stessa attraverso l’Errore Metodico, una tecnica fotografica analogica brevettata, basata sulla sovrapposizione intenzionale di più fotogrammi in fase di scatto. Lontano da un intento documentaristico, il lavoro prende forma come una narrazione interiore e psicanalitica, un’indagine visiva che attraversa il tema della liberazione del femminile mediante un linguaggio intimo, istintivo e imperfetto.
Le immagini, infatti, non aspirano a restituire una realtà oggettiva ma aprono un territorio emotivo in cui memoria e presente, coscienza e inconscio, controllo e abbandono possono coesistere. Alla base del progetto vi è un ripensamento del rapporto tra fotografia e verità che, in questa doppia posizione di autrice e curatrice, viene assunto come parte integrante del processo stesso. Se la tradizione fotografica ha spesso posto l’accento sulla fedeltà del mezzo e sull’onestà del documento, qui la fotografia è intesa come spazio di esperienza soggettiva, di pensiero e di possibile rivelazione interiore. L’immagine fotografica si presenta così instabile e stratificata, attraversata da tensioni e slittamenti, aprendo alla possibilità di una realtà altra, specchio di un immaginario intimo.
In questo senso, il progetto si colloca in dialogo con alcune istanze del surrealismo di André Breton, che riconosceva nel gesto artistico una via di accesso all’inconscio: attraverso l’uso consapevole dell’errore e dell’imprevisto, una macchina fotografica del 1936 viene progressivamente sottratta a una funzione di controllo per diventare parte attiva del processo creativo. Sfocature, movimenti e sovrapposizioni, emergono come tracce di un pensiero non razionale, come affioramenti di una dimensione profonda e non completamente addomesticata. La sovrapposizione dei fotogrammi genera immagini sospese, prossime alla logica del sogno lucido, che lasciano spazio a una pluralità di letture. In questo progressivo abbandono del controllo, la fotografia si allontana dalla perfezione digitale per riappropriarsi dell’errore come gesto generativo.
Come scrive Alessia Locatelli, curatrice della Biennale di Fotografia Femminile: «Questo approccio crea immagini a volte intime, altre volte narrative e metaforiche, trascendendo le norme convenzionali. Il lavoro sfida la nozione di errore umano, evidenziando i casi storici in cui gli errori hanno portato a scoperte innovative, facendo eco alla resilienza e al pensiero laterale fondamentali per la creatività umana. Questa partenza metodologica abbraccia l’imprevedibilità dell’emozione umana, deviando dalla razionalità cartesiana verso l’esplorazione di infinite possibilità.»
Il titolo On Becoming a Wolf rimanda a Donne che corrono coi lupi di Clarissa Pinkola Estés e può essere inteso come un invito a riscoprire l’anima selvaggia, sottraendosi all’ossessione per l’ordine, il controllo e la forma compiuta. In questo percorso, la fotografia tende a liberarsi dal peso della rappresentazione per farsi esperienza di luce e di materia, spazio di proiezione per lo spettatore. La verità non si colloca nella superficie dell’immagine, ma si attiva nel mondo interiore di chi guarda, in quel territorio fragile e potente in cui l’essere smette di controllarsi e inizia, forse, a diventare.
Domenica 25 gennaio dalle 15.00 alle 19.30, l’artista sarà in galleria per una sessione di ritratti realizzati con la tecnica dell’Errore Metodico: chi fosse interessato può fissare un appuntamento scrivendo alla mail della galleria.
BIOGRAFIE
Francesca Cao è una fotografa italiana che vive a Milano. Laureata in Filosofia, ha studiato fotografia all’International Center of Photography di New York. Il suo lavoro è stato esposto in Italia, Europa e Stati Uniti, ed è parte della Collezione Donata Pizzi. Le sue immagini sono apparse su testate come The New York Times, Corriere della Sera, D – la Repubblica, Wired e Marie Claire. Nel 2020 ha pubblicato il libro Temporary Life (Postcart Edizioni). Con il progetto On Becoming A Wolf ha sviluppato una tecnica analogica originale, l’Errore Metodico, basata sulla sovrapposizione in camera di fotogrammi. Questo lavoro ha ottenuto riconoscimenti internazionali, tra cui una menzione d’onore ai Tokyo International Foto Awards e l’inclusione nella mostra annuale del Houston Center for Photography (2025). Nel corso della sua carriera è stata vincitrice della Tierney Fellowship (International Center of Photography New York) e finalista per premi come l’Inge Morath Award (Magnum Foundation) e l’Unseen Dummy Award di Amsterdam. La sua ricerca esplora temi di identità, memoria e imperfezione attraverso un linguaggio fotografico intimo e sperimentale, che unisce narrazione, installazione e tecnica.
Galleria Zema. Fondata a Roma il 6 marzo del 2025 da Emanuela Zamparelli, la Galleria ZEMA è uno spazio indipendente dedicato esclusivamente all’esposizione e promozione dei lavori di artiste donne, e in particolare della fotografia contemporanea femminile. La galleria rappresenta fotografe italiane e internazionali, accomunate da uno sguardo autonomo, critico e consapevole sul presente, e diverso da altri sguardi. Attraverso un programma espositivo che intreccia ricerca artistica, impegno sociale e riflessione culturale, la galleria si propone come luogo di visibilità e ascolto, dove il corpo, l’identità, la memoria e il conflitto diventano temi da indagare per dare nuova forma e contenuto al vissuto e alla memoria, alla ribellione e all’intimità. ZEMA non è solo una galleria, ma un progetto curatoriale, uno spazio vivo in cui la fotografia si fa linguaggio, relazione e resistenza.

Mostra personale di Angela Thouless
2026-01-30 18:00 - 2026-02-05 18:00
Dal 30 gennaio al 5 febbraio 2026, Medina Art Gallery presenta la mostra personale di
Angela Thouless, accompagnata dal testo critico di Giulia Majer, in Via Merulana 220 a Roma.
L’evento di opening si terrà il giorno venerdì 30 gennaio alle ore 18:00 presso la galleria di via
Merulana 220.
La pittura di Angela Thouless nasce da un gesto istintivo e continuo, sviluppato nel corso di oltre
vent’anni di ricerca tra pittura e linguaggio urbano. Formata ad Aberdeen, dove vive e lavora, l’artista
trova un momento decisivo nel 2012 con l’incontro con la street art di Amsterdam, che segna una svolta
nella sua pratica: il muro diventa spazio espressivo e la bomboletta spray strumento di libertà e
sperimentazione.
Le opere in mostra si configurano come paesaggi mentali in trasformazione, in cui maschere rituali,
figure simboliche ed elementi della quotidianità contemporanea convivono in composizioni dense e
vibranti. Culture lontane si incontrano, dando vita a un linguaggio visivo che supera confini geografici
e temporali. Il colore occupa un ruolo centrale nella ricerca dell’artista: intenso, contrastato e diretto,
attiva lo spazio dell’opera e coinvolge lo spettatore in modo immediato. In questo equilibrio tra
spontaneità e controllo, gioco e consapevolezza, il gesto pittorico si fa esperienza sensoriale.
Influenzata dall’Espressionismo tedesco, dall’arte primitiva e dalla street art, Angela Thouless
costruisce un universo visivo in cui il gesto pittorico è diretto e quasi fisico. La forza decorativa delle
immagini si intreccia a una tensione simbolica e narrativa che rimanda a una dimensione collettiva e
ancestrale, in cui l’immagine non descrive ma evoca, lasciando emergere ciò che pulsa sotto la
superficie.
La mostra si presenta così come uno spazio di incontro e attraversamento, in cui istinto e memoria,
passato e presente, individuo e collettività dialogano apertamente. Un’esperienza visiva che invita lo
spettatore a lasciarsi coinvolgere da un linguaggio pittorico libero e vitale, capace di parlare allo sguardo
contemporaneo.
